No seré aprendiz de borrego

Entrevista a Adrián y Ramiro García Bogliano por el estreno de Penumbra

2012-02-09T05:57:00.002+01:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Febrero 2012
Entrevista

“Es -por mucho- nuestra película con mejor factura”

Con el estreno de Penumbra, de los hermanos Adrián y Ramiro García Bogliano, mañana se larga un nuevo capítulo para el cine de terror en las multipantallas locales. En esta entrevista, los directores hablan sobre el panorama comercial del cine de género, las diferencias de su nueva película con respecto a las anteriores, sus influencias, el elenco internacional que la compone y más.

Con elenco internacional, atravesado por un crisol de razas que va desde la española Cristina Brondo hasta el paraguayo Arnaldo André, pasando por la colombiana María Nela Sinisterra, la uruguaya Mirella Pascual y los argentinos Camila Bordonaba, Sebastián Muñíz y Gustavo Garzón, los directores madrileños (aunque criollos por opción e historia) Adrián y Ramiro García Bogliano se despachan con una nueva película de género estrenada derecho en las carteleras comerciales: Penumbra. Así, con este segundo filme consecutivo que exhiben en todo el país, después de la experiencia Sudor Frío en 2011, más su respectiva legitimación global, el advenimiento del cine de género en la Argentina sigue a paso firme y, a fuerza de una sinergia tan conciente como tozuda, aumentan las posibilidades de que el fantaterror finalmente prospere a nivel local. | Por Hernán Panessi

Ahora, con su segunda película en cines, y con varios colegas que han ganado concursos de INCAA y estrenado lo suyo, ¿cómo ven el panorama de posibilidades con respecto a que el cine de género tome constancia en las carteleras comerciales?
RAMIRO GARCÍA BOGLIANO: El cine de terror/fantástico nacional debe tomar el lugar en las carteleras que tienen las películas del mismo género que vienen de afuera. Después de estos años de desarrollo, el género argento ha demostrado alcanzar un nivel alto, con títulos como Malditos Sean!, Daemonium o Incidente logrando premios, reconocimientos, distribución en todo el mundo. Con Penumbra queremos aportar nuestro granito de arena a este avance. Creo que hay que seguir esforzándose, haciendo cada vez mejores películas, con mejor factura, que cuenten historias que conecten con los miedos nacionales y luchar hasta el último momento por las pantallas. Cualquier película de terror sin estrellas norteamericana sin referentes o nombres conocidos que se estrena en el país hace fácil entre cien mil y doscientos mil espectadores. Creo que esos espectadores terminarán apoyando las propuestas nacionales, más originales y más nuestras.
ADRIÁN GARCÍA BOGLIANO: Creo que el tema, como dice Ramiro, es no regalar espacios. Estamos en un momento difícil donde se plantean muchas preguntas sobre el futuro del cine y sus formas de exhibición. Yo no creo que tengamos que relegar ninguna plataforma. Creo que tenemos que intentar que el cine de género se produzca en diferentes niveles y que acceda a todos los espacios disponibles. Estar en festivales, estar en Internet, que las películas se vendan afuera legal e ilegalmente habla de una presencia que tiene nuestro cine de género que era impensable hace diez años. Pero no hay que resignarse a que las películas no puedan estar en carteleras o que sólo tengan el espacio de las sobras de las películas extranjeras.

Dado que dirigieron los dos, ¿cómo se repartieron ese trabajo?
RAMIRO: En general, durante el rodaje, Adrián se dedica fundamentalmente a la puesta en escena y yo me centro en el trabajo con los actores. Durante la previa y la postproducción, las decisiones sobre cualquier asunto están más compartidas y es difícil que se plantee un gran desacuerdo entre ambos. Llevamos trabajando juntos desde hace veinte años, cuando comenzamos a editar fanzines sobre cine de género.
ADRIÁN: En las otras películas que codirigimos era una forma de apoyarnos el uno en el otro y repartir mejor el stress de filmaciones muy complicadas en condiciones que eran bastante adversas. En este caso, que trabajamos con bastante más clama que en todas nuestras películas anteriores, nos permitió profundizar mucho a cada uno en un aspecto determinado de la película, creo que eso hace que Penumbra sea -por mucho- nuestra película con mejor factura y de las pocas donde lo que está en pantalla es exactamente lo que queríamos. A veces es bueno que la película te sorprenda un poco la hora de la edición y te encuentres con cosas, con ritmos que no te imaginabas. Pero en este caso, todo lo que esta en la pantalla es tal cual lo imaginamos desde que comenzamos con el proyecto, diez años atrás.

¿Cómo fue su trabajo con el elenco internacional?
RAMIRO: Necesitábamos contar con una actriz española para el personaje de Marga, era fundamental para contar la historia. Por suerte pudimos contar con Cristina Brondo, una actriz que admirábamos desde hace años y que tiene el valor añadido de haber protagonizado Ti Piace Hitchcock?, a las órdenes de Dario Argento, uno de nuestros directores favoritos. Cristina entiende muy bien el género y tiene carisma y talento de sobra para cargarse la película al hombro, ya que el personaje de Marga participa del noventa por ciento de la acción. Pero lo cierto es que todo el elenco es soñado: un montón de intérpretes de primera que vienen de los ambientes más variados pero que se complementaron fabulosamente porque los motivaba el libro y el carácter de sus personajes. Y es cierto que, a pesar de ser una película enteramente argentina, tanto el equipo artístico como técnico incluye gente de España, Paraguay, Colombia, Uruguay… convirtiendo la película en una experiencia con una interesante cantidad de profesionales de Iberoamérica. El trabajo fluyó maravillosamente.
ADRIÁN: Nosotros ya habíamos trabajado en otros países con actores españoles, cubanos, costarricenses… finalmente con todos los actores se trata de lo mismo, que ellos tengan ganas, y como solemos decir “sean actores hambrientos”. Y, claro, que uno como director sea claro conceptualmente. En Penumbra, como en la mayoría de nuestras películas, nos encanta que haya actores de diferentes ambientes, gente que venga con distintas inquietudes y formación bien diversa.

¿Cuáles fueron las principales influencias a la hora de realizar Penumbra?
RAMIRO: Muy pocas en relación a trabajos anteriores. Hay guiños a Next of kin de Tony Williams, La madre muerta de Juanma Bajo Ulloa, Los Extraños de Bryan Bertino, saludos a Mario Bava, Dario Argento o incluso a Steven Spielberg. Es innegable que Penumbra tiene un aire, salvando las enormes distancias, al Polanski de los sesenta, pero no lo estudiamos. Basta con decir que El bebé de Rosemary y El Inquilino las vimos cuando teníamos entre ocho y doce años y por lo tanto son películas que forman parte de nuestro organismo. Recuerdo que no mucho después de ver El Inquilino, a fines de los ochenta, nos pasamos toda una tarde somatizando con nuestros amigos, convencidos de que desde una de las ventanas del edificio de enfrente una figura humana permanecía inmóvil, mirándonos…
ADRIÁN: Sí, yo recuerdo lo mismo. Para chicos que vivían en un edificio, películas así evidentemente dejaban una huella peculiar. Hay otras cosas que también ya tenemos asimiladas de forma permanente, como el trabajo de Brian De Palma. Acá, igual, no pensamos mucho de manera especifica en sus clásicos de suspenso o terror, sino en cosas mas tipo Misión: Imposible. Pero también hubo cosas que fueron muy importantes ya desde el guión y que tienen menos que ver con el género, como algunas adaptaciones de David Mamet, como Glengarry Glen Ross u Oleanna, cosas que nos encantan por los tipos de personajes, muchas veces bastante antipáticos, y que tienen aquella capacidad de ir guiando la acción a través de los diálogos y lo maravilloso de esos diálogos es que muchas veces generan más malentendidos o dejan más cosas sin decir que un silencio.

¿Con qué se van a encontrar los espectadores que vayan a ver Penumbra?
RAMIRO: Una película de suspenso con toques de comedia negra que va desenvolviendo su trama de manera muy gradual, hasta llegar a un clímax de tensión, terror y elementos sobrenaturales. Es una película de género más clásica que Sudor Frío, dosifica más los momentos de impacto y está mucho más apoyada en el trabajo de los actores que en las situaciones truculentas… Aunque también las hay. Es una película de línea clara, que guarda unas cuantas sorpresas para los espectadores que se confíen demasiado.
ADRIÁN: Una película de suspenso donde se llega al terror a través de un camino diferente al habitual, no por medio de los clichés del genero, sino con malentendidos y situaciones cotidianas que van arrinconando al personaje hacia una situación oscura y, creemos, sorprendente. Hasta ahora la acogida de la película viene siendo muy buena. Ha tenido excelente repercusión en los utlimos meses desde su estreno en Fantastic Fest en los Estados Unidos, ganamos varios premios y ya tiene criticas muy positivas no solo de medios muy significativos dentro del ambiente del genero como Ain’t it cool news, sino de medios de cine en general como Variety. Ahora hay que ver qué dice el publico argentino…

Nota: "Estudiar videojuegos en la Argentina"

2012-01-28T22:07:00.001+01:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Febrero 2012
FECHA: Enero 2012
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Estudiar videojuegos en la Argentina

Los jóvenes que crecieron con un joystick en brazos ya pueden hacer de su recreo una profesión: la industria de los videojuegos gana terreno en la Argentina y busca mano de obra capacitada. Sí, en Sudamérica ya hay gente viviendo de y por los videojuegos.

Hoy por hoy, con unas 3000 horas cátedra, es decir: unos 3 años de cursada, se puede estudiar videojuegos y obtener, así, un título oficial. Además, en nuestro país existen programas profesionales más una serie de especializaciones en distintas áreas, a propósito de lo que significa hacer videojuegos: programación, arte y diseño.
Si hablamos de salida laboral, bien vale reconocer un dato tan prometedor como auspicioso: están viniendo a nuestro país una buena cantidad de empresas que diseñan videojuegos y contratan mano de obra nacional. Claro, el porqué se sobreentiende: es más barata, pero, pese a ello, el laboro es muy bienvenido, ya que pagan en dólares o euros y el cambio, desde luego, nos favorece.
Aquí hay una particularidad: la industria del videojuego está en constante crecimiento. De todas las industrias creativas es la única que no cayó (Durgan A. Nallar, de la Revista Irrompibles, dixit) y, al mismo tiempo, está alcanzando proporciones monstruosas: la facturación global por ventas de juegos crece año a año y para el 2012 se estima en más de 14 mil millones de dólares. Y en Argentina, por caso, hay más de 120 estudios desarrollando videojuegos. Grandes y pequeños. Para consolas, celulares o Facebook. Incluso, hay varias empresas internacionales que tienen gente anexada en nuestro territorio a fines de, bajo formas cooperativas, terminar los encargos más rápidamente. Lo que sí, vale destacar, no sucede demasiado el hecho de que vengan compañías extranjeras a desarrollar juegos completos en Argentina. Sin embargo, aparece bien pujante el nuevo contexto: ¿y a quiénes buscan para contratar? Sí, a los egresados de las escuelas de videojuegos.
Se puede estudiar videojuegos y vivir de ellos, eso está comprobado. Hace cerca de 5 años atrás, esta cuestión era casi exclusiva del exterior (destacándose Estados Unidos, potencias de Asia y ciertos países europeos). Actualmente, por estos lares, ya hay gente viviendo de los videojuegos. Sucede que, asimismo, con Internet, los mecanismos de difusión y comercialización se tornaron provechosos y muy fáciles de explotar.
Con inversiones bajas, muchos se dedican, también, a hacer juegos para móviles o iPhones, ya que Apple, por ejemplo, proporciona una plataforma muy cómoda de acceder y democratizar. Por 100 dólares al año, y con una inversión de 3 a 5 mil dólares, podrán subir y comercializar sus juegos. En unos cuatro meses de trabajo, tres o cuatro personas podrán producir juegos para móviles y recibir ingresos bastante interesantes por ello. Es posible vivir de los videojuegos en Argentina, así que, en consecuencia, si ha de interesarles tal oportunidad, les contamos cuáles son las escuelas en donde podrán comenzar a realizar sus sueños.

Para estudiar videojuegos en Argentina, chequear los siguientes links:

Image Campus
Carrera de técnico superior en desarrollo de videojuegos. Capacitación en diseño, 3D, games, webs, desarrollos, softwares y empresas.
Website: www.imagecampus.com.ar

Escuela Da Vinci
Carrera de diseño y programación de videojuegos. Cursos de animación, 3D, modelado, escultura digital, diseño web e ilustración artística.
Website: www.escueladavinci.net

Escuela ORT
Cursos y especializaciones varias.
Website: www.ort.edu.ar

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Nota: La Chica del Dragón Tatuado, de David Fincher

2012-01-28T21:56:00.000+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Enero/Febrero 2012
Reseña

Complicada y aturdida

David Fincher sigue dando caña. Ahora, bajo el amparo de una oscura trilogía –la de Millenium, obra de Stieg Larsson- de probada efectividad, se despacha con una reversión original de tal y, de paso, sigue afianzándose como uno de los cineastas de elite que mejores manejan los coloquios en la actualidad. Por Hernán Panessi

Resulta curioso. Aún sin estrenarse, la cadena MTV de los Estados Unidos eligió la cinta La Chica del Dragón Tatuado como la “Mejor del Año”. Así, la mano del cineasta David Fincher, posada encima de la del (antes) finito y malogrado y (ahora) célebre, eterno y bien ponderado escritor sueco Stieg Larsson, más el cuerpo de la irremplazable (y, al presente, emblemática) Rooney Mara, hicieron las veces de agente orgiástico: Lisbeth Salander y la trilogía de Millenium son dos de las nuevas referencias ineludibles del consumo cultural. Son dos, por caso, de los nuevos íconos de la cultura pop contemporánea. Y, con justicia, merecen significarlos.
En La Chica del Dragón Tatuado, Lisbeth (Rooney Mara) será humillada para toda la vida pero, aún pese a esa marca vomitiva, saldrá delante de la manera más pasional y cínica posible: mediante la venganza. Sobre un derrotero de tribulaciones conocerá al periodista Mikael Blomkvist (Daniel Craig), responsable de la revista Millenium, quien se encontrará investigando por encargo una muerte sucedida 40 años atrás y, para colmo, será indagado por difamación y calumnias. Acá, Lisbeth, una hacker punk, de armas tomar, moderna y con un pasado bien turbio, compartirá junto a Mikael un sentimiento irreparable subyugado ante una representación desagraviada de las cosas: el de cometer justicia, sí, ante las injusticias.
Fiel adaptación de las novelas de Larsson apuntaladas a denunciar el maltrato de las mujeres en la siempre perfecta, y por eso fatal, Suecia, la versión norteamericana de La Chica del Dragón Tatuado, que contiene un final diferente a las versiones originales, es capaz de seguir expandiendo la milleniummanía hacia otra naturaleza, la del mundo Hollywood, aún sin tener que renegar por ser una remake que muchos, sobre todo en el bullicio infinito de Internet, desestimaban.
El manejo del misterio -que supera sensiblemente al de los libros- y las aristas criminales-sexuales responden a un postulado uniforme a toda su vestidura: la oscuridad de los personajes -esas escenas de sexo entre Lisbeth y Mikael, esa violación, esa persecución en moto, ¡esa venganza!- sostienen todo lo más sobresaliente del devenir. Son eje, guía y fruición. Sordidez, tormento y goce.
Pese a su extensión, la película dura dos horas y cuarenta minutos, a la intensidad de sus dialogos, y, sobre todo, gracias a la violencia, más la preponderante composición musical de Trent Renzor (el genio detrás de Nine Inch Nails y el responsable del soundtrack de Red Social, por el que ganaría un Óscar), el filme logra mantener al público en vilo al punto de no extrañar en ninguna instancia a la, por este entonces, transgresora de Noomi Rapace, la Lisbeth Salander original.
Por eso, quien merece párrafo aparte es, justamente, Rooney Mara, la actriz de Pesadilla en la Calle Elm (Nightmare on Elm Street, 2010) y Red Social (The Social Network, 2010), quien ha hecho de la devoción por el personaje de Lisbeth una interpretación genuina, respetuosa, axiomática y superlativa, sin titubear en cortarse el cabello, utilizar piercings & tatoos varios, aprendiendo a manejar motos, adhiriéndole un acento sueco muy convincente e incorporándole un physique du rol digno de premiar vía la Academia. Por su parte, Daniel Craig entrega una sólida y sobresaliente actuación y, a su vez, David Fincher resulta capaz de definir una estética –moderna, jovial, de adagios- y una ética –transgresora, socarrona y peculiar- aproximándose, en realización y puntuaciones, a tal nivel de perfección que pondría celoso hasta el mismísimo maestro de los detalles, Stanely Kubrick.
Está claro que los de MTV no le pifiaron ya que, una vez en el aire, La Chica del Dragón Tatuado se legará en la perpetua estima por la mesura, lo perfecto y la inmensidad. La Chica del Dragón Tatuado será, entonces, sino la mejor, una de las 10 películas más destacadas del año. Aunque la firma ya la pusieron los de MTV, casi sucribimos.

Entrevista a Pablo Salomón, productor de Aballay: El hombre sin miedo

2012-01-28T21:54:00.002+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Enero/Febrero 2012
Entrevista

Cómo sobrevivir a los Óscar

A propósito de la nominación de Aballay como una de las potenciales seleccionadas para ser la “Mejor Película Extranjera” en los premios Óscars 2011, y luego de resultar la gran ganadora de los Premios Sur 2011, entrevistamos a su productor ejecutivo, Pablo Salomón, quien nos pasó una serie de aproximaciones realistas sobre cómo afrontar tamaño suceso. Por Hernán Panessi

Cada año, la industria cinematográfica pone su foco en el premio más prestigioso de todos: los Óscar, entregados por la mismísima Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Ser ponderado a los Óscar, en cualquiera de las ternas, es una experiencia única que marca de por vida a los afortunados. Y Argentina, por caso, ha sido acreedora y doblemente afortunada, mediante La Historia Oficial –en 1986- y El Secreto de sus Ojos –en 2010-, de dos premios a “Mejor Película Extranjera”. Porque se viene una nueva ceremonia, y porque queremos develar el misterio, Pablo Salomón, productor ejecutivo de Aballay, filme de Fernando Spiner ponderado para la misma terna, de paso intermitente por los cines locales, nos cuenta cómo sobrevivir a los Óscars y no morir en el intento.
“Los pasos a seguir –dice Salomón, enfático- son el de instalar la película en Los Ángeles, epicentro de la industria y hogar de los Óscar, para que los miembros de la Academia de Hollywood conozcan su existencia, puedan verla y eventualmente votarla”. Se parte del ABC: que la película sea vista por los comités evaluadores. “Aballay compite este año –agrega Salomón- con 60 películas aproximadamente. El esquema clásico, una vez conseguida la financiación, es el de organizar proyecciones adicionales entre los miembros de la Academia, participar de algún festival norteamericano como el de Palm Springs y publicar la mayor cantidad de avisos posibles en medios especializados como Variety o Screen International”. ¿Y cómo se hace para llegar a esos medios especializados?, es la pregunta que cualquiera se haría viendo que todos lucen como tótems de aspecto inalcanzable. “Te contactás con ellos quienes, por supuesto, para estas fechas tienen promociones importantes para publicar. Lo más difícil es conseguir el dinero”. ¿Entonces? Sí, para sobrevivir a los Óscar hace falta un buen lobby, presencia en los medios Clase A y alguna que otra importante suma de dinero para invertir en ello.
“Mi prejuicio me indicaría que hay que ejercer algún tipo de lobby internacional, como en cada gestión donde uno intenta abrirse juego entre tanta feroz competencia y donde el premio cambia sustancialmente la ecuación comercial futura. Desde nuestro lugar, como productora independiente argentina, a lo máximo que podemos aspirar es a dar la mayor cantidad de pasitos posibles, intentando destacar nuestro trabajo”, agrega Salomón sobre tal aspecto. Ahora bien, ¿dónde se recurre a pedir ayuda? Uno de los pasos obvios es golpear las puertas del INCAA y, más luego, intentar con capitales privados. Sobre ello, Salomón dice que “fue el INCAA quien nos ayudó con la copia subtitulada solicitada por la Academia de Hollywood. Por su parte, hicimos varias gestiones institucionales y privadas pero no hemos obtenido tantos resultados. Me llama la atención porque sabemos de la importancia y proyección que tienen los Óscar, pero debemos rendirnos ante la evidencia de la realidad”.
Además del impedimento económico hay otro escollo a superar. Las circunstancias indican que, para el público y el pensamiento hegemónico norteamericano, México y Europa son plazas importantes a la hora de ponderar y evaluar futuros ternados; por eso, hay un sensible inclinamiento hacia esos lares. “Las películas europeas y las mexicanas aparecen como favoritas para competir y eventualmente ganar. También las orientales o las de Europa Central. Sin embargo, Latinoamérica tiene una sólida tradición cinematográfica con autores muy potentes que se han abierto un merecido espacio. Para este año suena fuerte Miss Bala –producida por Canana Films, propiedad de Gael García Bernal y Diego Luna, dos valores pujantes en la industria del cine-, la candidata mexicana que, además, está por ser estrenada en Estados Unidos con un lanzamiento muy importante”.
En la difícil tribulación hacia los Óscar, Pablo Salomón reflexiona acerca del devenir que corrieron en suerte con Aballay: “No tengo una respuesta clara a porqué no tuvimos tanto éxito pidiendo apoyo. Muchas veces se me ocurrieron grandes ideas que no pude financiar. ¿Será que no eran tan buenas después de todo o será que participar del Óscar no es un objetivo tan importante como uno imagina?”. Sea cuál fuere la respuesta, cada año, la industria se detiene impoluta, posa su visión en los galardonados y quienes resultasen vencedores, nunca volverán a ser los mismos.

Review de Tapping the Vein, de Clive Barker

2012-01-28T21:51:00.002+01:00

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Enero/Febrero 2012
Review

Clive Barker’s Tapping the Vein Vol. 1
Madrid, 2007

AUTOR Clive Barker
EDITA Ediciones Kraken
PÁGINAS 128
PRECIO 14,90 €
STATUS en venta

Resulta que Tapping the Vein Vol. 1 es la compilación de aquellas adaptaciones gráficas que se han realizado de cuatro de las historias breves que componen Libros de Sangre (The Books of Blood), una colección de relatos de terror, erotismo y evocaciones oníricas propiciados por el autor británico Clive Barker, publicados entre 1984 y 1985.

¿Qué onda? Esta antología nominada a los premios Eisner, los Oscar de los cómics, arremete contra la visión instaurada de la realidad, mostrándonos personajes que, a diferencia de la norma, no son personas comunes y corrientes inmersas en situaciones peligrosas, sino seres sádicos, oscuros, sórdidos y perturbados que buscan adrede el mal en sus vidas. Un argumento notable acompañado de ilustraciones firmadas por grandes maestros del cómic y las novelas de terror –desde Scott Hampton a P. Craig Russell, pasando por John Bolton y Klaus Janson- hacen las veces de pirotecnia visual, siempre siniestra, a la manera de las historietas de Hellraiser, la obra cumbre de Barker.

¿Qué aprendí con este libro? Hay autores que evitaron el cliché para hablar del horror.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Uzumaki, de Junji Ito

La-Cosa-Matic: Sangre, tripa y corazón.

Nota: Inmortales

2012-01-28T21:40:00.001+01:00

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Enero/Febrero 2012
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Lo de Mickey Rourke es espectacular. Últimamente, todo lo que toca se convierte en algo inmenso, infinito. Y de eso se trata Inmortales (Immortals, 2010), una suerte de batalla épica en la que su personaje, el Rey Hyperion, intentará convertirse en el ser más poderoso del mundo, el más célebre entre la gloria misma. Porque es uno de nuestros héroes y porque nos siguen gustando los peplum posmodernos, Hernán Panessi se despacha con un texto sobre su última película y, además, nos hace acordar que sin ocaso nunca hay resurrección.

Cuando la llama prendida por Juego de Tronos (Game of Thrones, 2011), con una temporada en punta y otra especulada para lanzar en Abril del 2012, todavía sigue vigente, y ni bien se extinguieron al olvido las de Furia de Titanes (Clash of the Titans, 2010) y Thor (2011), los fanáticos de las aventuras épicas facturadas a puro chroma key siguen estando de parabienes: ahora llega Inmortales (Immortals, 2011), la nueva película de Mark Canton y Ryan Kavanaugh, parte del convoy de productores y responsables de la anabólica 300 (2006), de Zack Snyder.
En Inmortales, situada años después de la Titanomaquia, serie de batallas libradas durantes diez años entre las dos razas de deidades muy anteriores a la existencia de la humanidad: los Titanes y los Olímpicos, el sanguinario Rey Hyperion, encarnado por el ex desvalorado y ahora bien ponderado Mickey Rourke, y su ejército asesino (¡desfigurado por elección de Rourke! ¿habrá sido un guiño a la desidia por sus cirugías estéticas?) recorren Grecia en busca del arco perdido de Epiro, fabricado por el mítico Ares, Dios de la Guerra. Su búsqueda desesperada atañe a que, con él en su poder, será capaz de derrocar a los mismísimos dioses del Olimpo, liberando a todos los titanes encerrados desde el principio de los tiempos en el Monte Tártaro, y convertirse en, sí, el ser más poderoso del Universo, incluyendo las jurisdicciones de “raza humana” y “dioses”. Sin embargo, pese a esta impertinencia de uno de los Doce Titanes de la Antigua Grecia, conforme lo prohíbe la ley, los dioses no tendrán la posibilidad de entrometerse en los conflictos con los hombres y nada podrán hacer para detener al malvado Hyperion (personaje que, en la ficción, inspiró, también, a William Shakespeare para componer al Rey Hamlet y que, por su parte, es un habitué en los libros de Percy Jackson & The Olympians).
Así, con libertad para obrar, tal ejército arroyará con todo a su paso, hasta que alguien impensado les presente batalla: en una aldea, un joven albañil llamado Teseo, personificado por Henry Cavill, el próximo Superman de la prometedora Man of Steel (2013), un galancete à la Crepúsculo, jurará vengar la muerte de su madre asesinada en una de las tan citadas como premeditadas incursiones de las tropas de Hyperion.
Será la Oráculo Sybelina, Phaedra (Freida Pinto), quien, con sus intensas visiones sobre el futuro, lo convencerá de que él será la clave para detener vil destrucción. Con su ayuda, más el apoyo del incondicional esclavo Stravos (Stephen Dorff), Teseo reúne un pequeño grupo de seguidores, como en aquella Batalla de Termópilas y sus 7.000 espartanos & cia. versus 300.000 persas, abrazando su destino en una desesperada batalla final por la supervivencia de la humanidad.
Bajo dirección del hindú Tarsem Singh, responsable de The Fall (2006) y de la interesante La Célula (The Cell, 2000), quien por este entonces se encuentra con la post-producción de la nueva adaptación de Blancanieves titulada Mirror Mirror (2012), Inmortales es, según la describió el mismo realizador: “Caravaggio meets Fight Club”, es decir, una suerte de curso acelerado de historia antigua (o mitológica, claro) más una sensible dosis de piñas, patadas, arcos y flechas.
Esta película es, en rigor, otra adaptación del bastísimo terreno de leyendas griegas llevadas al cine y resulta, además, otro de los dulces caramelos para el ojo –que, como tal, si no son tan buenos, empalagan- entreteniendo de la mano de la pornografía visual del Siglo XXI: el 3D. En épocas donde 10 actores bastan para simbolizar unos 300, los mitos en el cine, post-producción e imágenes anaglifas de por medio, siguen dando tela para cortar, o leyendas por versionar y reversionar, como en la Historia, de aquí a la inmortalidad.

Lecciones de mitología griega vía la cultura pop
1. STOP MOTION | Jasón y los Argonautas (Jason and the Argonauts, 1963): El reino de Tesalia fue conquistado por Pelías pero recuperado por Jason.
2. ANIMÉ | Caballeros del Zodiaco (Saint Seiya, 1986-1989): Los enfrentamientos entre dioses son conocidos como Guerras Santas.
3. ANIMACIÓN | Hércules (1997): El joven Hércules venció, entre otros monstruos mitológicos, a La Hidra de Lerna, Medusa y El León de Lemea.
4. SERIE | Xena: La Princesa Guerrera (Xena: Warrior Princess, 1995-2001): Las amazonas fueron una tribu de guerreras bajo el mando de Artemisa.
5. VIDEO JUEGO | God of War (2005): El Inframundo griego es el Hades, atravesado por el sangriento río Estigia, y donde, al final, está Ares.

Ocaso y resurrección
Mickey Rourke parecía noble y eterno. Mickey Rourke empezó a dramatizar su rostro. Mickey Rourke se operó, se puso exceso de colágeno, y cualquier criatura de Tolkien, a su lado, resultaba adorable. Mickey Rourke cayó en desgracia. Funde a negro y fin de la película. En su apogeo, de 1983 a 1987, de La Ley de la Calle (The Motorcycle Club, 1983) a Plegaria para un Asesino (A Prayer for the Dying, 1987), pasando, por supuesto, sobre la mítica 9 Semanas y Media (Nine ½ Weeks, 1986), robó más de un suspiro y obtuvo excelsa admiración. Luego, se hundiría al olvido abruptamente. Robert Rodríguez lo homenajeó convocándolo para Érase una vez en México (Once Upon a Time in México, 2003), aunque el status de culto no es para todos ni para cualquiera. Se encienden las luces: Mickey Rourke Parte II. Así, tras años de ostracismo de estimas, pegó la vuelta con todo interpretando a Marv en La Ciudad del Pecado (Sin City, 2005). Y, porque el lugar que se merece es el de las primeras planas y no por yonqui ni caso perdido, revivió su carrera con la exquisita El Luchador (The Wrestler, 2008), donde obtuvo una candidatura a los Oscar como “Mejor Actor”, ganó un Globo de Oro y un BAFTA en el mismo rubro. Así vinieron: Iron Man 2 (2010), Los Indestructibles (The Expendables, 2010) e Inmortales (Immortals, 2011). De la misma forma vendrán: The Courier (2011) y Java Heat (2013). Lo dicho: Mickey Rourke volvió, por suerte, y parece que ahora sí, para siempre. Mickey Rourke volvió, colagenado y probablemente menos sexual, sí, pero noble y eterno, como al principio.

Mención de la entrevista en Radio Nacional Rock

2012-01-26T20:34:00.000+01:00

MEDIO: Noctambulas.net
FECHA: Enero 2011
Mención de la entrevista

Mención de la nota a Pablo Salomón, productor de Aballay

2012-01-25T06:30:00.001+01:00

MEDIO: Espectadores.wordpress.com
FECHA: Enero 2011
Mención de la nota

Entrevista en El Fin del Finde (Radio Nacional Rock)

2012-01-23T11:30:00.001+01:00

MEDIO: Radio Nacional Rock
FECHA: Enero 2011
Entrevista

Cita de reseña sobre Orden de Compra en el catálogo de Ed. Marea 2011

2012-01-17T06:23:00.002+01:00

MEDIO: Catálogo Editorial Marea 2011
FECHA: Enero 2011
Cita
Catálogo completo

"Al finalizar su lectura uno comprende algo más sobre porqué todo es como es en el mundillo del consumo. De lectura indispensable" Hernán Panessi, Escribiendo Cine

Review: Emperor of Hemp: The Jack Herer Story

2012-01-11T05:55:00.001+01:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Enero 2012
Emperor of Hemp: The Jack Herer Story

Emperor of Hemp: The Jack Herer Story
Estados Unidos, 1999 / 59 min.
Dirigido por JEFF JONES

Está claro: conforme pasan los años, se profundiza la lucha por desmitificar el consumo de marihuana. Y uno de sus máximos defensores, uno de los legendarios patriarcas del cáñamo fue el activista norteamericano Jack Herer, fallecido en abril del 2010, quien, desde este documental dirigido por Jeff Jones y desde aquel vademécum imponderable titulado “El emperador está desnudo”, donde recogía los principios básicos de la defensa social del cannabis, dejó un legado reflexivo en contra de cualquier tipo de prohibición.
De montaje rápido, con valiosas imágenes de archivo e interesantes testimonios de especialistas, Emperor of Hemp: The Jack Herer Story (1999) no sólo se posa en la figura del mítico Herer sino que analiza, bajo rigor periodístico, la historia de la marihuana –se toma como referencia la primera planta declarada ilegal en los Estados Unidos y aquellas proscripciones de la década del ’30, más económicas que morales- otorgando una nueva y poderosa perspectiva de pensamiento. Entre tanta devoción, Herer profesa que, literalmente, la planta puede salvar el mundo. Se consigue en YouTube, con subtítulos, vía el canal UFO TV. / Hernán Panessi

Historia del cine: Sid and Nancy

2012-01-11T05:52:00.001+01:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Enero 2012
Sid and Nancy

Sid y Nancy
Estados Unidos, 1986 / 112 min.
Dirigida por ALEX COX

Mientras vivieron, Sid y Nancy pasaron sus días como una tromba, subidos en un tour de force hacia lo más profundo de la oscuridad, construyendo su propio cadalso nihilista que, claro, los haría alcanzar la muerte. Así, porque vivieron y sucumbieron en su ley, y porque fueron una de las parejas más polémicas de la historia de la música, Sid Vicious (Gary Oldman) y Nancy Spungen (Chloe Webb) quedaron -aún más-inmortalizados de la mano de Alex Cox, aquel genio que llevaría adelante ese manifiesto punk llamado Repo Man: El Recuperador (Repo Man, 1984) y que, con esta segunda película, obtendría una legitimación parcial, sujetada luego entre joyas subestimadas y proyectos truncos. El filme en cuestión, Sid y Nancy (Sid & Nancy, 1986), es un retrato acerca de esta destructiva pareja que funciona, además, como una aproximación a la historia de la seminal banda Sex Pistols y de la eclosión del movimiento punk. En un derrotero que va desde la más roñosa Londres, desembarcando luego en los Estados Unidos para moverse por algunos lugares inhóspitos, secos e infames y haciendo escala perpetua en el mítico Hotel Chelsea, en Nueva York, donde finalmente Nancy caería abatida a causa de una puñalada de pasión, Sid y Nancy encuentra en la ensoñación poética su parte más vigorosa: el ostracismo voluntario, el amor eterno y los yonquis sin mesura son un maridaje intenso. / Hernán Panessi

Mención entre la publicidad del Festival 1000 Gritos

2012-01-09T15:12:00.000+01:00

MEDIO: Leedor.com
FECHA: Enero 2012
Mención entre la publicidad del Festival 1000 Gritos

Mención entre los responsables de la 2000 Maníacos

2012-01-01T00:34:00.001+01:00

MEDIO: Alabarada.com
FECHA: Diciembre 2011
Mención entre las plumas de la 2000 Maníacos

Disgresiones profesionales

2011-12-30T05:09:00.001+01:00

MEDIO: House organ: "Las hojas Kennedianas de Relaciones Públicas" - Website Universidad Argentina John F. Kennedy
FECHA: Diciembre 2011
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Disgresiones profesionales

UNO
Descrean si alguien les dice que hacer una tesis, rendirla y sobrevivir en el intento es algo imposible. Descrean, también, por el contrario, de aquel postulado barato que algunos cambian por oropeles: “la fórmula secreta para hacer tesis exitosas es tal, cual, o tal otra”. Amigos, la fórmula secreta no existe como tal, ni para esto ni para casi nada –bueno, los de Coca Cola la encontraron, pero ese es otro cantar-. Las formas reduccionistas, para lo bueno o lo malo, suelen pecar de naif o de new age. Ninguna es totalmente buena. Sí, podemos decir, que hay ciertas estructuras que cumplir a la hora de encarar una tesis con éxito. Y, a saber, son: 1º Preguntarse, ¿qué quiero comunicar?, 2º ¿Cómo lo quiero comunicar?, 3º ¿Para qué lo quiero comunicar?, 4º La bibliografía, 5º La profesionalidad. Como las primeras 3 preguntas son, más bien, de orden retórico, prefiero centrarme en los últimos dos puntos: Bibliografía & Profesionalidad.

DOS
Toda bibliografía requiere una inversión y toda inversión es –esto me lo avala la Real Academia Española- “la acción de destinar los bienes de capital a obtener algún beneficio”. Sí, desmitifiquemos a las tesis: son una excusa por explorar y perfeccionar saberes. Una buena, por cierto. Hacer una investigación seria –si hay de las otras simplemente no son tales- conlleva no sólo un esfuerzo energético sino, también, a la incorporación en sus bibliotecas de textos de carácter especializado. Hay quienes hacen sus tesis de Star Wars, otros las harán sobre la industria farmacéutica, otros sobre peronismo, otros sobre la influencia de la historieta de Tintín en el Congo Belga y las Relaciones Públicas, o, como la mía, harán una sobre cine y comunicación. Todas son válidas y necesarias mientras no renuncien a la excelencia. Lo que sí, sería un ejercicio interesante el de germinar este poroto del consumo cultural un paso hacia atrás –dos o tres también- para que “la biblioteca” -la suya, claro- se vaya llenando con antelación al tan mentado “cuatrimestre de la tesis”. Por eso, señores: la bibliografía es todo. El sustento de una buena tesis pasa, entre otras cosas pero pocas tan fundamentales como esta, por la selección correcta y, sí, vale aclararlo, poco esquemática de la bibliografía. Nunca una inversión dará tantos y tan buenos frutos.

TRES
En sustancia, nada hay de diferente entre un tipo a punto de recibirse, o, en efecto, cursando su tesis, y uno recibido. En ambos casos, el barómetro tanto laboral como cotidiano pasa por el índice de profesionalidad. Al encarar un trabajo que conlleva una gran responsabilidad se debe empezar a mamar un concepto que, de aquí en más, será parte de su cotidianeidad: la profesionalidad (si no lo es ahora, por eso mencionaba la dicotomía recibido / por recibirse). Ser profesional es un contrato que firma uno con uno mismo. En consecuencia, este contrato debe hacer constar, en letra clara y legible para nuestro consciente, que la carga profesional es para siempre o nada. Una tesis correcta es una tesis profesional, confeccionada por alguien que se jugó en firmar ese contrato perpetuo pero ventajoso al fin. Al encarar el último tramo de una carrera universitaria aparecen los cuestionamientos del “¿y ahora qué?”. Que se transforme, entonces, en caer en la cuenta que, ahora, son y serán profesionales por el resto de sus vidas. Y no sólo los avalará un título sino el recorrido hasta él y el día después a rendir esta tesis. Así, mientras se firme el contrato, será para siempre.

CUATRO
Por último, consejo de cocinero: cocinen para ustedes primero antes que para los demás. Cúrtanse. Después, cuando estén más dados, cocínenles a sus íntimos. Más luego, a sus amigos. Y, cuando estén en su salsa, hagan platos para lucirse. Por eso, en deferencia a los demás, prueben sus tesis mil veces antes de tragarla. O de rendirla.

Lic. Hernán Panessi
Periodista y egresado en Relaciones Públicas por la Universidad Kennedy

Nota: "EA Sports nos trae 3 juegos: Con destino Sudamérica"

2011-12-28T13:01:00.002+01:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Enero 2012
FECHA: Diciembre 2011
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EA Sports presenta tres nuevo juegos para Latinoamérica

Uno de los monstruos más grandes a la hora de distribuir videojuegos en el mundo adviene con nuevas versiones de algunas de sus más populares iniciativas. De esta manera, Latinoamérica sigue certificándose como un terreno propicio para el posicionamiento de producto, las conferencias de prensa y la representatividad del público.

Como parte de la avanzada de un nuevo escenario planteado para los lanzamientos regionales, el miércoles 7 de Diciembre del 2011 la firma EA Sports reunió a integrantes de más de 50 medios especializados de Latinoamérica para comunicarles tres novedades fuertes en cuanto a títulos venideros. Esta campaña de turbojunket fue presentada a través de un novedoso sistema de webcast, que contó con la presencia de Sid Misra (productor) y Gary Paterson (director creativo) para FIFA Street, Thomas Singleton (productor) para Grand Slam Tennis 2, y Todd Batty (diseñador) y Connor Dougan (productor) para SSX, todos ellos acompañados de los agentes de prensa de EA Sports.
Allí se mostraron unos gameplay de tres futuros lanzamientos y, a su vez, sus responsables dieron testimonio acerca de los respectivos videojuegos. El plato fuerte fue el FIFA Street, que ya recibió una buena cantidad de palabras en el número de Diciembre, y el cual se mostró menos exagerado (sí, los juegos “de street” o “fútbol callejero” suelen ser tan fantasiosos como improbables) que su antecedente circa 2008, quien para mejorar ha tomado el motor del FIFA Soccer 2012, tornándose, con ello, un paso más realista. Desde EA Sports afirman que “el FIFA Street será una experiencia única, divertida, donde todo, desde los entornos, el equipo, hasta la música es fiel al fútbol en la calle y su cultura”. Este juego estará a la venta en los primeros meses del 2012 para las consolas PlayStation 3 y Xbox 360.
Por su parte, el Grand Slam Tennis 2, otra de las pujantes novedades, tendrá flamantes técnicas, inéditos modos de juego y un sistema denominado “Total Racquet Control” que permite golpes y reveses con elevada precisión, soportando, por ejemplo, el Move Motion Controller de PlayStation 3. Además, estarán disponibles más de 20 estrellas del deporte y serán de la partida aquellos momentos clásicos del Grand Slam Tournament de ESPN, como los partidos entre Björn Borg vs. John McEnroe y Rafael Nadal vs. Roger Federer. Una maravilla. El juego se conseguirá en los primeros meses del 2012 para PlayStation 3 y Xbox 360.
Finalmente, presentaron el SSX (Snowboard Supercross) –el último de esta línea de snowboarding había sido el SSX Blur, para Nintendo Wii, lanzado en el año 2007- cuya mejor virtud es la alta definición de los escenarios de todo el mundo, recreados metro a metro a través de datos topográficos propiciados por la mismísima NASA. Es claro que habrá nuevas tablas, altas velocidades y desafíos para las modalidades multijugadores, de manera que su existencia, pese a no ser un deporte de masas o al menos no en esta parte del globo, deviene tan interesante como entretenido.
Así, EA Sports, vía el fútbol, el tenis y los deportes de riesgo, mostró en exclusiva tres nuevos juegos afines a una calidad superlativa. En son de seguir conservando y aumentando el público cautivo (¡y latino!) que, hace un buen tiempo, no para de fidelizar, los amantes de los deportes están de parabienes y EA Sports lega su salud en diversión para las masas.

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Top 10 del 2011

2011-12-19T20:33:00.001+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Diciembre 2011
Top 10 del 2011

Hernán Panessi
1. ¿Qué pasó ayer? Parte II, de Todd Phillips.
2. Amateur, de Néstor Frenkel.
3. La Pelide Batato, de Goyo Anchou y Peter Pank.
4. Super 8, de Steven Spielberg.
5. MiPrimera Boda, de Ariel Winograd.
6. El Árbol de la Vida, de Terrence Malick.
7. X-Men: Primera Generación, de Matthew Vaughn.
8. Un Cuento Chino, de Sebastián Borensztein.
9. El Avispón Verde, de Michel Gondry.
10. Balada Triste de Trompeta, de Álex de la Iglesia.

Nota: Sherlock Holmes 2

2011-12-19T17:17:00.002+01:00

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Diciembre 2011
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Elemental, queridos lectores: leer La Cosa nos torna más perspicaces. Por eso, y porque está por estrenarse la segunda parte de Sherlock Holmes, le pedimos a nuestro Hernán Panessi que investigue acerca de esta nueva versión cinematográfica dirigida por Guy Ritchie. Además, nos pusimos detectivescos realizando un racconto histórico de todas las anteriores y te adelantamos la futura tercera parte. Descomposición total del canon holmesiano.

En el año 1891 se promulgó la Constitución Federal de Brasil. El ingeniero británico-francés William Kennedy Dickson, discípulo de Thomas Alva Edison, presentó un prototipo de quinetoscopio. Se fundó en Uruguay el CURCC (Centro Uruguay Railway Cricket Club), posteriormente conocido como Club Atlético Peñarol. En Chile dio comienzo la Guerra Civil entre partidarios del Congreso Nacional contra los del presidente José Manuel Balmaceda. Y, por contraparte, se inauguró en Suiza la Oficina Internacional de La Paz. Sin embargo, pese a que aquellos fueron acontecimientos significantes para el devenir de la Historia, ninguno tuvo tanta diversión y adrenalina como lo que sucedió un año después de los eventos de la primer Sherlock Holmes (2009): sí, en un hipotético 1891. Allí, Holmes (Robert Downey Jr., ¿quién más sino?), el detective londinense a quien veremos vestido en algún momento de este nuevo filme como una pulcra damisela, continúa con la búsqueda del profesor James Moriarty (Jared Harris), mientras que Watson (Jude Law) intentará ser un buen esposo de su mujer, la hermosísima institutriz Mary Morstan (Kelly Reilly).
Bajo el título de Sherlock Holmes: Juego de Sombras (Sherlock Holmes: Game of Shadows, 2011) –nombre sugerido por el escritor norteamericano Leslie S. Klinger, autor de The New Annotated Sherlock Holmes-, el director Guy Ritchie, quien comenzó a escribir esta historia en Septiembre de 2009 y la rodó en Octubre del 2010, propone la secuela de Holmes y su fiel Dr. Watson, después de cosechar más 500 millones de dólares, perfilándose como uno de los grandes éxitos de taquillas en todo el mundo y como el último blockbuster del año 2011. Más, cuando sabemos que a la trama y a los actores de siempre, se le suma la belleza exótica de la actriz sueca Noomi Rapace, actualmente filmando Prometheus (2012) bajo dirección de Ridley Scott, conocida por interpretar a Lisbeth Salander en la trilogía europea de Millenium, en su debut en Hollywood con el papel de Sim, donde también sonaron para su piel desde Audrey Tatou a Penélope Cruz, y de Marion Cotillard a Juliette Binoche. Sim será, entonces, una pitonisa gitana que ofrecerá el contrapeso femenino y amoroso del noble Holmes.
En rigor, la historia de Sherlock Holmes: Juego de Sombras, que cuenta con guión de Michele y Kieran Mulroney en lugar de Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg, está atravesado por la muerte del príncipe heredero de Austria, cuya evidencia, según la interpreta el Inspector Lestrade (Eddie Marsan), apunta a un suicidio. Sin embargo, Sherlock Holmes deducirá que el príncipe ha sido víctima de un asesinato y que ésta será sólo una pieza de rompecabezas mucho más grande, pergeñado por el misterioso profesor Moriarty. Así, la astucia de Moriarty estará siempre un paso por delante de la de Holmes, mientras tejerá una red de muerte y destrucción. Acción, acción y más acción, explosiones gratuitas, alguna pizca de humor, sumándole una boda –la de Watson, por supuesto; difícil verlo dando el “sí” al genio del razonamiento deductivo- que descongestionará el atracón de peleas y detonaciones.

The Final Problem: La historia que inspiró el plot de Sherlock Holmes 2

En la historia número doce de Las Memorias de Sherlock Holmes, El Problema Final, publicada originalmente en The Strand Magazine durante el año 1983, el doctor Watson comienza el relato de forma cuasi fatídica: “Tomo la pluma con tristeza para redactar estos pocos párrafos, que serán los últimos que yo dedicaré a dejar constancia de los singulares dotes que distinguieron a mi amigo, el señor Sherlock Holmes”. En este cuento, que inspira libremente la narrativa de Sherlock Holmes 2, el genial detective ha descubierto una conspiración criminal montada por un cerebro privilegiado al servicio del mal, el profesor Moriarty. Aquí, Arthur Conan Doyle estaba decidido a acabar definitivamente con el personaje de Sherlock Holmes, y, para ello, creó un enemigo a su medida. Pese a esto, los fans no le perdonaron el hecho de querer matar a su gran creación; entonces, como suele suceder con muchos héroes del papel, volvió sin prisa aunque con una pausa de veinte años, en La Aventura de la Casa Deshabitada, circa 1903. A propósito, El Problema Final terminó siendo fuente de inspiración para la gran pantalla.

Sherlock Holmes en el cine y la TV
A continuación, un repaso histórico por todas las adaptaciones en formato largometraje que han aparecido sobre el personaje de Arthur Conan Doyle, previas a las versiones de Guy Ritchie, para cines o bien para la televisión.

Sherlock Holmes (1922) Celebre adaptación del cine mudo, dirigida por Albert Parker e interpretada por John Barrymore.

Sherlock Holmes (1937) Comedia alemana donde dos personajes son confundidos por Sherlock Holmes y Watson.

Una Aventura de Sherlock Holmes (Sherlock Holmes, 1932) Remake sonoro del filme de 1922, inspirada en la obra de William Gilette.

Sherlock Holmes contra Moriarty (The Adventures of Sherlock Holmes, 1939) Producida por la Universal, dirige Alfred L. Werker.

El Sabueso de los Baskervilles (The Hound of the Baskervilles, 1959) Versión británica de la novela homónima, producida por la Hammer.

El Collar de la Muerte (Sherlock Holmes and the Deadly Necklace, 1962) Filme británico con Christopher Lee como Sherlock Holmes.

Estudio de Terror (A Study in Terror, 1965) Sherlock Holmes, Jack el Destripador y prostitutas brutalmente asesinadas.

La Vida Privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970) Una de las mejores versiones de Holmes. Dirige Billy Wilder.

El Detective y la Doctora (They Might Be Giants, 1971) Variante de la historia en clave comedia de intriga. Un hombre cree ser Sherlock Holmes.

El Sabueso de los Baskervilles (The Hound of the Baskervilles, 1972) Versión televisiva y norteamericana de la novela de Conan Doyle.

Elemental, Dr. Freud (The Seven-per-cent Solution, 1976) Holmes como un adicto a la morfina que pide ayuda al Dr. Freud.

El Hermano más listo de Sherlock Holmes (The Adventures of Sherlock Holmes Brother’s, 1975) Comedia paródica dirigida por Gene Wilder.

Sherlock Holmes en Nueva York (Sherlock Holmes in New York, 1976) Lujoso telefilme donde la acción se traslada a los Estados Unidos.

Asesinato por Decreto (Murder by Decree, 1979) Adaptación de The Ripper File de Elwyn Jones y John Floyd. Otra vez con Jack el Destripador.

Sherlock Holmes (1981) Frank Langella, que ya había interpretado a Holmes en Broadway, vuelve a hacerlo para este telefilme.

El Secreto de la Pirámide (Young Sherlock Holmes, 1985) Producción norteamericana dirigida por Barry Levinson y producida por Steven Spielberg.

El Signo de los Cuatro (Sherlock Holmes: The Sing of Four, 1987) Telefilme de la serie “El Regreso de Sherlock Holmes”.

Sin Pistas (Whitout a Clue, 1988) Watson crea al personaje de Holmes y encuentra a un actor alcohólico para interpretarlo.

Las Manos de un Asesino (Hands of a Murder, 1990) Telefilme británico dirigido por Stuart Orme, el de The Puppet Masters (1994).

El Crucifijo de Sangre (The Crucifer of Blood, 1991) Protagonizada por Charlton Heston como SH y dirigida por Fraser C. Heaston, ¡su hijo!

El Regreso de Sherlock Holmes (1994 Baker Street: Sherlock Holmes Returns, 1993) Telefilme con elementos de ciencia ficción.

El Xango de Baker Street (The Xango from Baker Street, 2001) Exótica versión co-producida entre Brasil y Portugal.

Escándalo Real (The Royal Scandal, 2001) Telefilme norteamericano-canadiense, adaptación de la novela Escándalo en la Bohemia.

Sherlock (2002) Telefilme que presenta a unos jóvenes Holmes y Watson. Moriarty se dedica al tráfico de heroína.

Sherlock Holmes y el Caso de la Media de Seda (Sherlock Holmes and the Case of the Silk Stocking, 2004) Joven estrangulada con una media.

Los Irregulares de Baker Street (Sherlock Holmes and the Baker Street Irregulars, 2007) Basado en una saga de novelas infantiles. SH recibe ayuda de niños.

Sherlock Holmes 3

Pocas cosas hay en esta vida que se desarrollen con total certeza o destilen un conocimiento evidente. En Hollywood la especulación pasa por los blockbusters, y mientras estos cumplan, habrá secuelas, remakes, rip-off, spin-off y todo el chanchuyo. Entonces, el postulado que incita a una industria del cine norteamericano de poco riesgo y enormemente especulativa, queda visible, evidente y sonsa: las ganancias (casi) siempre están ante todo. En consecuencia, aún sin haber estrenado Sherlock Holmes 2: Juego de Sombras, la Warner Bros. anuncia que filmará, sí, una tercera parte de la saga. Contando en guión con Drew Pearce, responsable de Iron Man 3 (2013) –que también protagonizará Robert Downey Jr.- y de Pacific Rim (2013) –la próxima gran película de Guillermo Del Toro-, Sherlock Holmes 3 volverá a tener en los protagónicos, y esto es data confirmada, al citado Downey Jr. y a Jude Law. Más no se sabe si seguirá Guy Ritchie en frente de la dirección y donde, es probable, los personajes secundarios se reciclen para refrescar la cuestión. Está visto que la Warner no quiere atarse a un mismo escritor y va cambiándolo conforme avanza la franquicia y también está visto –y comprobado por demás- que mientras haya certezas de recupero, habrá Sherlock Holmes 4, 5, 6 o secuelas o precuelas o días después. Por el momento, se desconoce de qué irá Sherlock Holmes 3 pero, a esta altura y con lo que falta por delante, eso es lo de menos.

El deber-ser de la televisión

2011-12-16T12:54:00.002+01:00

MEDIO: Revista 24 Cuadros
FECHA: Diciembre 2011
El deber-ser de la TV

El deber-ser de la televisión

La televisión como medio masivo de comunicación. La (des)información a la orden del día. El rol del periodismo en la Argentina. La potencial finalidad de la TV. La vida misma. Por Hernán Panessi

UNO
Poniéndome por un momento en pretencioso, figura que sin dudas detesto, diría que la televisión ideal es aquella que resulta usina de información y conocimiento. Un medio de comunicación capaz de educar y llevar, con él, al progreso de la sociedad. Creerlo tozudamente, concienzudamente, sería pecar con algo que no tengo, y en verdad lamento haber perdido: la inocencia. Casi no espero nada de la televisión. Sujetándome del sociólogo Paulo Freire diría algo así como que “los medios comunican basura para generar sujetos vulnerables y, así, dejarlos dispuestos a las intenciones de llamémosle, por ejemplo, entes superiores”. A ello, surge la pregunta: los políticos, para el caso, ¿qué preferirían? ¿40 millones de intelectuales o 40 millones de posibles voto-choripanes? Voy a ser un tanto apocalíptico en esta ocasión. Ahora, si bien esto existe y es visible, la cuestión está pasando por otro lado. Sí, la infancia ya pasó. Ya no creo en Ratón Pérez ni Papa Noel. Y ya no creo, tampoco, en la televisión.

DOS
El periodismo es una profesión muy noble y el cómo debe ser esa profesión es, realmente, una pregunta eterna, tal vez superior a nosotros mismos. Como la profesión, claro. En la práctica kantiana, lo formal en sus valores es el deber-ser. En consecuencia, creo que la profesión periodística debe-ser como es. Los valores personales coartan una realidad que es la que existe. Uno puede criticarle a los programas especializados lo poco comprometidos que están con sus problemáticas o lo lanzados que son con otras cuestiones o, mismo, la poca profesionalidad que aplican a su trabajo. Y creo que por ahí anda la cuestión. El deber-ser ideal pasa por la profesionalidad, por la autosuperación, la formación constante y perpetua. La síntesis de esta falencia es, entonces, en términos globales, y por contraposición, la falta de profesionalidad de muchos implicados. Ciertas veces la información, el periodismo, la sagrada profesión, queda supeditada a cuestiones que poco tienen que ver, en esencia, con su factura: el rating, el minuto a minuto, la inmediatez por la primicia, la pornomiseria. Por eso, nunca está de más volver a ver el filme Network, de Sydney Lumet, para entender que muchas veces hay delante nuestro un espejo que no refleja de la mejor manera la realidad sino que, muchas veces, lo hace en función del fabricante espejos. Por eso, además, hay que saber oír todas las campanas y elegir, así, la que más se acerque a ese deber-ser que tanto nos aqueja.

TRES
En la actualidad, la profesión periodística está viviendo un momento particular. Casi, pienso, que su vestidura conlleva una toma decisión política. Están los de un lado y los del otro. Miro a los de un lado tratar un caso. Y miro a los del otro tratar el mismo caso. Creo que, por este entonces, la polarización deviene interesante. No hay ámbar ni nebulosa. Existen, sí, dos o tres o cientas o miles de campanas dispuestas a ser escuchadas. Y hay, también, un pensamiento que siempre me sobrevuela y de seguro a ustedes también. Sin temor a equivocarme, digo: la televisión es una mierda, ¡pero cómo me gusta!

Nota: "Extraños en la Noche", de Alejandro Montiel

2011-12-14T20:43:00.000+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Diciembre 2011
Extraños en la Noche 01
Extraños en la Noche 02

Extraños en la Noche
de Alejandro Montiel
2012

Ya dijimos en estas páginas que Diego Torres debutó oficialmente en los cines con Enrique Carreras en el año 1988. Desde aquella primera aproximación a este regreso con gloria han pasado más de 20 años; y, en medio, unas cinco películas, tres de ellas con protagónicos, añadiéndose a su constante carrera musical. Porque vuelve y porque en realidad nunca se fue, Extraños en la Noche será atractiva por la condición paracinematográfica de contar en el elenco con quien casi se convierte en nuestro actor de policiales por antonomasia, el cantante Diego Torres. En esta oportunidad, Alejandro Montiel, su director, pensó a dos músicos entrometidos en una trama policial. Y otra vez la música (y también, claro, el policial). Como en esa primera oportunidad, en El Profesor Punk –no, no era el Profesor Frink, ni el Profesor Jirafales, ¡era punk!- la música vuelve a estar presente en su vida bajo diversas formas. Actuación & canción. Retorno, policial & ¿hit? Sea como fuere, muchas mujeres volverán a caer a los pies de este extraño en la noche en 3, 2, 1.

Hernán Panessi

Nota: "Fango", de José Campusano

2011-12-14T20:36:00.000+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Diciembre 2011
Fango

Fango
de José Celestino Campusano
2012 (fecha de estreno indefinida)

Que filme José Celestino Campusano siempre es bienvenido. Y en 2012, el realizador de gemas tan humanas como Legión, tribus urbanas motorizadas (2006), Vil Romance (2008) y Vikingo (2009), nos sorprenderá con una película donde la música –ese compañero tan invisible como indisoluble a la existencia- jugará un rol fundamental. En Fango, que durante los WIP del 26º Festival Internacional de Mar del Plata se la conoció como Fango Tango Trash, dos rockeros entrados en años, El Brujo y El Indio, son quienes llevarán adelante una banda de rock pesado. Como Campusano se distingue en filmar la vida tal cual se la vive, ser reconocido no es tarea sencilla. Así, en un nuevo intento por alcanzar la gloria, estos dos músicos inventarán una fusión entre rock y tango a la que intitularán “tango trash”. En medio de la tribulación habrá una un secuestro por encargo, una muerte y mucha pero mucha violencia. Además, por si esto fuera poco, para el próximo año esperamos el documental de Marcos Vieytes, KMPU, a propósito de la obra de este particular realizador quilmeño. Campusano y la gente, un solo corazón.

Hernán Panessi

Review: Paul

2011-12-11T05:44:00.000+01:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Diciembre 2011
Paul

Paul
Estados Unidos / Inglaterra, 2011 / 104 min.
Dirigida por GREG MOTTOLA

En el explorado mundo de las comedias fumonas, Paul viene a parar la pelota y tirarla hasta el espacio sideral devolviendo la historia de un extraterrestre con ínfulas humanas. Dirigida por Greg Mottola, hombre de la Factoría Apatow, Paul se entromete en la historia de dos weirdos totales, quienes están en su salsa durante la Comic Con de San Diego. Éstos, en medio de un viaje tras algún punto caliente de la mitología OVNI, se toparán con Paul, el extraterrestre del título cuya voz pertenece al cannábico Seth Rogen, probablemente más humano que estos dos lunáticos treintañeros, sufriendo –además- la persecución de unos intensos Men In Black.
Protagonizada por la dupla de actores británicos más cool del momento, Simon Pegg y Nick Frost, esta vez sin la dirección de su mentor Edgar Wright, la película posee, entre sus aristas, más de un punto en común con E.T. (1982), sobre todo por el cariño que emana hacia los 80s y gracias a la influencia del cine de aventuras hollywoodense.
Con un desarrollo que funciona, más a media que a toda máquina, este trabajo de la Nueva Comedia Americana se convierte en una opción a considerar siempre y cuando la pretenciosidad no sea un imponderable y sí lo sea pasar un buen momento –volutas de humo mediante- frente a los rayos catódicos e intergalácticos. / Por Hernán Panessi

Historia del cine: Panic in the Needle Park

2011-12-11T05:43:00.000+01:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Diciembre 2011
Panic in the Needle Park

Panic in the Needle Park
Estados Unidos, 1971 / 110 min.
Dirigida por JERRY SCHARZBERG

Como otro de los retratos de la Nueva York más profunda, ahí donde supieron abundar chulos, prostitutas, drogas varias, peepshows y cines porno, Al Pacino, en su primer protagónico absoluto y –según cuenta la leyenda- papel que inspiró a Francis Ford Coppola para convocarlo a El Padrino, se pone en la piel de Bobby, un yonqui y traficante de poca monta de la intersección 72nd Street y Broadway, conocida oficialmente bajo el nombre de Sherman Square, bautizada por los adictos como Needle Park (sí, “Parque Aguja”). Pánico en Needle Park, segunda película del bronxite Jerry Scharzberg, es una historia de amor fidelizada o destruida por el abuso de la heroína, pergeñada a través de un notable manejo de la elipsis y la estructura libre. Allí, Bobby y Helen Reeves (Kitty Winn, en la interpretación que la consagró y donde obtuvo, también, la Palma de Oro en Cannes) sobreviven inquietos en un contexto de poca prosperidad y mucho de nihilismo. Ella se hará adicta y, más luego, prostituta. Él, claro, se mandará de las suyas. Ambos llevarán a cabo una tribulación drogona, teniendo en la calle su principal sustento, con resultados oscuros. Antológica escena cuando, arriba de un barco, deciden “inyectarse caballo” y su perrito, recién comprado, se tira por la borda. Después de esta película, Trainspotting no tiene ni como para empezar. / Por Hernán Panessi

Crónica de Paco Fox en Argentina

2011-12-10T12:58:00.000+01:00

MEDIO: Blog Vicisitud y sordidez
FECHA: Diciembre 2011
Crónica de Paco Fox en Argentina

[...] Viví encuentros con el frikismo argentino, representado en la figura de Hernán Panessi, que tuvo el detalle de pasarme las superproducciones ‘Sadomaster: Locura general’ y ‘Filmatrón’, amén de insistirme en que viera el clásico porno argentino ‘Las Tortugas Pinchas’, en un claro ataque que muchos interpretarían como una agresión internacional. Si yo fuera el Reino Unido, ya habría empezado la guerra.

Adhesión a los estudiantes del IDAC

2011-12-02T20:11:00.001+01:00

MEDIO: Blog de "No al cierre del IDAC"
FECHA: Diciembre 2011
Adhesión al IDAC

Cada situación, movimiento, postulado o iniciativa que tenga que ver con jóvenes me toca una fibra sensible, me acongoja profundamente. Y si estos jóvenes, por caso, como en esta oportunidad, son los estudiantes del IDAC, lo hace muchísimo más.
Al IDAC, le tengo una profunda estima. A sus profesores, a sus trabajos, a sus egresados, a la institución en sí misma. Cómo no tenerle afecto si de allí han salido grandes bestias del cine nacional y, estoy seguro, saldrán muchas más. Porque no ha perdido la mística, porque seguirá siendo granero de profesionales, desde este humilde espacio les pido a las autoridades pertinentes que, por favor, reflexionen la cuestión y, ojalá, las tomas de decisiones, de aquí en adelante, se hagan en forma tan democrática como transparente. Y que éstas, a su vez, por lógica, no tengan que ignorar las voluntades individuales de muchos que eligieron elegir. Porque decidir ser cineastas, como escoger cualquier otra noble profesión, forma parte de un consenso interno que nadie más debería de afectar sobre él. Por eso, por la hidalguía de quienes ya eligieron y quienes elegirán, por favor, no destruyan sobre lo construido. Que aquello que venga sea sinérgico, siempre integrativo. Que se legalicen y certifiquen oficialmente los títulos de “Realizadores cinematográficos” sería un avance notable, más no que se los quiten ni muten en desmedro de su propia existencia. Bienvenidos los “Técnicos en televisión”, sí, pero no a costa de las voluntades despiertas.
Todo mi respeto y admiración a los estudiantes del IDAC.

Hernán Panessi
Periodista y distribuidor cinematográfico

Nota: "¡Indignación! ¡Messi pasa a FIFA Street!"

2011-11-30T01:24:00.002+01:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Diciembre 2011
FECHA: Noviembre 2011
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¡Indignación! ¡Messi pasa a FIFA Street!

Una de nuestras plumas más efusivas, Hernán Panessi, columnista desde Latinoamérica, nos cuenta porqué no está tan de acuerdo con la inclusión de Messi en la nueva saga de FIFA Street, dejando huérfanos de “La Pulga” a los fervientes seguidores del Pro Evolution Soccer.

El amor por Lionel Messi no tiene clubs, barreras, camisetas ni compañías de videojuegos. Lo queremos en Argentina, en España, en Catalunya, en Uruguay, en Egipto, en Japón, en el Bacelona, en la Selección de José Pekerman, de Diego Maradona, de Alejandro Sabella, en Konami o en Electronic Arts. La devoción por este pequeño-gran astro del fútbol es tal que cualquier noticia que le incumba resuena con fuertes ecos en todo el planeta. Así, la novedad que nos llega desde los Estados Unidos es que Lionel Messi, ahora, dejará de ser la cara del Pro Evolution Soccer pasando a ser, en la transferencia más cara de la temporada, la nueva imagen global del FIFA Street 2012, disponible a partir de Marzo del 2012. Y no todos estamos contentos con ello. A estas alturas, los fundamentalistas del PES lo extrañaremos sobremanera.
“El mejor futbolista del mundo se une a la franquicia número uno en ventas de videojuegos de deportes”, dice la gacetilla oficial difundida por los propios responsables del game, Electronic Arts. Asimismo, este 24 de Noviembre del 2011 quedará como el día en que Messi se cruzó de vereda firmando un contrato “por varios años” –cuya información puntual no fue difundida a los medios masivos de comunicación- con este sub-producto de FIFA (es que, claro, la indignación pasa no porque sea cara de FIFA, sino porque sea de un juego de ¡street soccer!).
Está claro que lo de Messi no es un fútbol de street –no hay rusticidad ni unidimensionalidad de cemento en su juego, más sí magia de largos campos de césped o, a lo sumo, si nos ponemos en nostálgicos, nobles potreros de barro-. Todo ese despliegue que muestran los highlights del game son propios de la invención del peor de los ejecutivos de traje y corbata. La vida de Messi pasa por un campo de juego, una cancha, no en una jaula ficticia e improbable como proponen hacernos fantasear algunos. Desde este humilde espacio, además como conservador del fútbol en su forma más pura, no encuentro positiva la venta de derechos de la explotación de imagen de Messi a un videojuego que representa casi antagónicamente lo de Lío: fundamentalmente, tricks en vano para la gilada voyeur de la efímera circunstancia (para eso, por caso, dejémoslo a Cristiano Ronaldo que ya con él basta y sobra).
Entiendo, por supuesto, que para FIFA significa una enorme invención de dinero en marketing pero, en rigor, creo que hay una disociación de la “figura Messi” con la de cualquier estrella del fútbol callejero. Recordemos que esta franquicia “replica la forma en que los futbolistas callejeros juegan alrededor del mundo”. ¿Messi no es, acaso, el mejor jugador de fútbol del mundo a raíz de sus actuaciones en Barcelona y la Selección Argentina? ¿Y dónde queda el fútbol callejero, entonces?
“Con Messi en nuestro equipo, tenemos al mejor y más excitante jugador para ayudar a EA Sports a mantener su liderazgo mundial en los años por venir”, dijo en conferencia de prensa Matt Bilbey, Vicepresidente y Gerente General de EA Sports football. “Messi se convertirá en el embajador de EA SPORTS football –agrega Bilbey-. Será la piedra angular de campañas de marketing y publicidad, apareciendo en los empaques y siendo utilizado en actividades de redes sociales en todo el mundo para la franquicia FIFA”. Nótese: marketing y publicidad. ¿Y jugabilidad? ¿Fidelidad? ¿Gráficos? ¿Evolución? ¿Desarrollo de habilidades? ¡Uf! ¡Qué duro!
Por otra parte, esperamos, además, como buenos fanas de Messi, que la gente de Konami no se tome ningún tipo de represalias con sus abilities –así le llaman en los juegos de fútbol a las estadísticas que atañen a las condiciones deportivas-, que, a propósito, en la edición del 2011 encontró su mejor versión, aunque perdiendo lujos cuando estaba en la Selección Argentina (en una sensible muestra de realidad, sintiéndose tocado por la triste carencia de magia de sus compañeros de turno).
Aquí el video demostración de Messi en FIFA Street. Juzguen ustedes mismos, gamers del mundo: http://www.youtube.com/watch?v=2_RICzMIkRw

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Review de Jackie Brown

2011-11-22T03:22:00.001+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Noviembre 2011
Review de Jackie Brown vía SBP

Plata dulce

Exhibida en nuestro país un año después de su estreno en los Estados Unidos, y a 13 primaveras de aquel episodio, llega a la Argentina la primer edición legal en DVD de Jackie Brown, una de las películas más personales -¿cuál no la es?- de Quentin Tarantino, lanzada casi en sincro con su versión internacional en Blu-ray. Gran oportunidad para revivir esta joyita de la cultura pop. Por Hernán Panessi

Basada en “Rum Punch”, novela negra de Elmore Leonard, autor adaptado por cineastas tan dispares entre sí como John Sturges o Steven Soderbergh, Jackie Brown, tercer película profesional de Quentin Tarantino (cuarta, si contamos la no-oficial My Best Friend’s Party; y quinta, con el segmento The Man From Hollywood de Four Rooms), es la obra más infravalorada de toda su filmografía. En la lógica tarantiniana, Tiempos Violentos y Perros de la Calle (ahora, también, Bastardos Sin Gloria) son las que poseen el mayor crédito por parte de fanáticos y prensa especializada. Sin embargo, Jackie Brown es, de pronto e injustamente, una película de culto, una gema cinéfila poco reconocida por el grueso de los espectadores, una perlita a descubrir –más no sea en DVD, bienvenida esta edición, entonces- pese a su calidad superlativa.
Es bien sabido que Tarantino tiene un don especial para revivir carreras, géneros y bandas sonoras. Aquí, se dio el gusto no sólo de hacer su propio blaxploitaition –se despachó, además, con su película de robos, Perros de la Calle; de cine negro, Tiempos Violentos y de artes marciales, Kill Bill- sino de revivir, con él, a una contracultura marginal anclada en los años 70s. Todo el mundo agradecido por recuperar del abandono, a la sazón, a una diosa bañada en chocolate, Pam Grier, cuyos golpes de éxito han sido las violentas Coffy y Foxy Brown, en una industria que por lo general hace omisión a mujeres de mediana edad, y ni hablar de mujeres negras. Por caso, si “Across the 110th Street”, de Bobby Womack & Peace, con Grier desplazándose por la pantalla vestida prolijamente en Bleu de France, en uno de los mejores openings de la historia del cine, no es sinónimo de blaxploitaition puro y duro, ¿qué lo es?
En Jackie Brown, una azafata de vuelo de una pequeña aerolínea mexicana (sí, Pam Grier) está necesitada de dinero y hace de correo para Ordell (Samuel L. mothafuckin’ Jackson), un criminal despiadado sin respeto por la vida que, asimismo, es buscado por la policía (Michael Keaton, repitiendo el mismo papel de Ray Nicolette en Un Romance Peligroso, con un delicioso crossover). Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para sortear el ingreso a prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Ordell.
Ella acepta a regañadientes, pero no todo es lo que parece. Desaparecerán unos 500.000 dólares y Ordell llega a una conclusión: Jackie Brown lo hizo. Su socio en el crimen, Luis (san Robert De Niro), también decide traicionar a Ordell, con la ayuda de Melanie (Bridget my little blond surfer girl Fonda, más sexy que nunca, ¡esa bikini rosa!). Así, el tagline de “triple traición” le hace verdaderamente honor a su desarrollo.
Acá no faltan runflas sórdidas ni frikeadas propias de la cultura más republicana y white trash (el programa de TV “Chicks with Guns” es hermosísimo); eso sí: se la criticó por ser diferente, cuando esa, en verdad, es su mejor bondad. Pese a ello, Jackie Brown obtuvo cierto reconocimiento de la crítica, elevando a Tarantino cual maestro indie de la cultura contemporánea. Allí, propone abrir el juego con una faena sólida, brutal y novedosa; hacerse grande a costa de un largometraje maduro, mucho más que sus primeras cintas. Mucho más, también, que cualquier otro de sus filmes.
La edición nacional, la primera en DVD en el país, cuenta con suculentos extras, como una presentación del director, entrevista, making of, escenas borras y alternativas, trailers de las películas de Grier y Robert Foster desde los 60s. Jackie Brown fue durante mucho tiempo una crime movie tanto incunable como obligatoria. Por eso, nunca es tarde: ahora, por fin, está disponible en formatos hogareños.

Nota: Mia, de Javier Van der Couter

2011-11-22T03:20:00.002+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Noviembre 2011
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Zamba para no morir

A propósito del estreno de Mía, entrevistamos a su director, Javier Van de Couter, y le dedicamos un pequeño perfil a una revelación: Camila Sosa Villada. Ley de Identidad de Género, marginalidad, homosexualidad, travestismo, muerte, resurrección y vida. Por Hernán Panessi

Una villa gay es uno de los escenarios en donde se desarrolla Mía, debut cinematográfico en dirección de Javier Van de Couter. A su vez, esa Villa Gay –sí, con mayúsculas; también conocida como Aldea Rosa- será el punto de partida para el desarrollo de una curiosa historia de Cenicientas. Historia en la que Rodrigo de la Serna será, apenas, un ininteligible príncipe azul y Camila Sosa Villada la princesa a la que le rendiremos tributo. “¿Por dónde has entrado, amor? ¿Cómo has entrado, mi vida? Las puertas están cerradas, ventanas y celosías”. “No soy el amor, amante; soy la muerte, Dios me envía”, recita triste su Ana al compás de una procesión que va por dentro y dejando abierto el camino para repensar problemáticas tan elementales como la discriminación, el derecho de familia, la moral aceptada por la sociedad y la infinita capacidad de dar amor que tiene el ser humano.

Javier, ¿de dónde surge la historia de Mía?
La idea de contar Mía surgió hace muchos años. Tomé contacto con la historia de la Aldea Rosa y en ese momento me llamó la atención: un asentamiento habitado únicamente por homosexuales y travestis, e inicié una investigación de donde surgió un primer capítulo de una posible serie. Terminaba de escribir Tumberos para televisión y el ámbito de la Aldea me pareció magnético, pero el proyecto de la serie no se concretó. Luego de un tiempo volvió a surgir la necesidad de contar ese universo en un formato de guión de largometraje, pero esta vez quería vincularlo con otros sectores sociales, investigar el encuentro de dos realidades distintas en donde las personas tienen en común la intención de bondad y el dolor.

¿Cómo elegiste a Camila Sosa Villada para el rol de Ale?
Hice un casting con chicas trans de todo el país. Una asociación (la A.T.T.T.A, Asociacion Travestis Transexuales Transgeneros Argentinas) me permitió participar de un encuentro en Córdoba que capacitaba a chicas trans para que puedan, entre otras cosas, manejarse en una sociedad que las rechaza. Si bien el guión ya estaba escrito, ese encuentro fue increíble. Paralelamente, había escuchado que una actriz trans hacia una obra de teatro en Córdoba Capital. Averigüe y me conectaron con Camila. Hablé por teléfono, le conté del proyecto y le dije que estaba viajando a Córdoba para verla en el teatro y le pregunté sobre la posibilidad de hacer un casting. Quedé subyugado con su talento, y a pesar que le tomé dos casting más en Buenos Aires, la decisión que interprete el personaje ya estaba tomada desde que la vi.

¿Por qué decidiste contextualizar parte de la historia en la Aldea Rosa?
En realidad aparece primero la idea de contar la Aldea Rosa, profundizar esa pequeña sociedad a costas del Río de la Plata y detrás de Ciudad Universitaria, pero en el trabajo de investigación me sedujo un personaje en particular y comencé a tratar de dar con ella. La Aldea ya había sido desalojada y los años habían pasado. Su situación marginal no les permitía tener ni un celular ni un mail, por lo que costaba mucho encontrarlas. Hasta que di con un cura que las evangelizaba y le pedí grabar una entrevista con él. Conversamos durante horas y allí me enteré que el personaje que me tenía totalmente enamorado había fallecido. La emoción fue muy grande y no pude escribir por un tiempo.

¿Y cómo encaraste el proyecto a partir de esa noticia?
Bueno, luego de ese pequeño duelo, decidí que sería un sólo personaje protagónico, no contaría tanto “la aldea” sino a ése personaje que parte de allí todas las mañana con un objetivo y nada mejor que un vínculo basado en el amor para poder traducir lo que imaginaba. Por eso la Aldea quedó establecida como vivienda de ese personaje, lo completaba porque sería doblemente marginal: travesti y cartonera.

¿Intentaste darle aseveración geográfica al lugar o te basaste en otros conceptos para construir tu propia Aldea Rosa?
Las dos cosas. Muchas de ellas trabajaban recolectando en el barrio de Núñez. Sus ranchos por fuera eran de chapa, pero por dentro eran casas de muñecas, lleno de detalles delicados. Con el director de arte tratamos de darle un toque especial pero cercano a lo que era en realidad, con cierto realismo mágico. Pobre y limpio. Lejano del ruido, del tráfico, con sonidos a bosque y a río.

¿Crees que esta película viene a aportar su granito de arena a la Ley de Identidad de Género?
Pensábamos estrenar esta película en Marzo y por diferentes situaciones se estrena en Noviembre, en un momento en donde la identidad de género se convirtió en debate. Creo que el arte siempre ayuda a reflexionar y a que esa diferencia, a veces tan marcada, entre unos y otros, sea más difusa, menos estricta, considero que el camino emocional ayuda a ponernos en el lugar del otro y desde allí intentar comprender.

¿Entonces?
Sí, aporta y mucho. Estoy a favor de la Ley de Identidad de Género. Creo que es necesario comenzar a llamar las cosas por su nombre. Y abandonar preceptos aprendidos para evolucionar y crecer como sociedad y como seres humanos. Entender que hay otros parámetros y que todos somos diferentes y particulares.

Mujer, mujer

En el extinto blog lanoviadesandro, Camila Sosa Villada exponía con pasionales textos sus vivencias, tan lorquianas, tan queer, entre las que se encontraban su infancia en Mina Clavero y sobre las que supo decir que si no las contaba, terminaría lastimándose. A propósito, en la obra teatral Carnes Tolendas, donde interpretaba a una travesti confrontada en testimonios tanto masculinos como femeninos, y donde varios de esos textos fueron llevados a escena, casi como en su propia invención, supo llevar a más de 6000 espectadores durante casi ocho meses de funciones. Por su parte, en el mundo cinematográfico, ha protagonizado La Vereda de la Calle Roma (2005) y Camila, desde el alma (2009), corto ganador del festival Diversa 2010. Así, esta actriz cordobesa supo ganarse su lugar hasta llegar al protagónico de Mía, donde interpreta el sueño de la mujer sufrida, mujer resistente, mujer ingenua, mujer esperanzada y mujer elegante. Mujer, mujer. Como una chica Almodóvar, todas son Ale. Todas son, en verdad, Camila Sosa Villada.

Entrevista a Fabián Gabelli, entrenador de animales

2011-11-22T03:12:00.004+01:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Noviembre 2011
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Animales Sueltos

El número impacta: Desde 1989 hasta hoy, Fabián Gabelli ha trabajado en unas 1000 películas. Cuando comenzó, su profesión no existía. Y ahora, después de más de 20 años, es uno de los más respetables entrenadores de animales en cine del mundo. A propósito de la charla que dará en TedxRíodelaPlata, la conferencia que reúne a hacedores y pensadores de nuestro país y las ideas que los apasionan en 18 minutos, lo entrevistamos y desmenuzamos su ocupación. Por Hernán Panessi

I. Cine Científico
A decir del crítico francés Jacques Jouhaneau: “el cine se alimenta de ficciones, la ciencia de realidades”. Es evidente que, pese a resultar de un matrimonio poco habitual, y en épocas donde El Encantador de Perros goza de una particular fama, no se trata de mundos del todo incompatibles. Es cierto, también, que el cine le ha sido útil a los científicos –filmaciones de intervenciones quirúrgicas, ataques epilépticos, divulgaciones, documentos de estudios; sí, hay un Cine Científico- y este, a su vez, se ha nutrido de historias notables del mundo de la ciencia –clonaciones, dinosaurios de probeta, viajes en el tiempo, bichos mutantes, y la lista sigue-. De tal vínculo se desprende una larga tradición de animales llevados al cine por los humanos, en consecuencia: con cierta ayuda de la ciencia. Así fueron pasando de Mr. Edd a Rin-Tin-Tin, y desde Chita hasta Flipper. Por eso, el anclaje de ciencia y cine pasa en manos de una figura especial: la del entrenador de animales.
En la Argentina, para el caso, ejerce la profesión uno de los más respetables trabajadores de esta curiosa labor: Fabián Gabelli, científico y biólogo del CONICET que ha compartido rodaje, entre otros, con Fabián Bielinsky (en El Aura, 2005), Francis Ford Coppola (en Tetro, 2009), James Ivory (en The City of Your Final Destination, 2009) y Roland Joffé (en There be Dragons, 2011). “Así como hay director de actores, nosotros somos los encargados de dirigir a los animales. Para ello se accede al guión o storyboard donde se detallan las acciones y los contextos en lo que se desarrollaran”, dice Gabelli definiendo el marco de acción de su trabajo. “Utilizo todos los conocimientos que aprendí en la universidad, esto es: las leyes generales del aprendizaje que nos permiten entender los procesos comprometidos en el aprendizaje animal”, agrega.

II. La peste que da conocimiento y trabajo
Cuenta la leyenda que Norman Brisky estaba esperando para ver si en la siguiente escena entraba él o unas ratas. La espera agotó su paciencia exigiendo pasar primero. Del otro lado, Gabelli le exigía al asistente de dirección que era el turno de las ratas, sus ratas, porque sino deberían esperar unas 4 horas para que estas sean alimentadas y vuelvan, prudentemente, a cumplir con el desempeño asignado. Brisky se le acercó a Gabelli preguntándole quién era él y qué hacía en el set. Aclarada la cuestión de roles -“yo hago lo mismo que usted, soy entrenador de actores, porque las ratas también son actores”, dijo el, por entonces debutante, animal trainer-, Brisky sugirió que éste estaba equivocado: “las ratas son ratas... no hacen de ratas, su sola presencia es suficiente para provocar rechazo. En cambio, yo tengo que lograr que este tipo –señala a alguien con cara de buenazo- logre interpretar a un milico jodido, lo cual es prácticamente imposible, ¿me entendés?”. Así, Gabelli entendió que el trabajo de los actores es tan importante como el de sus actores e intentó, de allí en más, hacerle más fácil el trabajo a quienes interactúan con los animales, corriéndose del centro de la escena y dándole lugar a los artistas. Esta anécdota corresponde a su primer encuentro con el cine, de la mano de Luis Puenzo, en el largometraje La Peste, de 1992, que –como casi todas las cuestiones que tienen que ver con oficios o vueltas curiosas- sucedió prácticamente de casualidad: “Un día se acercan de una productora cinematográfica para consultarnos sobre la posibilidad de entrenar las ratas del largometraje. A pesar de que estaba comenzando mi carrera como investigador, ya tenia mucha experiencia en el aprendizaje y comportamiento animal, por trabajos que había realizado, en aves, comadrejas, ratas, armadillos y ciervos, mientras cursaba la carrera e incluso antes. Pero esta propuesta era un verdadero desafío, no había en Argentina un desarrollo del área como para poder consultar, sobre procedimientos, normas de trabajo, riesgos, etc. Junto a Andrés Lemoine, un biólogo compañero del laboratorio, y el apoyo de nuestro director, el Dr. Enrique Segura, aceptamos la propuesta y nos embarcamos en este proyecto, que cambió para siempre mi forma de entender el comportamiento animal”.

III. Aprendizajes y diferencias
“Los animales tienen dos formas de aprendizaje que son las más usadas. Por un lado, la habituación, que consiste en acostumbrarlos a los estímulos irrelevantes intervinientes, para que los animales se concentren sólo en lo que importa. Por otro lado, el condicionamiento instrumental donde se aparean premios a las conductas realizadas. Combinando esas formas de aprendizaje y conociendo el temperamento y las características especiales de cada especie, se resuelven el grueso de las performances”, cuenta Gabelli a Haciendo Cine. Consultado sobre la diferencia entre trabajar actoralmente con insectos pequeños y cómo es el paso, luego, para trabajar con animales más grandes ha dicho, para sorpresa, que “no hay diferencia alguna entre unos y otros. Lograr que una abeja vuele hacia una botella de jugo de naranja sujeta a una arnés que la posiciona solidaria con la cámara es tan maravilloso para mí como lograr que un elefante simule ser un caballo en una prueba hípica y en lugar de saltar las vallas, las rompa. Ambos trabajos están basados en el uso del condicionamiento instrumental y la elección correcta del refuerzo (miel para la abeja y batatas y manzanas para el elefante)”.

IV. Cuidado especial
Profesando aquel postulado de Spiderman, “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, que a Gabelli le calza como anillo al dedo, éste es consciente y prioriza, siempre, el bienestar de los animales: “Trabajamos con animales que tengan documentación. Los animales deben pertenecer a alguna institución o propietarios que tenga su tenencia legal, con todos los papeles necesarios que las Direcciones de Fauna o las oficinas de Sanidad Animal les exige. Eso implica un incremento en los costos pero redunda en no tener que esconder nada. Los animales viajan en las mejores condiciones posibles y sin tener que andar esperando en una caminera o un aeropuerto de faltar algún documento”. Además, para finalizar, añade que “muy al contrario de lo que la gente piensa, un animal maltratado no puede actuar, es una contradicción”.

Review del guión de Bastardos Sin Gloria

2011-11-22T03:09:00.000+01:00

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Noviembre 2011
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Bastardos sin Gloria
AUTOR Quentin Tarantino
EDITA Editorial Sudamericana
PÁGINAS 176
PRECIO $42
STATUS en venta

Resulta que Este libro posee el guión original de la nueva obra maestra de Quentin Tarantino. Contiene, además, anotaciones personales sobre actitudes y movimientos de cámara dignas de un condenado anormal.

¿Qué onda? El film de los judíos descabelladores de nazis, en formato libro, resulta una experiencia intima y, a la vez, electrizante para cualquier amante del séptimo arte, como así también para cualquier lector acostumbrado al lenguaje cinematográfico. Prologado por el escritor David L. Robbins, amigo personal del realizador, el borrador de Bastardos sin Gloria regala a un Tarantino hablándole directamente a quien se le ponga delante: tu voz interior, chocha. Leer el guión de una película celebrada como ésta es, sin dudas, teatro para la mente.

¿Qué aprendí con este libro? Hay detalles visuales que sólo la imaginación contiene.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Ver la película en el cine.

La-Cosa-Matic: Be cool, Rolo. Operación Tragón. Explota explótame expló.

Nota: La Profecía del 11-11-11

2011-11-22T03:03:00.003+01:00

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Noviembre 2011
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Tapa

Ahora que no paran de llegarnos teorías “new age” sobre el fin de los tiempos, aparecen, de forma lógica, sus correspondientes anclajes cinematográficos. Entonces, porque preferimos quedarnos acá a irnos de gira con los Mayas y Nostradamus, le pedimos a Hernán Panessi que nos cuente más acerca de las presunciones conspirativas que tanto nos gustan y relajar, con ello, un poco la cuestión.

El mundo del cine de terror ha sabido transitar sensaciones de pavor, incomodidad, miedo y repugnancia. Es bien sabido que el terror clásico se basaba en grandes personajes para causar horror, cuyo punto alto sucedería en los 50s y 60s. Luego, durante la Guerra Fría, aparecerían los zombies y su andar cansino pero terrorífico. En los 70s, emergerían con fuerza las historias de posesos y en los 80s explotaría el tópico de asesinos seriales. En los 90s, los adolescentes seguirían cobrando de lo lindo y en el 2000 no pararían de aparecer reimaginaciones y remakes. Por eso, en una actualidad regida, en su mayoría, por las franquicias, nunca viene mal una novedad: llega una película de profecías, tierra fecunda del 2010 hacia esta parte.
Así, una casa, en la costa de la ciudad de Barcelona, será el escenario de La Profecía del 11-11-11 (11-11-11, 2011), thriller de terror psicológico que incluye un devenir tanto místico como misterioso. Dirigida y guionada por Darren Lynn Bousman, responsable de la II, III y IV entrega de la saga de El Juego del Miedo, quien ha dicho, a propósito de la película, que: “Me gustan las historias que suceden en lugares cerrados, como una casa”. Asimismo, según cuenta el film, se abrirá allí una “Puerta 11 del Cielo”, un portal que traerá al mundo algo sobrenatural, por lo que los ángeles –o también guías espirituales, ¿por qué no?- se convertirán en guardianes celestiales advirtiendo a la población sobre una pronta calamidad.
Tal película trata sobre una oscura teoría aplicada a la numerología que otorga importancia a la cifra “11” y su relación con las grandes catástrofes de la humanidad (recuerden: el 11-M en España, 11-E en Haití, 11-M en Japón y, claro, el 11-S en los Estados Unidos). La religión y el concepto de la fe serán algunos de los ingredientes que abordará esta producción, que tiene previsto estrenarse -sí, a que seguro adivinan...- el 11 de noviembre del 2011, con el fin de darle una vuelta de tuerca al marketing y, de paso, proponer un mayor sustento en la veracidad que incita su argumento. A ver si la iglesia católica se para de manos esta vez y les termina dando publicidad gratuita, como ya ha hecho en tantas otras oportunidades. Habrá que esperar a ver cuáles son sus reacciones para el caso.
Cerca de El Bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968), o al menos eso ha manifestado el propio director, La Profecía del 11-11-11 fue filmada en locaciones de Nueva York y, sobre todo, de Barcelona, siendo producida por Wayne Rice, conocido por Hey, ¿Dónde está mi auto? (Dude, where’s my car?, 2000), y cuyo reparto –no muy estelar, por cierto- incluye a Timothy Gibbs, Wendy Glenn, Michael Landes, Brendan Price, Salomé Jiménez, entre otros.
En la ficción, después de la trágica muerte de su esposa e hijo, el famoso escritor Joseph Crone (Timothy Gibbs) viaja desde los Estados Unidos hacia Barcelona para reunirse con su hermano y su moribundo padre. Sin embargo, el destino le tiene preparado un plan bastante diferente. Lejos de su país, desconociendo la lengua y con el único apoyo de su compañera Sadie (Wendy Glenn), su vida se convertirá en una caravana de sucesos extraños, a raíz de unos constantes avistamientos del “número 11”. La curiosidad pronto se convertirá en obsesión, y Joseph comprenderá que este número tiene un significado terrible. Así, el 11-11-11, más que una simple fecha, será una temible advertencia sobre el paso de “algo” de otro mundo hacia el nuestro.

Imperceptible: La versión de Asylum
La productora “copy&paste” ya se mandó su exploitaition. Cocodrilo que duerme...

Todos conocemos cuál es la misión de la productora The Asylum: inundar el mercado con películas generadas a propósito de la expectación de un gran estreno. Tales filmes son lanzados con antelación a los blockbusters en pos de captar incautos en busca de grandes superproducciones. Por eso, porque para colgarse de las tetas de otros son mandados a hacer, rodaron su versión del 11-11-11 llamada, ¡ejém!, 11/11/11. El argumento cuenta cómo un matrimonio comienza a preocuparse por el violento comportamiento de su hijo. Sus investigaciones darán con un secreto: ¡su hijo es la clave para desatar el Apocalipsis previsto para el día de su cumpleaños, el 11/11/11! Gracias por la magia, maestros.

Todo tiene una explicación: La teoría del 11:11
Internet es un lugar sensible y propicio para las conspiraciones.

“Muchas de las ideas de la teoría del 11:11 eran de la Edad Moderna o de la Biblia, de los discursos de los ángeles. Déjenlo a Darren (N. de Redacción: Lynn Bousman, director de la película) para ver el lado oscuro de esa fecha. [...] Es el sueño de un vendedor”, ha dicho Wayne Rice sobre la Teoría del 11:11. Tal conjetura versa, llevada adelante por los mismos voceros del 2012, sobre un cálculo aritmético que está siendo difundido con fuerza por Internet donde, se supone, dará con el fin del mundo. Mucho más allá de ser un día capicúa –11-11-11-, esta teoría conspirativa propuesta fundamentalmente por el predicador radial norteamericano Harold Camping –quien ya le pifió la vez pasada con “el primer Día del Juicio Final del 21 de mayo”- trataría de argumentar desde la Numerología sus efectos catastróficos. Ahí, se baraja la idea de un cálculo matemático con resultados fatales a raíz de la descomposición del “número 11”. ¿Fantasía o realidad? ¿Delirio religioso o profecía divina? ¿Ustedes qué opinan al respecto?

Los números y la cultura pop
Aquellos números que vuelven loquitos a más de uno en el ámbar de la cultura pop.

01. El Teorema de Fermat y la 3ra dimensión en el capítulo La Casita del Horror VI (1995) de Los Simpsons.
02. El infinito, la 4ta dimensión y las matemáticas para rescatar un subte extraviado en Moebius (1996).
03: Las predicciones exactas, el ordenador Euclides y el verdadero nombre de Dios en Pi (Pi: Faith in Caos, 1998).
04. La importancia del “7”, su relación con el misticismo y su explotación hasta el hartazgo en la saga de Harry Potter.
05. Los métodos numéricos para resolver problemas en Una mente brillante (A Beautiful Mind, 2001).
06. El número 60659, el universo paralelo y el hipercubo de Cubo 2: Hipercubo (Cube 2: Hypercube, 2002).
07. La “conjetura de Goldbach”, los acertijos y el orden alfabético en La Habitación de Fermat (2007).
08. La alucinación de Sparrow por el “23” y su vínculo con los incidentes en Número 23 (The Number 23, 2007).
09. La Ecuación de Valenzetti, 4 8 15 16 23 42, y la destrucción total de la especie humana en Lost.
10. La obsesión de la banda Ásspera por presentarse en días simétricos: 8-8-2008, 9-9-2009 y 10-10-2010.

Reseña Rampage

2011-11-22T03:00:00.001+01:00

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Rampage

Rampage (Korkusuz)
(3)
DIR: Çetin Inanç.
INT: Serdar Kepapçilar, Osman Betin, Sami Hazinses, Yilmaz Kurt.
Color. Turquía. 1986.

A esta altura del partido, es de dominio popular que Turquía, antes del levantamiento masivo de sus políticas prohibitivas y como consecuencia del difícil acceso al material cinematográfico, ha hecho una industria en base a émulos de tanques norteamericanos. Y el del “Rambo turco”, por caso, es un ejemplo rutilante. Dirigida por el mismo de Dunilla Kurtaran Adam (a.k.a. Star Wars Turkish), Çetin Inanç, llega este exploitaition de Stallone –hay otro llamado Vahsi Kan, siendo considerablemente más viejo y canoso que Sylvester- en su época más prolífica: los ochentas, la de Rambo: First Blood sobre todo. En este filme, muy parecido a Commando, por cierto, el héroe no para de disparar jamás y, cual videojuego, encuentra municiones desperdigadas por todos lados –de una pistola vaya y pase, pero... ¿de un rocket launcher?-. A propósito de balas y lanzamisiles, resultan maravillosamente berretas todas sus intromisiones... aunque, nobleza obliga aclarar, los estallidos ocasionados no están del todo mal. Eso sí: siempre las muertes serán tanto exageradas como coreográficas. Momento mítico en el que usan como locación de escape un inmenso matorral de marihuana. Trash cinema otomano que pega, como los héroes de acción, como Stallone o Seagal o Schwarzenegger o Van Damme o Serdar, fuerte, bien fuerte.

Hernán Panessi

Reseña Tebaatusasula

2011-11-22T02:53:00.002+01:00

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Tebaatusasula

Tebaatusasula
(3)
DIR: Kizito Africa
Color. Uganda. 2010.

El sistema de producción de cine de acción ugandés tiene quien sacuda bien fuerte sus banderas y estandartes. Sí, otra vez la Ramón Film Production, los mismos de Who Killed Captain Alex?, esa compañía de 30 miembros no profesionales que se dividen los papeles según la ocasión, vuelven a mandarse de las suyas bajo esa tríada tan deseada de: acción serie B, avances estridentes –no dejen de mirarlos en YouTube- y efectos especiales que son la gloria –las patadas suenan “push!” y los bombazos lucen como la mismísima mierda-. Filmada en escenarios naturales de Uganda, nótese la voladura de maderas y lo radiante del febo, Tebaatusasula continúa con su explotación a-lo-gonzo de selvas, tiros, muertos y simpáticas coreografías de lucha –de hecho, muchos de los mano-a-mano lucen mejor que la mayoría de los incluidos en high budget gringos-. Acá, sostenida en su propia y particular estética, se muestran escenas que lucen reales –okay, no los FX pero sí los escenarios y problemáticas- donde el bajo presupuesto termina siendo bondad más que impedimento. Gracias a esta gran película, por ejemplo, los cinéfagos de habla hispana pudimos aprender algo muy valioso: en Uganda, los autos pueden sangrar. Conmovedor.

Hernán Panessi

Reseña Who Killed Captain Alex?

2011-11-21T15:17:00.001+01:00

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Who Killed Captain Alex?

Who Killed Captain Alex?
(5)
DIR: Kizito Africa.
INT: Kabule Wilson, Sserunya Ernest, G. Puffs, Kavubu Muhammed.
Color. Uganda. 2010.

Para el renacer del cine de súper acción, en épocas donde se volvió a ponderar las maravillas testiculares –caso The Expendables o, mismo, el de Chuck Norris con el spot de Mike Huckabee- y desde el aleph binario –Internet, claro- llega un trailer cuando menos cautivante. Algo así como un meme que luce de “una película”. Pero claro: no como de cualquier película. Allí, una voz similar a la de Fred Figglehorn –ese youtubber con pinta de puto que hace voces chillonas a fuerza de su PC- presenta a unos morochones de armas tomar, patadas karateka de dudosa coordinación más unos efectos especiales dignos de Germán Magariños –recomiendo su factoría: Gorevision Films-. La película en cuestión, Who Killed Captain Alex, resulta el primer film de acción nativo de Uganda donde para realizarla, dicen, le han pedido armamentos, tanques de guerra y helicópteros a la milicia de su país... recibiendo una rotunda negativa, por supuesto. Y de ahí que no quede más remedio que generar la post-producción por computadora. ¡Gloriosas y benditas explosiones en computadora! Toda intervención del CGI no tiene desperdicio. Who Killed Captain Alex flamea tambaleante, entonces, entre la inmunda porquería del uganda exploitaition –donde luego vendrían Tebaatusasula, What the Women Want 2, Valentine Satanic Day, etc- y la más buena de las negras culonas que, aquí, dirán presente a riesgo de ser cagadas por un cuetazo.

Hernán Panessi

Cita de la reseña de Chappaqua para Revista THC en el blog Cabeza de Humo

2011-11-18T14:50:00.001+01:00

MEDIO: Cabeza de Humo
FECHA: Noviembre 2011
Cita de la reseña de Chappaqua

Historia del cine: The Cool and the Crazy

2011-11-11T05:38:00.000+01:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Noviembre 2011
The Cool and the Crazy

The Cool and the Crazy
Estados Unidos, 1958 / 78 min.
Dirigida por WILLIAM WITNEY

En los paranoicos años ’50, cuando Marlon Brando era sinónimo de libertad y rebeldía, y los bloques capitalistas/comunistas se debatían el dominio del mundo, el actor Scott Marlowe reencarnaría cual poseso la figura de Brando en gracia de personificar a Bennie Saul, un joven vendedor de marihuana entre los revoltosos malandrines de una áspera Kansas City. En The Cool and the Crazy, un clásico del propagandístico reefer madness donde una manzana podrida –el nuevo chico malo de la ciudad- contamina de virulenta influencia al resto del cajón –los escolares coetáneos-, se destacaría un objetivo central muy común por esos tiempos: asustar al mocerío en pos de evitar que se rodeen de la “gente equivocada”. Así, se desarrollaría con fuerza aquella propuesta iniciática de la década del ‘30, tremendamente constante en este tipo de filmografía: la marihuana es asesina, es la puerta de entrada para otros estupefacientes y con una pitada te deja enganchado de por vida. Pese a ello, si uno puede obviar estas referencias tan cursis como exageradas, entenderá que detrás de la proposición cheese de delincuencia juvenil hay un sólido guión y un buen reparto.
La película sigue siendo, aún hoy, una noble cápsula de la época, ya que allí se reflejan los ideales de los jóvenes en juerga, los peinados, la influencia de ídolos contemporáneos como James Dean y Dick Jones, los hotrods, el consumo de cigarrillos, entre otras referencias de esos tiempos, sirviendo como un preludio para la rebelión juvenil de los tormentosos y posteriores años ’60. / Por Hernán Panessi

Nota: "La historia ante todo"

2011-10-31T15:35:00.002+01:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Noviembre 2011
FECHA: Octubre 2011
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La historia ante todo

La tercer videoconsola de mesa de Nintendo y el primer gran juego de fútbol de PlayStation en manos de nuestro escriba sudamericano. El paso del tiempo. Los gustos. Aquello que está anclado en la memoria. La nostalgia. El ayer. El hoy.

EL MEJOR JUEGO DEL MUNDO
Alguien de mi trabajo me preguntaba sorprendido: “¿Cómo puede ser, Hernán, que a esta altura del partido te compres una Nintendo 64?”. Y la verdad es que no lo puedo explicar ni racionalizar. Sí, casi a comienzos del apocalíptico 2012 me compré una consola del año 1996. Y bien que lo disfruto. Un domingo ocioso me levanté temprano con la idea –constante, por cierto- de revisar Mercado Libre –el Amazon latino- en busca de cacharros tecnológicos –oropeles, en mi caso- como VHS, discos de vinilo y consolas históricas. Venía de comprarme un clon norteamericano de la Nintendo 8 bits, ¡a $20 pesos, unos 5 dólares!, y estaba cebado por la adquisición. Ahí la vi: “Nintendo 64, nueva, con caja, manuales, un joystick y dos juegos: $300 pesos”. Ay, no saben cuánto anhelaba una oportunidad así –no sólo porque costaba “pocos morlacos”, sino por la posibilidad de encontrar una consola vintage enterísima-. Inmediatamente la compré. A la tarde ya la tenía en casa. Ninguno de los dos juegos que me tocaron me convencían demasiado: el NBA Courtside 2 featuring Kobe Bryant y el Mischief Makers (un juego de plataformas en la lógica del Yoshi’s Story y, según tengo entendido, uno de los juegos underrated de la N64). No tardé nada en adquirir un joystick más –una consola de videojuegos no es tal sin dos joysticks; mi mujer, agradecida- y otro juego: Wayne Gretzky 3D Hockey (¿quién me manda a comprar un juego de hockey sobre hielo?, cuando lo único de hockey que vi en mi vida, fuera de broma, es Happy Gilmore con Adam Sandler; la escena del clásico de culto Clerks, de Kevin Smith, donde sus personajes juegan un partido en una terraza y el capítulo de Los Simpsons “Lice on Ice”, donde Lisa y Bart se pelean por ser el mejor jugador de tal deporte). Lo cierto es que tengo la Nintendo 64 y soy feliz. Ahora sí, cuando me caiga la pasta, menudo desafío, me propuse conseguir joyas como el Diddy Kong Racing, Star Fox 64, Super Mario 64, Killer Instinct Gold, GoldenEye 007 y el que es, según muchos, el mejor juego de la historia y nunca pude probar: The Legend of Zelda: Ocarina of Time. Ahora, por fin, podré comprobarlo. Para eso me la compré.

TE QUIERO, SOS PERFECTO, NO CAMBIES JAMÁS
Cada año, por estas épocas, emerge una dicotomía, una rivalidad tan religiosa como el fútbol. Es que estamos hablando de su extensión (no) natural: el fútbol en ceros y unos, el fútbol en videojuegos. En materia de liderazgos, bien sabemos que, aquí, hay dos y sólo dos que lo comparten: el Pro Evolution Soccer, por un lado; y el FIFA, por el otro. Jugabilidad vs. Fidelidad. Diversión grupal vs. Onanismo solitario. Esquematismo histórico vs. Dinamismo avasallante. Al escribir esta nota vengo de probar un buen rato el flamante y siempre renovado FIFA, el 2012, para PlayStation 3. Sí, es prolijo, contiene una buena cantidad de teams (que no esté Independiente y sí Racing Club es no sólo una ofensa sino un despropósito a la moral futbolera), impecable perfección en los rostros, con el upgrade de las fotos en las fichas técnicas de cada jugador, varios modos de juego, notable modo online, etc. Pero a mi me va otra cosa, a mi me va el PES. Desde el Winning Eleven de PlayStation que me va el PES. El nivel de perfección que podría tornarse bien rústico en comparación con las mutaciones constantes de FIFA, se vuelve más bondad que impedimento. Por eso, y por muchas cosas más, no veo la hora de conseguir el PES 2012 y jugarme unas buenas partidas de Master League –permiso para la digresión de digresión: en esta edición se retiran Castolo, Minanda, Ximelez, Espimas, Ivarov, Valeny, Iouga, Zamenhof, Ceciu y Huylens, pasando a ser, de ahora en más, entrenadores- y soñar, también, con lo que el FIFA no pudo ni quiso darme: que el equipo de mis amores, el Club Atlético Independiente, esté incluido en el modo Copa Libertadores. Gracias, Konami. Siempre agradecido.

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Review de Troma is Spanish for Troma

2011-10-29T23:13:00.000+02:00

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Troma is Spanish for Troma

Troma is Spanish for Troma

Si hay algo que tiene “la Troma”, es un carácter genuino: colorido, sexual, alucinante y un tanto desprolijo, pero siempre portando la inteligencia social justa como para lograr la empatía con el espectador. Es por eso que sus películas, alma máter de personajes icónicos como Toxie, Sgt. Kabukiman o, mismo, Lloyd Kaufman, el creador, tan querido y parodiable como sus “héroes”, se han expandido por el mundo entero. A costa de esa atribución, se presenta el documental Troma is Spanish for Troma, que explica la influencia de la compañía en el Serie B español, a raíz de su activa filmografía. El devenir del underground global le debe muchísimo a Troma; y España, mediante esta obra y gracias a Marc Gras, además de autor, distribuidor de Troma en la Madre Patria, le otorga su importancia y reflexiona, a través del testimonio de varios protagonistas, el porqué de su pregnancia en el imaginario más gamberro.

Retrospectiva Javier Diment

2011-10-29T23:10:00.002+02:00

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Javier Diment

Retrospectiva Javier Diment
Cine, Sangre & Sexo
Por Hernán Panessi

El horror se disfraza de erotismo enfermizo, la sangre se transforma en néctar sensual, los pensamientos perversos se convierten en tiernas canciones de cuna o, de pronto, tal vez, sea que Valetín Javier Diment, director, intérprete, guionista y montajista argentino, haya encontrado el postulado perfecto para volcar todo lo que el espectador avezado necesita para su fruición: sí, fundamentalmente sangre y sexo, combustible y motor de las pasiones. Así lo vimos en Beinase, aquella polémica miniserie proyectada durante el año 2006 en un canal de la ciudad, devenida en largometraje, donde se destaca una síntesis truculenta sobre aquel tipo que dice “venir de otra dimensión” y que mata, secuestra y tortura. Sus sentidos estarán intervenidos y los asesinatos podrían tener un porqué. El tema, aquí, es descubrir realmente cuál es su misión. Beinase juega con la oscuridad de la mente y se regodea en personajes tan excéntricos como excesivos. Porque esa, en realidad, es su mayor verdad.
En El Propietario, telefilm hecho para Canal 7 allá por el 2008, Diment se sumerge, aunque tangencialmente, en el tan poderoso como cuestionado mundillo del snuff, mediante una ficción que combina el thriller psicológico con el terror y el erotismo. Intenso y de fuerte impacto, el filme abre una serie de reflexiones, de lo más crudas, claro, en torno a las violaciones y su perverso vínculo con el amor.
Saltando de géneros, aunque sin perder en personalidad, Diment se abocó con Parapolicial Negro en un documental sobre la prehistoria de la triple A –Alianza Anticomunista Argentina, responsables de cientos de asesinatos contra guerrilleros y políticos de izquierda durante la década del ’70- chocándose de frente y sin concesiones con el policial negro –honor al hard-boiled y dádivas a la suciedad aquí propuestas-, cuya realidad supera a la ficción.
Lo que viene será La Memoria del Muerto, su película más grande hasta la fecha. Pero para ello, lo que falta aún es esperar a que los rituales surjan efecto ya que Jorge, el muerto del título, tardará al menos unos 49 días en volver a la vida. Por eso, mientras tanto, lo esperamos pacientes en las butacas del Rojo Sangre.
Esta retrospectiva a la filmografía de Javier Diment es una suerte de homenaje por sus años de persistencia en defensa del cine de género nacional. La revisión de sus películas servirá para marcar el pulso actual del terror nac & pop & gore. Es un cumplido.

Retrospectiva Plaga Zombie

2011-10-29T23:08:00.000+02:00

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Plaga Zombie

Retrospectiva Plaga Zombie
Uno, dos, tres... ¡zombies!
Por Hernán Panessi

Tripas, colorante para tortas y miel de caña; elementos suficientes para restaurar un paradigma, significar el avance o la sustitución de un modelo hacia otro totalmente novedoso. Hijos adoptivos de George Romero, los videoclubes barriales, el fanmade y los spaghetti zombies, los FARSA Producciones han gestado casi sin proponérselo, allá por el año 1997, en sus casas y con amigos, una de las películas que cambiarían la historia del cine de género en nuestro país, resonando con fuertes ecos en el resto del mundo: Plaga Zombie: ¡La venganza alienígena ha comenzado!, el primer largometraje conocido como zombie criollo. Y, a su vez, harían perpetua escuela bajo su metodología del fatto in casa tan emulada por el amateurismo vernáculo –ejemplos mostrados en este festival, sobran y sorprenden año tras años, edición tras edición- y por el mainstream venidero –sus esquemas de producción serían adaptados por buena parte de toda una nueva cultura de realizadores cinematográficos locales-.
A sólo 4 primaveras de aquella experiencia tan germinal como innovadora, ya con un dejo de profesionalización a cuestas, en lo que sería su tercer filme luego del slasher Nunca asistas a este tipo de fiestas y posteriormente a una buena cantidad de cortometrajes, estos visionarios de Haedo crearían Plaga Zombie: Zona Mutante, una secuela de esas mejores que sus antecesoras y con ella, ahora sí, darían el salto definitivo como referentes, siempre humildes, humanos y colaborativos, del fantaterror en toda la región.
Plaga Zombie significaría, así, el resultado de aquel desparpajo cinéfilo de un grupo de entusiastas devenidos en referente de época y sinónimos ineludibles de trasgresión. Como el tiempo pasa y nos vamos poniendo tecnos, los procesos de realización han ido mutando desde aquellas (otrora) primitivas cámaras VHS hasta llegar a esta (actual) espectacularidad visual digna de cualquier Clase A. Es que los FARSA, así como también el Festival Buenos Aires Rojo Sangre, han sabido transitar un camino –siempre progresivo, siempre hacia delante- en el que, ahora, los encuentra a ambos presentando lo que será, según dicen, el final de una saga a todo trapo: Plaga Zombie: Revolución Tóxica. Esta retrospectiva, en efecto y plan tributo, les merece. Gloria y loor a los FARSA Producciones.

Ghostwriter del Premio VideoFlims

2011-10-29T23:03:00.001+02:00

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Premio VF

Por primera vez, y esperamos que por muchas veces, VideoFlims Distribución entregará el “Premio VideoFlims” a la mejor película de la competencia Panorama Nacional. Este premio especial consistirá en la entrega de una estatuilla conmemorativa y la inclusión del largometraje que resultase ganador en su catálogo. El jurado que determinará el premio, según conste en su criterio, estará compuesto por: Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas, los 3 directores de la distribuidora.

Editorial de VideoFlims en el catálogo del BARS XII

2011-10-29T23:01:00.000+02:00

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Editorial

Es tanto un honor como una responsabilidad participar y ayudar, una vez más, del que consideramos, por afecto y pertenencia, nuestro festival… el Buenos Aires Rojo Sangre. Evento sagrado desde hace 12 años para todos los amantes de cine de género del país, a través del BARS, muchos de los realizadores ahora consagrados –varios de ellos editados por VideoFlims, por cierto- han tenido su primera oportunidad de pantalla. Como consecuencia, motivados por esto, los nuevos cineastas encuentran, aquí, su lugar en el mundo. Por ello, sabemos que en el Rojo Sangre están siempre las nuevas generaciones. Y las viejas generaciones, claro. Porque eso es el BARS para nosotros: un lugar de unión, donde el cine de entretenimientos no hace distinciones de ningún tipo. Un lugar que, sólo, nos incita a pasarle bien.
Que sea, entonces, con tripas, colorante para tortas y amigos. No hace falta más.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas
VideoFlims Distribución

Ghostwriter de Chimiboga en Los 7 Magníficos

2011-10-22T20:45:00.001+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
01

Salió a la venta Chimiboga, el delirante mundo animado de Ayar B., director de Mercano: El Marciano y El Sol, donde conviven absurdos personajes, entre los que sobresalen Don Luis y sus hijos, el Conejo Bugs Buni y el Ratón Disney. Aquí se recopilan los cortos del site Chimiboga.com, más alguna que otra rareza. Por estos momentos, su autor, además, se encuentra planeando un largo protagonizado por Sofia Gala y el Dr. Tangalanga. Flashero. Chimiboga se consigue acá: http://www.videoflims.com.ar

Nota sobre Netflix Latinoamérica

2011-10-22T20:35:00.001+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
01
02

Cinefilia liquida

Acaba de llegar Netflix a la Argentina y, a raíz de ello, le pedimos a uno de nuestros escribas que lo pruebe, lo manipule y luego nos cuente su experiencia acerca del servicio que intentará presentarle batalla, entre otras cosas, al video streaming pirata y que cambiará, además, la manera en que concebimos la cinefilia. Por Hernán Panessi

UNO
Vino Netflix a la Argentina y, según parece, la cultura de consumo volverá a mutar. Es que la vida, desde el punto de vista de la biología, implica la capacidad de nacer, crecer, reproducirse y morir, y, a lo largo de sucesivas generaciones, evolucionar. Ese mismo concepto puede ser aplicado a la tecnología y, aún así, también tendría su correlato darwinista. Resulta que prácticamente junto con la noticia de tal advenimiento resuenan los ecos de una baja sensible: en los Estados Unidos, Netflix perdió un millón de abonados –de los 23 millones de suscriptores vigentes- y sus acciones cayeron 26% en dos días. A la sazón, escuché decir al periodista cordobés Miguel Peirotti una frase que sintetiza el estado actual de los video on demand universales: “Por el momento, ningún servicio de películas online ofrece un catálogo igual que el de los videoclubes grandes de los 80s”. Por lo visto, aunque les parezca absurdo a las nuevas generaciones, las nostalgias de formato todavía prestan batalla bajo alguna forma, sensación, concepto o sentimiento. Aquí y allá, acá y más allá.

DOS
Dicen algunos que Netflix fundió a Blockbuster (digital vs. analógico). Otros entusiastas comentan que, en realidad, la cosa resultó más apocalíptica y truculenta: lo asesinó (analógico vs. digital). Lo cierto es que para competir con el VOD de Telefónica y Cablevisión, ahora también, seducidos por el bajo costo de las licencias, llegó Netflix a nuestro país (lo digital copando la parada). No resulta tan curioso que, justamente, lo que acá es bondad, en Europa y Asia sea impedimento: las licencias son caras y prevén que, por ello, les costará desembarcar de dos a cuatro años. Además, a nivel mundial, muchos señalan que éste sería un golpe fuerte para la piratería. ¿Y qué significa eso? Pues que los modelos de consumo y negocios han mutado. Que hace tiempo, además, los pocos videoclubes que quedan son más lugares de culto que templos victoriosos. Y que, en teoría, la avanzada de la piratería puede ser no tan letal si lo ofrecido significa buen servicio. Es que ahora, pagando una membresía –posible, en efecto- se puede acceder a una buena cantidad de material audiovisual, elegir la configuración de video en buena, media y máxima calidad para regular el streaming según el ancho de banda, y, todo, en la comodidad del hogar. Un hogar perezoso que propone tener acceso a un todo indiviso sin moverse nunca jamás de él, salvo para ir a pagar Internet y los servicios. Aunque, claro, también podría hacerse desde esa misma silla en la que se miran Amelie, entran a la CNN, encargan por Amazon un libro de Stieg Larsson, compran tickets para el Village Cinemas, hacen online ordering en la hamburguesería Whitecastle o siguen fervientemente Desperate Housewives, como si fuera lo último que hagan, lo último que hagan...

TRES
Así, la compañía norteamericana debuta en el mercado local ofreciendo ver películas y series desde PC, Macintosh, consolas de videojuegos, dispositivos móviles o televisores con acceso a la Red, bajo un costo mensual de 39 pesos, menos de 10 dólares. La falencia, aquí, es que todavía no puede utilizarse desde iPhone, Xbox 360 ni iPad, pero Wilmot Reed Hashtings Jr., CEO de Netflix con pasado en la todopoderosa Microsoft, mencionó en la presentación local que “estas opciones estarán disponibles antes de fin de año”. Ahora sí, que Netflix se ve bien, nadie puede negarlo. Sin embargo, esa fruición todavía no podrá llevarse a cabo con plenitud ya que cuenta con un catálogo considerablemente corto –unos 500 títulos, nada de estrenos cinematográficos ni televisivos hasta después de un año de sus pasadas en cines- y con un buscador, pareciera, en fase experimental. Es que la tecnología que usa Netflix en Latinoamérica no es la misma que en los Estados Unidos. Entonces, hasta la fecha, en relación precio y calidad, los 39 pesos por mes resultan a considerar, teniendo muy en cuenta, por un lado, la calidad del video, la multiplicidad de formatos de reproducción aceptados y su buena transmisión. Por el otro, emerge la pobre selección de películas disponibles, la falta de disponibilidad del full HD y la inclusión de audios en español del 80% del catálogo, en otro de los sectores a mejorar en los próximos meses, según ha dicho el propio Reed Hashting. Por ello, hasta el momento, uno de sus mejores ganchos para captar clientes argentinos es el mes de suscripción gratuita. Ahí se ofrece, llenando un formulario relativamente sencillo, incluyendo un número de tarjeta de crédito internacional (sólo Visa o Master Card), nombre, mail y poco más, un trial de cómodo uso y baja simple. En consecuencia, si mejoraran el catálogo, cuestión que uno espera sucederá, el vuelco se entiende inevitable. Habrá que ver, eso sí, si la toma de conciencia por parte de los usuarios en cuanto a la problemática ilegalidad-legalidad se hace manifiesta. Por lo pronto, su institucionalización está latente, muy verde.

CUATRO
Como usuario del servicio, Netflix no puede dejar de hacerme recordar aquel maravilloso video de X-Press 2 con David Byrne, “Lazy”, cuyas imágenes anticipaban a la sociedad del futuro que mostrara posterior y tan perfectamente Pixar en su clásico inmediato Wall-E, cuya letra, también brillante, decía así: I'm lazy when I'm lovin', I'm lazy when I play; I'm lazy with my girlfriend a thousand times a day; I'm lazy when I'm speaking, I'm lazy when I walk; I'm lazy when I'm dancin' and I'm lazy when I talk. Lo verde, se hace verde dolar; el confort, binario y el entretenimiento, borgeano. “Fácilmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”, dijo el maestro en El Aleph y ya nada será igual. Como aquel VHS que me mira desde su anaquel cómo escribo esta nota y parece decirme: “pero flaco, acá estoy, meteme en la videocassetera”. Y un día, Internet hizo que todo y todos seamos efímeros.

Nota sobre el Buenos Aires Rojo Sangre

2011-10-22T20:29:00.002+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
01

Rey del terror

Como una cruza perfecta entre un parque de diversiones sanguinolento, un happening posmoderno y un colegio secundario público sórdidamente procaz, el Buenos Aires Rojo Sangre dignifica la figura del adolescente. Aquí, una lectura omnisapiente del festival de cine de género por antonomasia. Por Hernán Panessi

HISTORIAS PARA NO DORMIR
Pocos festivales en el mundo hay tan curiosos, coloridos y personales a la vez como el Buenos Aires Rojo Sangre. Allí, cual Woodstock clase Z, se respira un particular idilio juvenil a raíz de la participación de aquella figura técnica de las ciencias sociales: la del observador participante. En este festival, dada su contextura, se incita a la contribución de jóvenes productoras –otrora espectadores o neófitos en la cuestión- a raíz de las competencias de cortometrajes. Tal formato significa un agente permisivo y democratizador para quienes tienen intenciones de pertenecer, ya que no sólo son de fácil acceso –se filman con casi cualquier cámara- sino, también, de fácil edición –se editan con casi cualquier PC hogareña-. Así, cientos de tortas con cortos desfilan año tras año por el BARS –de esta manera lo conocen sus amigos, así le dicen los que saben-, convirtiendo a quienes sean lanzados en “cineastas por un rato”; funcionando, además, como caldo de cultivo cultural (o contracultural, claro) y granero de profesionales. En consecuencia, la empatía con el espectador se resuelve en un santiamén. Es que cada año, los más teenagers se ceban para “mandar su corto al Rojo Sangre” como ese imponderable gore que se convierte en los 15 minutos warholianos: tu corto hecho con amigos se pasa en un cine –ni más ni menos que en el mítico Monumental Lavalle, el Alamo Drafthouse Cinema criollo-, con cientos de espectadores del palo, aplausos o abucheos mediante, pero siempre con un jurado pertinente que levanta, aún más, el tupé de la cuestión.

CAMPAMENTO DEL TERROR
Tras 11 años ininterrumpidos –ahora, del 27 de octubre al 2 de noviembre va por su 12da edición-, nunca cambió la política del bajo presupuesto y la autogestión casi absoluta desde todos sus frentes de acción –para determinar su estructura, obtiene un pequeño apoyo del INCAA pero el resto sale del propio bolsillo de los responsables de la organización y sus producciones son efectuadas, en su mayoría, con el dinero de los realizadores implicados-. De tal forma, su lugar en el mundo pasa por respetar lo que es un factor diferencial: la prioridad humanística por sobre los nombres propios. Hablar del Buenos Aires Rojo Sangre es meterse, inevitablemente, con una estructura de cinefilia, en general, alejada de la figura taylorista de la industria. No hay ni hubo nunca, allí, una figura del cine despachado en proporciones mecanicistas. De hecho, sus dos figuras más representativas, su director y su programador, los respetables Gabriel Schipani y Pablo Sapere, no se han dedicado jamás al cine industrial, y, sin embargo, fieles a sus principios, han sabido crear un monstruo, sí, de dimensiones inimaginables.

EL DÍA DE LOS MUERTOS VIVOS
Siguiendo con la lógica de curaduría adolescente, hay varias actividades transversales a las secciones competitivas –este año participará la esperadísima Plaga Zombie 3: Revolución Tóxica, entre muchas otras películas- que hacen las delicias barbilampiñas: la Zombie Walk y la Monster Walk. La primera, que responde a un fenómeno realizado a nivel mundial, reúne a cientos de jóvenes lookeados como muertos caminantes haciendo una suerte de marcha, acaparando la atención de los transeúntes del Centro Porteño y, por supuesto, la de los medios masivos de comunicación. La segunda, además, acepta “todo tipo de engendros” –de esta forma se promociona-, otorgando diversos premios afines (desde mejor disfraz hasta mejor scream queen). La recomendación, en ambos casos, es buscar videos en YouTube para el deleite y sorpresa de la vista.

NOCHE DE BRUJAS
Sumando puntos en truculencia, el Buenos Aires Rojo Sangre coincide, por su parte, con la festividad del Halloween, la noche del 31 de Octubre, así que se imaginarán lo que allí pueden encontrar. De esta forma, por prepotencia de trabajo, autenticidad, constancia y tozudez se ha convertido en la referencia ineludible para el cine de género no sólo en la Argentina, sino en todo el Cono Sur. La obviedad del compruébenlo usted mismo se institucionaliza en la prerrogativa del hágalo usted mismo. Salvo tripas vacunas y colorante para tortas, nada tiene desperdicio.

Nota: Extraños en la noche, entrevista a Diego Torres

2011-10-22T20:22:00.002+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
01
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Extraños, nunca más

A poco más de un año de su último disco, al que le seguiría el single futbolero “Creo en América”, sin perder el tiempo, Diego Torres prepara el lanzamiento de uno nuevo y, asimismo, retorna al cine, convirtiéndose, de esta manera, en un artista definitivamente polifacético. Así, el querido cantante regresa con Extraños en la Noche, film de Alejandro Montiel, a un lugar privilegiado: el séptimo arte. Por Hernán Panessi

Tal vez muchos no lo recuerden, pero el debut de Diego Torres en cines se da, oficialmente, con la última película del gran Enrique Carreras en la Argentina, allá por el año 1988, con El Profesor Punk, donde Torres era uno de los alumnos comandados por aquel entrañable profesor de música que era Jorge Porcel. Seis años después volvería a la pantalla grande en un film onírico de Héctor Olivera, Una sombra ya pronto serás, de 1994, encarnando a un mudo en búsqueda de Ohio. Después llegaría, ahora sí, la exposición total y absoluta con la música, atravesada, incluso, por la película más vista del año 1997, La Furia, donde 1.300.000 espectadores hicieron largas colas para escucharlo sufrir al son de “¡Guardias, guardias!”, siendo dirigido, allí, por el gran Juan Bautista Stagnaro. Años más tarde vendría La Venganza, de 1999, otra vez, como en La Furia, compartiendo elenco con Laura Novoa, representando el papel de Pablo Nazareno, aunque siendo aquí dirigido por otro especialista en policiales: Juan Carlos Desanzo, en el que debía afrontar una red de corrupción e ilícitos. Por último, en el 2003, aparecería El Juego de Arcibel, junto con Darío Grandinetti bajo dirección de Alberto Lecchi, que según él mismo definió como “una película chiquita, más de autor”. Después de eso, dedicación plena a su faceta musical. Premios de aquí y allá, discos de platino, un MTV unplugged con invitados internacionales –desde Julieta Venegas hasta el the beat box Mr. Miguelius–, una interpretación en el mítico Madison Square Garden e, incluso, se dio el particular lujo de cantar “Color Esperanza” ante el Papa Juan Pablo II, saliendo en vivo para más de 1 millón de personas. Pero, aún así, seguía faltando algo. Hasta que apareció Alejandro Montiel, responsable de Chapadmalal, Ocho Semanas, junto con Diego Schipani, y Las Hermanas L, junto con Santiago Giralt, Diego Schipani y Eva Bar, y el guión de Extraños en la Noche. “Ale me trae un proyecto de guión. Lo leo y le digo: me encanta, me fascina la historia, lo propuesto, aquello dentro de lo que es una comedia romántica con esas cositas poco convencionales, como algunos toques de suspenso”, sentenció Diego Torres con respecto a la cuestión germinal de este nuevo proyecto. Y, a partir de ahí, claro que sí, ocurre lo que será su vuelta por la puerta grande al mundo del cine.
“El regreso a la actuación era algo que estaba esperando con muchísimas ganas”, aseguró en pleno rodaje de Extraños en la Noche. “No quise filmar algunas cosas que no me sentía convencido. Cuando apareció esta propuesta de Ale, quien me llamó diciendo ‘escribí este personaje pensando en vos’, le agradecí profundamente. Ahí me empecé a involucrar en el proyecto que ya tenía vida pero que estaba naciendo, estaba creciendo. Esto no me llega a mí hace dos meses, sino hace un año y medio o dos”, mencionó en un parate de filmación de la primera escena de la película, correspondiente a la quinta semana del rodaje. “No me lo cuestioné demasiado”, agregó. Sobre la mencionada vuelta a la actuación, Torres no dejó lugar para las dudas ya que, según desliza, le sienta muy cómoda: “No me cuestiono jamás mi oficio de actor, sí me cuestiono lo que voy a filmar. Si hay algo que tengo es mi oficio de actor, porque... lo siento tan claro en mí como el músico. De hecho, en mis conciertos, saco a pasear al actor. Uso mis dotes actorales arriba del escenario para conectarme con la gente, y eso ha sido algo importante en mi carrera”.
Extraños en la Noche será una comedia romántica de suspenso y acción, dirigida por Alejandro Montiel, y protagonizada por Julieta Zylberberg y el propio Diego Torres. Además, serán de la partida Fabián Vena, Ludovico Di Santo, Betiana Blum y Daniel Rabinovich. Allí, Martín (Torres) y Sol (Zylberberg) serán una pareja de jóvenes artistas en busca de sus destinos. Él será un músico académico que espera vivir de sus composiciones clásicas, mientras que Sol querrá triunfar como vocalista y líder de una banda indie rock. “El personaje, si bien habla de algo que tiene que ver con la música, lo hace desde otra vereda. Martín es un músico pianista, le gusta la música clásica y todo ese rollo, con todos los prejuicios, miedos e inseguridades que encierra este personaje. Entonces, eso es lo que me resultó atractivo porque conozco ese mundo, del también soy parte. A lo mejor desde la otra vereda, que es la que él reniega. Para colmo, convive con un mundo muy distinto: el de ella”, dice Diego refiriéndose, entre otras cosas, a su pareja en la ficción. Por su parte, Julieta Zylberberg, acerca de su interpretación de Sol y su relación con Martín, señale que: “Ambos hacen eventos para ganar plata, para ganarse la vida. Pese a no ser ni hacer lo que les gusta, todo va relativamente bien, hasta que mi personaje se enrosca con algo que sucede con un vecino de arriba de su departamento y se le da por jugar a la detective”.
“A Julieta le empecé a echar el ojo desde que era una criatura, desde que la veía con Mex Urtizberea en Magazine For Fai. Siempre dije ‘qué divertida’, me encantaba lo que hacía. Después la fui viendo crecer y siendo un poco testigo de sus trabajos, tanto en televisión como en cine. Siempre me encantó. Me parece, de las actrices jóvenes, de las 4 o 5 que más me gustan. El registro que tiene, que puede hacer una película de una manera y pasar naturalmente de una comedia a un drama. Me pareció, incluso, un gran desafío para mí poder trabajar con ella. Es que trabajar con buenas actrices, tocar con buenos músicos, jugar con buenos jugadores de fútbol, siempre te mejora. Ahí uno aprende”, así se refirió el actor, músico y compositor acerca de su compañera de elenco. “Con Diego tengo la mejor”, dice Julieta al respecto. “Lo vi bárbaro en su vuelta a la actuación, nos re entendemos, tenemos como un código necesario, muy propio ya que interpretamos a una pareja de hace mucho tiempo”, complementa.
Para Diego Torres este filme representa no sólo la vuelta a la pantalla grande, sino, también, según deja ver, un regreso al goce cinematográfico: “Estoy disfrutando esta película cada instante como si fuera el último de mi vida. Imaginate que, de verdad, yo estaba esperando una propuesta así, como está, desde hace mucho tiempo”.
Para finalizar, Torres promete que “Extraños en la noche será una historia que entretendrá y gustará mucho. La gente se va a sentir reflejada a través de los personajes, eso te lo aseguro”.

Medianoche en Buenos Aires

“Desde el primer momento, Alejandro planteó una estética woodyallenesca de Buenos Aires. Un Buenos Aires pictórico, del punto de vista de esas cosas lindas que tenemos como los edificios antiguos, esa arquitectura que no se encuentra en otra parte de Latinoamérica sino en París. Por eso, en París, denominan a Buenos Aires la única ciudad Haussmann –N. de redacción: Barón Haussmann era el arquitecto típico de ese estilo, hizo que París se transformé en la ciudad más moderna del mundo- fuera de París. Tiene una paleta de colores específica, una iluminación y una música especial”, señaló Diego Torres acerca del trabajo conjunto de dirección, fotografía y arte. Es que Alejandro Montiel, su director, hizo fuerte hincapié en esos elementos: “La búsqueda de locaciones fue un poco preciosista, lugares con cierta continuidad estética entre uno y otro y, sobre todo, limpios de autos y demás. Plazas como la de Recoleta, el Museo de Arte Moderno, lindas calles, etc. Por otro lado, el centro de la película, para mí, es el decorado. Por eso gastamos tanta plata ahí. Por eso, además, me pareció interesante arrancar el primer plano de la película con un exterior que da un poco ficticio y luego hacer hincapié en el personaje estando en su lugar en el mundo. Asimismo, agregó que: “Esta película es la más grande que hice en cuanto a estructura. No hay mucha diferencia con el cine independiente, aunque por ahí necesitás más apoyatura. Mis otras películas no estaban tan apoyadas en la imagen o en lo técnico como esta. Ahora me sostengo más, por ejemplo, en la directora de foto, Sol Lopatín, y yo trabajo más en la actuación”. Acerca de la película en sí, como producto final, Montiel redondea: “Extraños en la Noche será una comedia con trama policial, cuyo tono es lo que sale de ahí. Tiene un acento bastante propio. Ya pude ver algunas cositas montadas y está muy bueno. Con todas mis películas pensé que había logrado cosas mejores de las que me había imaginado, siempre me superan las películas. Lo que vi está bueno, me conforma y me gusta y, sí, como suele suceder, es diferente a lo que había pensado pero, en algún punto, es igual o parecido”.

Review del libro "Su último saludo en el escenario"

2011-10-17T02:57:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Octubre 2011
Review

Su último saludo en el escenario

AUTOR Arthur Conan Doyle
EDITA Punto de Lectura
PÁGINAS 320
PRECIO $35
STATUS en venta

Resulta que Sherlock Holmes, acaso el detective más famoso del mundo, protagoniza ocho historias, de las cuales cinco serán casos del pasado y cuyo último relato, que da título al libro, sigue los pasos de un Sherlock sesentón que vuelve del retiro para convertirse en espía británico y desbaratar con ello los planes de dos espías alemanes en plena Primer Guerra Mundial.

¿Qué onda? El libro, también conocido como “El último saludo de Sherlock Holmes”, es el anteúltimo de la saga protagonizada por el cerebral Holmes. Éste muestra algunas de las mejores historias del detective “razonamiento deductivo” ambientadas en nebulosas situaciones, quizás más que nunca, donde el héroe le hará frente a inquietantes misterios del contra-espionaje con su mejor arma: la intelectualidad (bueno, ¿cuándo no?).

¿Qué aprendí con este libro? Sherlock Holmes nunca dijo: “Elemental, mi querido Watson”.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Doyle, Poe, Dickens y... ¡Roberto Bolaño!

La-Cosa-Matic: Be Cool, Rolo.

Nota de Detrás de las paredes (Dream House, 2011)

2011-10-17T02:51:00.002+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Octubre 2011
Tapa
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Detrás de las paredes (Dream House, 2011)

Un exitoso editor deja su laburo para trasladarse hacia apacibles tierras lejos del ruido y la vorágine de las grandes ciudades. Sin embargo, la calma será sólo una pequeña ilusión en Detrás de las paredes. Por ello, Hernán Panessi la juega aquí de cazador de fantasmas y recorre los pasillos más oscuros de la cinematografía herética haciendo hincapié en la del último y uno de los mejores James Bond, Daniel Craig.

Detrás de las paredes (Dream House, 2011), de Jim Sheridan, es la historia de Will (Daniel Craig), un ejecutivo que acaba de renunciar a un trabajo en Nueva York para trasladarse junto con su esposa, Libby (Rachel Weisz), e hijas, a un pueblo de Nueva Inglaterra. Así, sin saberlo, se mudarán a una casa donde terribles asesinatos fueron cometidos... sólo para encontrarse con el próximo objetivo del asesino. Ayudados por su vecina, Any (Naomi Watts), intentarán armar esta perturbadora historia llena de sospechas, muertes y vueltas de tuerca.

La Terrorífica Casa de La Cosa
A raíz de la experiencia “Detrás de las paredes”, decidimos ponernos oscuritos y armar un top 20 histórico de entidades, posesiones, espíritus chocarreros, organismos diabólicos y monstruos variopintos en sitios de Belcebú al servicio del cine de horror.

La ensalada de monstruos de La Mansión de Frankestein (House of Frankestein, 1940)

Los espectros de La Casa de la Colina Embrujada (House of Haunted Hill, 1959)

Los 13 fantasmas de 13 Fantasmas (Thriteen Ghosts, 1960)

Las apariciones fantasmales de La Mansión Encantada (The Haunting, 1963)

El demonio Pazuzu de El Exorcista (The Exorcist, 1973)

Los engendros de No le Temas a la Oscuridad (Don’t Be Afraid of the Dark, 1973)

Las fuerzas invisibles de La Leyenda de la Casa del Infierno (The Legend of Hell House, 1973)

El espíritu ancestral de El Manitú (The Manitou, 1978)

El Jack Torrance demente de El Resplandor (The Shining, 1980)

El niño fantasmagórico de El Intermediario del Miedo (The Changeling, 1980)

El ente invisible de El Ente (The Entity, 1982)

Los espíritus indios del cementerio de Poltergeist: Juegos Diabólicos (Poltergeist, 1982)

Las deformidades demoníacas de House (1986)
Los demonios de “El libro de los muertos” de Noche Alucinante (Evil Dead II, 1987)

El desagradable y exorcista de humanos Beetlejuice de Beetlejuice (1988)

Los atrapados de La Gente Detrás de las Paredes (The People Under the Stairs, 1991)

La fantasmagórica Jin Ju en la universidad de Whispering Corridors (1998)

El mayordomo Hanson y las apariciones de Scary Movie 2 (2001)

El espíritu de la mina de La Mansión de Red Rose (Stephen King’s Red Rose, 2002)

La estela fantasmal de la mujer en La Casa de los Sustos (Monster House, 2006)

Historia del cine: Chappaqua

2011-10-11T05:36:00.000+02:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Octubre 2011
Chappaqua

Chappaqua
Estados Unidos, 1966 / 82 min.
Dirigida por CONRAD ROOKS

En un punto, esta es una película bajo presupuesto acerca de las diversas formas de adicción a las drogas. En otro, más amoral que moralizante, es la síntesis de la psicodelia lisérgica propuesta por la Generación Beat de los 60s cuya función se imprime en retratar, además, los comienzos de la movida en San Francisco. Chappaqua deviene en la historia semi-autobiográfica, más no verdadera pero sí fascinante, del cineasta Conrad Rooks, una de las figuras germinales del beat, asiduo de los cafés de Greenwich Village, acá bajo el alter ego de Russel Harwick, y su viaje para someterse a un proceso de rehabilitación. Cuenta, por su parte, con un aspecto sumamente llamativo: el trip sobre lugares de la época que ya no existen bajo esas mismas formas, en un gran acierto del director de fotografía Robert Frank, acompañados por una hipnótica banda sonora, como el Times Square o los famosos cines grindhouse neoyorquinos. Por el filme desfilan, entre otros, figuras tanto vanguardistas como emblemáticas de la talla de William S. Burroughs, Allen Ginsberg, Ravi Shankar o Swami Satchidananda, en un quién es quién de la escena pre-Woodstock, razón por la cual obtiene un importantísimo valor agregado. Simbolismos, sutilezas y excesos. Surrealismo, espiritualidad y contracultura. Está claro que Chappaqua no es para cualquiera. Sin embargo, Chappaqua es, entonces, pese a que algunos se empeñen en tildarla de trivial, un manifiesto beatnick devenido gema mítica. / Por Hernán Panessi

Cine, ética y Relaciones Públicas

2011-10-07T04:56:00.003+02:00

MEDIO: House organ: "Las hojas Kennedianas de Relaciones Públicas"
FECHA: Octubre 2011
Cine, ética y Relaciones Públicas

Cine y ética en Relaciones Públicas

Lejos de resultar pretencioso, este artículo intenta aproximar al cine hollywoodense con la ética universal en Relaciones Públicas y, a raíz de ello, menuda tarea, hacer un anclaje en nuestro contexto nac & pop.

UNO
Más de una vez -más de dos, tres o cuatro también- en el mundo de los poderosos, cuando surgen trifulcas en donde están implicadas las megacorporaciones o lo que es igual a que esté en medio algún gobierno pujante o del G8, aquel lugar donde siempre el poder se identifica con la posesión de los medios de comunicación, las Relaciones Públicas toman partida para ser su eficaz brazo ejecutor. Recordarán ustedes, por ejemplo, la película Wag the Dog del año 1997, conocida por estos lares como Escándalo en la Casa Blanca, en la que se utilizaba estratégicamente una guerra ficticia para contraponer el boom que supuso la noticia de un escándalo sexual que ligaba al presidente norteamericano con el abuso de una menor. Guionada por David Mamet, posiblemente uno de los mejores en su trabajo a lo largo y ancho del planeta, cuenta cómo a través de los medios de comunicación –sí, a través de las Relaciones Públicas y su manejo sobre el status quo de la opinión pública- se puede influir sobre las decisiones y los pensamientos de la gente. Por ahí anda la cuestión: ética, cine y Relaciones Públicas.

DOS
Cuando la coyuntura requiere que las explicaciones sean siempre contemporáneas, más nunca o pocas veces históricas, lejos del berretismo espiritual à lo Paulo Cohelo: “La vida está para adelante, no para atrás”, y donde, pese a ello, no parece pertinente señalar la aparición-propagación de videos de famosas desnudas para ocultar trasfondos mayores –desde #lafoto de Silvina Escudero hasta el nuevo torneo que propone AFA-, emerge un filme del año 2006 –bastante nuevito, verá usted- que ha sido paradigma del uso de la disciplina PR dentro del cine: Thank You For Smoking, conocida en Latinoamérica como Gracias por Fumar. Analizada en más de una cátedra universitaria, mencionada seguramente dentro de cinefilias pedantes o en alguna charla de tono entusiasta, Gracias por Fumar señala una problemática meta-cine: el cómo las tabacaleras, mediante las Relaciones Públicas y vía Hollywood, intentan recuperar el prestigio de los cigarrillos. Aquí se ponen en juego la ética y el hasta dónde da el profesional en pos de proteger su trabajo. Apocalíptico o no, eso será harina de otro costal.

TRES
Allí, Nick Naylor, encarnado por Aarón Eckhart a quien seguro tienen de Batman: The Dark Knight como Two-Face otrora fiscal Harvey Dent, será el portavoz de una poderosa tabacalera. En el momento en que el senado intenta poner una pegatina en las cajas de cigarrillos –los ejemplos reales de Brasil, Perú y España son tremendos; búsquenlos en Google que todavía es gratis-, Nick propone como solución acudir a Hollywood y recuperar la imagen que tenían de antaño. En consecuencia: ¿es Naylor un héroe identificable o el villano de la historia? En otras palabras, el tipo cumple con su trabajo pero éste, a su vez, implica dejar de lado el valor “vida” (los porqué se sobreentienden). Así, la película se convierte, entonces, en un manual de persuasión y manipulación masiva. Peligroso pero efectivo manual, claro está. De esta manera, si hilamos fino, el debate sobre propaganda, persuasión y manejo de la opinión pública sigue estando metido en nuestra realidad de cada día. O, sino, pregúntenle a ver qué opina Jaime Durán Barba al respecto (a.k.a. el Mister Chasman de un Chirolita de morondanga). Ahí está, no será David Mamet ni tampoco Dennis Wilcox, pero ése resulta un ejemplo tanto coyuntural como contemporáneo. Misión cumplida.

Por Hernán Panessi
Licenciado en Relaciones Públicas y Periodista.

Mención de la review de El Marfíl en Herjorcinema.com.ar

2011-10-05T16:59:00.001+02:00

MEDIO: Herjorcinema.com.ar
FECHA: Octubre 2011
Review

Nota: "Escuchar, mirar y jugar"

2011-09-29T02:00:00.002+02:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Octubre 2011
FECHA: Septiembre 2011
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Escuchar, mirar y jugar

Este mes, usamos el nuevo servicio de Google a como dé lugar, probamos el sistema de streaming legal que desbarrancó de su podio a Blockbuster y nos divertimos jugando con la versión nac & pop del Guitar Hero.

UNO
Jamás quedaremos afuera de nada, de eso seguro. Llegó Google Music y, todavía, no está disponible en Latinoamérica. Hecha la ley, hecha la trampa. Para quienes quieran utilizarlo, y aquí va un tip maravilloso, más de pícaro que de pirata, pueden registrarse con el zip code de California, el 90210, ¿recuerdan Beverly Hills 90210, no?, bueno, era por eso, 90210 es el código postal de California, una de las zonas que sí acepta Google Music. Lo dicho: queremos pertenecer a todo con simultaneidad, sin desfaces de tiempos. Esta aplicación tiene su correlato en el concepto de “la nube”, donde se dejó de guardar toda la información en las PC y desde ahora, desde hace algún tiempo en realidad, pueden tener sus archivos alojados en Internet. En lugar de tener gigas ocupados, podrán hospedarlos en el ciberespacio, en algún lugar intangible. Así, Google provee de una herramienta que se añade al navegador y scanea tu música, archivos y demás y te lo sube. Fácil y simple. Acepta un número tremendamente avasallador: 20.000 canciones y no pregunta si son legales, ni ilegales, ni nada por el estilo. Suben la música y la escuchan desde cualquier aparato con acceso a Internet e, incluso, esta plataforma también es apta para teléfonos o dispositivos que tengan Android. Este es un paso definitivo hacia los “contenidos absolutos” en “la nube”, como aquellas computadoras con Chrome como sistema operativo –sí, leyeron bien, sin desktop ni nada más que un Chrome-. Navegadores que llevan directamente a “la nube” y de ahí el acceso a Internet y a todos los archivos allí colgados. El postulado de Dropbox, aquellos discos rígidos virtuales en “la nube”, superados por Google y el mundo, ahora sí, cada vez más rendido ante la monarquía del gigante de Internet. ¿Y si un día deciden llevarse todos nuestros archivos y mandarse a mudar? Bueno, nos quedará el recuerdo del al menos lo intentamos y en California estarán, como siempre, felices por ello.

DOS
Vino Netflix a la Argentina y, según parece, la cultura de consumo volverá a mutar. Es que la vida, desde el punto de vista de la biología, implica la capacidad de nacer, crecer, reproducirse y morir, y, a lo largo de sucesivas generaciones, evolucionar. Ese mismo concepto puede ser aplicado a la tecnología y, aún así, también tendría su correlato darwinista. Resulta que prácticamente junto con la noticia de tal advenimiento resuenan los ecos de una baja sensible: en los Estados Unidos, Netflix perdió un millón de abonados –de los 23 millones de suscriptores vigentes- y sus acciones cayeron 26% en dos días. A la sazón, escuché a un amigo una frase que sintetiza el estado actual de los video on demand universales: “Por el momento, ningún servicio de películas online ofrece un catálogo igual que el de los videoclubes grandes de los 80s”. Por lo visto, aunque les parezca absurdo a las nuevas generaciones, las nostalgias de formato todavía prestan batalla bajo alguna forma, sensación, concepto o sentimiento. Es que como usuario del servicio, Netflix no puede dejar de hacerme recordar aquel maravilloso video de X-Press 2 con David Byrne, “Lazy”, cuyas imágenes anticipaban a la sociedad del futuro que mostrara posterior y tan perfectamente Pixar en su clásico inmediato Wall-E, cuya letra, también brillante, decía así: I'm lazy when I'm lovin', I'm lazy when I play; I'm lazy with my girlfriend a thousand times a day; I'm lazy when I'm speaking, I'm lazy when I walk; I'm lazy when I'm dancin' and I'm lazy when I talk. El confort se hace binario y el entretenimiento, borgeano. “Fácilmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”, dijo el maestro Jorge Luis Borges en El Aleph y ya nada será igual. Como aquel VHS que me mira desde su anaquel cómo escribo esta nota y parece decirme: “pero flaco, acá estoy, meteme en la videocassetera”. Y un día, Internet hizo que todo y todos seamos efímeros.

TRES
Hay una buena nueva en el mundo gamer latinoamericano. Ahora, el Guitar Hero y el Rock Band tienen su versión argentina para PC, con producción totalmente doméstica y hits del Rock Nacional Contemporáneo. Éste, El Rock de Tu Vida, nombre que alude en una leve variación de El Rock de Mi Vida, primer disco en vivo de la banda local Guasones, fue desarrollado íntegramente en la Argentina, con técnicos, músicos y jugadores criollos. Contiene, de movida, un repertorio con 18 canciones –con temas de Massacre hasta Los Cafres, y desde Rata Blanca hasta los Auténticos Decadentes-, en guitarra, bajo, voz y/o batería, bajo tres diferentes niveles de dificultad y con la posibilidad de conectarse en red para sumar puntos, ganar nuevas canciones, productos varios e, incluso, entradas para shows. Además, se podrán adquirir nuevas canciones utilizando SMS de la red Movistar, entre otros variados métodos de pago. El Rock de Tu Vida es una especie de franquicia sin necesidad de permisos, ya que los modos de juego, en general, no se patentan como propiedad intelectual. Cabe aclarar que El Rock de Tu Vida no es sólo un mero game: es, sino, una plataforma de entretenimiento social completa que permite formar parte de una comunidad de jugadores, subir puntajes, exhibir destreza e intentar ser la mayor estrella de rock del mundo. Para obtener más información, probarlo o resolver curiosidades, visitar: http://www.elrockdetuvida.com/website/

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Review del libro Cuentos de Fantasmas: Historias Asombrosas y del Más Allá

2011-09-27T03:58:00.003+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
Review

Cuentos de Fantasmas: Historias Asombrosas del Más Allá

Argentina, 2005
AUTORES Varios
EDITA Ediciones Continente
PÁGINAS 128
PRECIO $29,90
STATUS en venta

Resulta que Este libro reúne a un dream team de autores supremos (desde Mark Twain al Marques de Sade, pasando por Ambrose Bierce y Edgar Allan Poe) que han abordado la “temática fantasma” desde alguna perspectiva.

¿Qué onda? La ciencia todavía no pudo darle explicación a la vida después de la muerte, por lo que esta compilación se asemeja a un ensayo tentativo de la eternidad fantasmal. Las prosas de autores universales de la literatura vinculadas a la figura omnipresente e inmortal del fantasma harán que los lectores sientan en su sangre circular finas escarchas de hielo. Si la pregunta existencial es qué es un fantasma y si en verdad existen, aquí se esbozan posibles y aleccionadoras respuestas. Diversión y cagazos por igual.

¿Qué aprendí con este libro? Los fantasmas son aterradores pero, también, son esperanza de que hay algo más.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Cuentos de Terror y Espanto (de la misma colección)

LA-COSA-MATIC: Matar al Nahuelito. Be Cool, Rolo.

Nota Sin Límites (Limitless, 2011)

2011-09-27T03:39:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
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Hay drogas pero no es Kids. Hay viajes astrales pero no es Trainspotting. Hay sacudones de caballo pero no es Réquiem para un Sueño. Estamos hablando de Sin Límites, la nueva película de Bradley Cooper donde interpreta a un escritor que, con cierta pastillita, tiene todas las de ganar. Claro, como nuestro Hernán Panessi, quien –al igual que el protagonista- sólo logra concentrarse cada vez que invoca a Focusín.

Dice Gabriel García Márquez, en “Cómo se cuenta un cuento”, que “para escribir tienes que creerte mejor que Cervantes, porque si no, acabas siendo peor de lo que en realidad eres”. A propósito de los síndromes de bloqueos crónicos, quienes están -en general- acompañado por deudas, runflas sentimentales y alguna que otra droga, está Eddie Morra (Bradley Cooper), un aspirante a escritor. Pese a haber obtenido un adelanto por publicar un libro no rescata palabra alguna. Pasan los días y nada mágico sucede. Intenta concentrarse, pasar tiempo en su cuarto, jugar al basketball con la pared pero la inspiración jamás le llega. Para colmo de males, su novia, Lindy (Abbie Cornish), lo abandona después de señalarlo por poco más que ser dependiente de sus finanzas. Su vida dará, entonces, un giro inesperado cuando un viejo conocido le ofrezca un medicamento experimental que le permitirá aprovechar todo su potencial: el NZT-48. Se trata de un experimento farmacéutico que optimiza el uso del cerebro pasando del 20% -aunque el mito neurológico diga que sólo usamos el 10%- al límite del 100% en forma tanto instantánea como simultánea.
¿Es nuestro cerebro una isla cuyo tesoro oculto es el poder ilimitado de la mente? ¿Y si una droga pudiera desbloquear todo ese potencial? A partir de ahí, la historia de Sin Límites (Limitless, 2011) le hará honor al nombre poniendo a su protagonista a escribir como una máquina, aprender idiomas con sólo escucharlos, ejecutar artes marciales recordando las películas que en su momento vio, etc. Todo lo que haya tenido contacto con su cerebro lo tiene, cual sistema operativo de avanzada, ordenado y clasificado listo para su apropiada utilización.
De esta manera, Eddie, un tipo por el que nadie daba un peso, no tardará hasta obtener sus primeras recompensas económicas gracias al NZT. Tal es así que de la noche a la mañana cosecha una fortuna en Wall Street llamando la atención del poderosísimo magnate Carl Van Loon (Robert De Niro). Éste lo invitará a formar parte de la fusión corporativa más grande de la historia pero no todo serán buenas noticias. Las dosis de NZT escasean cada vez, lo entrometen en algunas tramas policiales y deberá, además, huir de un mafioso prestamista que lo atormenta. También descubrirá, pequeño detalle, que las pastillas tienen efectos colaterales adversos a su salud, poniendo en riesgo su propia vida.
La película, dirigida por Neil Burger y producida por el mismo Cooper, luce muy bien acompañada por esa cámara movida a toda velocidad por las calles de la siempre cinematográfica Nueva York. En consecuencia, Sin Límites, thriller de ciencia ficción emparentado con algunos conceptos de El Origen (The Inception, 2010) y El Club de la Pelea (Fight Club, 1999) –ambas, casualmente, de David Fincher-, recorta todas las superficialidades y los dramas innecesarios para retratar a la acción como único escenario posible. Si lo que quieren es probar una dosis de faena lisérgica, más unas cucharaditas de tiros, agregándole el sabor del perdedor-ganador en escalada meteórica, sostenido por la presencia del facha de Bradley Cooper, Sin Límites es, definitivamente, su película a considerar.

Bradley Cooper, el chico de oro

A la lista de galanes de Hollywood le ha cabido un merecido F5. El olimpo femenino ya no está sólo ponderado por la Santísima Trinidad de Johnny Depp, Brad Pitt y George Clooney. Ahora, Cooper, nacido en el año 1975 en la ciudad de Filadelfia, a fuerza de talento y pintita, no para de ganar suspiros y de colocarse entre los actores más buscados de toda la industria. Desde sus comienzos, allá por el año 1999, en Sex and the City (1998 - 2004), hasta su Phil de ¿Qué pasó ayer? (The Hangover, 2009) y ¿Qué pasó ayer? Parte II (The Hangover Part II, 2011), ha encandilado a las plateas del mundo. Después de algunos papeles secundarios, como en Los Rompebodas (Wedding Crashers, 2005), la carrera de Cooper empezaría a remontar, sobre todo, con su actuación en ¡Sí Señor! (Yes Man!, 2008). Así, uno de sus primeros protagónicos lo conseguiría en Simplemente No Te Quiere (He’s Just Not That Into You, 2009), junto con Jennifer Aniston –a quien se la vinculó sentimentalmente-. De esta forma, sin parar hasta convertirse en un taquillero con la obra de Todd Phillips y su Faceman de Brigada A (The A-Team, 2010), Cooper se ha transformado en uno de los galanes más codiciados de todo Hollywood. Incluso, lo han barajado en muchísimos proyectos importantes de los últimos tiempos, tal es el caso de Linterna Verde (Green Lantern, 2011) –los rumores apuntan que perdió el rol imitando a Batman en el casting-, papel que tomaría finalmente Ryan Reynolds. O mismo otro héroe de DC como The Flash (2013) y algunos reboot de Marvel como Daredevil (2014). Además, por si fuera poco, se habla que protagonizaría una supuesta remake de El Cuervo (The Crow, 1994). Por lo visto, a Bradley Cooper, el nuevo niño de oro de Hollywood, como pasa con los grandes de verdad, el destino le depara mucho trabajo y rumores de los buenos.

Farmacia La Cosa
Comprimidos varios que han hecho las delicias de la cultura pop.

Chiquitolina en El Chapulín Colorado (1972 - 1979) | El héroe carmesí se suministraba esta pastilleta para hacerse extra small y encarar, con ello, diversos desafíos.

Semillas del ermitaño en Dragon Ball Z (1986 - 1989) | Cultivadas por el maestro Karin, bien naturistas, aliviarán los golpes más que un desinflamatorio en crema.

Hypnocil en Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño (Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, 1987) | Los jóvenes usan una píldora que evita sueñen con Fred.

GLeeMONEX en Brain Candy (1997) | Un antidepresivo se convierte en furor de la noche a la mañana por atrapar a las personas en sus recuerdos más felices.

Blue Pill/Red Pill en Matrix (The Matrix, 1999)| El debate de Neo resulta entre optar por una u otra. Dosis de fantasía o realidad proveída en capsulas colorinches.

Tic Tac Naranjas en La Joven Vida Juno (Juno, 2007) | La recomendación pasa por dejar cajitas en el correo de tu amad@. El resultado, más psicológico que médico.

Mención en el staff de Revista Irrompibles

2011-09-27T03:10:00.000+02:00

MEDIO: Local Strike, la web del gaming
FECHA: Septiembre 2011
Mención entre las plumas del #4

Mención en la crónica de la 2da Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

2011-09-20T15:04:00.001+02:00

MEDIO: A Sala Llena Online
FECHA: Septiembre 2011
Crónica de Matías Orta

Spot de Proyecto F para VideoFlims

2011-09-20T15:02:00.000+02:00

MEDIO: Blog de Proyecto F
FECHA: Septiembre 2011
Spot

Historia del cine: Sed de Mal (1958)

2011-09-18T02:01:00.001+02:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Septiembre 2011
Sed de Mal

Sed de Mal
EEUU, 1958 / 95 min
Dirigida por Orson Welles

Basada en la más famosa novela de Whit Masterson, Badge of Evil, Sed de Mal, dirigida, guionada y co-protagonizada por el mismísimo Orson Welles, es una perversa batalla entre dos policías, Hank Quinlan y Ramón Miguel “Mike” Vargas, quienes representan a la frontera de Estados Unidos y a la de México, respectivamente. Considerada por muchos especialistas como la última de las películas clásicas del cine negro (Godard y Truffaut se han manifestado como sus acérrimos admiradores), Sed de Mal se entromete en una atmósfera densísima donde el oficial de narcóticos mexicano, Vargas, deberá interrumpir su luna de miel en la frontera de México-Estados Unidos, cuando un contratista norteamericano es asesinado después de que alguien le ponga una bomba en su coche. A partir de allí aparecerán familias mafiosas, acusaciones con el dedo bien turgente, rivalidades acérrimas, chivos expiatorios y venganzas retorcidas entre cada uno de los lados implicados. La escena inicial de la película es una de las más antológicas del cine mundial y la situación de acoso-secuestro mediante el abuso de drogas por parte de un clan mafioso, la familia Grandi, a la esposa siempre pura, Susie, la bellísima Janet Leigh, es tanto mítica como imperdible. “¿Conoces la marihuana?”, “¿Conoces la heroína?” se escucha decir por ahí cuando lo naif se vuelve turbio de un tirón y sin tutía. Como no podía ser de otra manera, Welles cargó el relato de subtextos circunscribiendo intensas críticas e irónicos comentarios sobre los sistemas de justicia y, además, acerca de las convenciones populares de los EE.UU. frente a México. Vale decirlo: estamos ante una de las mejores películas de la historia del cine. Se recomienda sola. / Hernán Panessi

Nota: "La Patria Equivocada"

2011-09-18T01:10:00.001+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
La Patria Equivocada

La Patria Equivocada

Por Hernán Panessi

Las vueltas de la vida. Ciudad del Sol durante mucho tiempo fue conocida como “la última película de Galettini”. Tuvieron que pasar exactamente 10 años para que vuelva a filmar. Es cierto, por ahí presta a confusión porque Ciudad del Sol se estrenó en el año 2003 pero técnicamente se rodó en 2001. 10 años. Una década. Un decenio. La decena de un siglo. De todos modos, ¿qué son 10 años cuando, en su nueva experiencia cinematográfica, propone reconstruir 90 años de la Historia Argentina?
Lo dicho y supuesto, lejos de las propuestas que inicialmente lo caracterizaban, el desarrollo de la acción de La Patria Equivocada, adaptación del libro de Dalmiro Sáenza, avanza desde otra pulcritud, ¿la del Bicentenario?, indagando sobre la antinomia cultural de quienes fueron responsables de construir la Nación, empujada por las vivencias de Clorindo, la niña Clarita, su hijo Clorindo y su nieta Clara. Personajes, todos, cargados de erotismo –detalle: puede vérsela desnuda a Juanita Viale en más de una oportunidad... sí, es que interpreta un doble papel, el eye-candy embutido para la muchachada- y que lo único que comparten es su lazo de sangre, ya que sus vivencias y elecciones los llevará a recorrer caminos diametralmente opuestos.
Aquí irrumpe una cierta falta de convencionalidad narrativa, un tanto embarrada, apoyada en lo bueno de la espectacularidad norteamericana, y un, si bien por momentos algo arcaico en las puestas, trascendente manejo de las ambientaciones de época. Entonces, a riesgo de terminar siendo algo dispersa en su propia melange de factura abarcativa (se retratan tres generaciones, de 1807 hasta 1898, ¡91 años!), La Patria Equivocada, el regreso a las pantallas grandes de Carlos Galettini, resulta, en su conjunto, una película relativamente interesante.

Nota a favor de Carlos Galettini

2011-09-18T01:09:00.003+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
A FAVOR 01
A FAVOR 02
Versión online

A FAVOR de Carlos Galettini

Un nombre propio como sinónimo nato de entretenimiento. Uno de los popes del cine nacional vuelve al ruedo con una película a todo trapo. Después de forjar un notable legado cinematográfico –popular, controversial, polémico o propagandista, pero siempre particular y único- y luego de una década de parate, Galettini es revalorado a rajatabla por una de nuestras plumas.

Por Hernán Panessi

Concibiendo al cine como un arte que entretiene (vieja vacilación: ¿El arte es entretenimiento? ¿El arte también puede entretener? ¿La tercera posición resulta que el cine es arte y entretenimiento?), podemos decir lo siguiente: hay películas buenas, hay películas malas y están las películas de Carlos Galettini. Director de, lean bien, las cuatro de Los Exterminators, tres de Los Superagentes, dos de Los Bañeros –la tercera no es tal, simplemente es basura-, la de Los pilotos más locos del mundo, Los matamonstruos en la mansión del terror, etc… Galettini, o más bien su obra, y no es capricho sino realidad fáctica, pese a que alguna rúbrica se piante, está más allá del bien y el mal, exenta de cualquier juicio crítico e intelectual –y mucho más del cahierismo o el snobismo pecho frío- porque representa, sin ir más lejos, lo que la mayoría del público desea: fruición, goce y efectividad. La discusión acerca de qué comen las moscas es harina de otro costal, claro. A propósito, si el título Se acabó el curro (Compre antes que se acabe) no es uno de los mejores de la historia, ¿cuál lo es?
Ha hecho escuela, sí, en la llamada “argentina bizarra” siendo el mayor –y mejor- referente de esa entelequia (la recomendación es conseguirse “Cine Bizarro: 100 años de películas de terror, sexo y violencia”, del maestro y mentor Diego Curubeto). Cuenta la leyenda, recuperada por Alexis Puig en “Pantalla Freak”, entre muchas que hay en torno a sus películas, que su primer telefilm y decimosexto largometraje, Charly, días de sangre, un slasher criollo protagonizado por –nuevamente, lean bien- Fabián Gianola y Adrián Suar, es una película negada por los propios implicados, resultando incunable por mucho tiempo. Y acá aparece la fantasía o realidad, donde el mismísimo Adrián Suar habría comprado todas sus copias para destruirlas y hacerlas desaparecer. Tranquilos: quien no la vio, podrá encontrarla colgada en YouTube por algún preservador cinematográfico posmoderno. Agradecidos por la magia.
Volviendo al punto, quien reniegue de sus filmes históricos no tiene sangre, ni corazón y mucho menos perdón de Dios. Galettini no sólo merece el respeto per se (oh, San Galettini) sino que también le cabe por ciertas perlitas de su filmografía que han salido del canon preestablecido. Por ejemplo, Convivencia, inspirada en la obra teatral homónima de Oscar Viale donde se florean Luis Brandoni, José Sacristán y una jovencísima Cecilia Dopazo, es un filme tan fantástico como subvalorado. Asimismo, siguiendo con su rol de cineasta abocado a propuestas más serias o convencionales a las que inicialmente acostumbraba están Ciudad del Sol, una ficción donde todavía resuenan los ecos de la dictadura militar, y más acá, ahora sí, La Patria Equivocada.
En consecuencia, todas las películas de Galettini, desde la primera, allá Las Sorpresas, hasta esta última, ganadora del Concurso Argentina Bicentenaria, acá La Patria Equivocada, merecen respeto y admiración –tal vez la que menos lo merezca sea Dibu 2, la venganza de Nasty; tal vez la que más Las locuras del extraterrestre- por significar y dignificar, en su conjunto, al creador como un autor. Es innegable: en todas está su marca, su energía única e irrepetible (no sólo en los bizarrismos de época sino también en las de corte industrial o Serie A, también, así, en La Patria Equivoada). La pacatería, siempre minoría, de seguro dirá que es un director muy comercial (Michael Bay tiene de Galettini lo que este escriba de Christian Metz). De cualquier manera, a nosotros, los cinéfilos de entre 1 y 99 años, eso nos importa muy poco. Sólo hay para con él palabras de reconocimiento y purísima devoción. Bienvenido otra vez al trote después de 10 años, maestro. Pase por acá, la puerta grande. Entreténganos. Lo extrañábamos.

Nota: "Catering en el cine"

2011-09-18T00:45:00.001+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
01
02

¡Todos al set, a comer!

Desde los diseños de producción, y en cada caso en singular, cualquiera sea él, siempre emerge una constante a considerar: la del catering. Consultadas por HC, cuatro empresas caterineras nacionales, y de distintas envergaduras, responden acerca de las necesidades del mercado audiovisual y nos dan, con ello, un pantallazo acerca de una industria siempre persistente, la gastronómica. Por Hernán Panessi

En el microcosmos de los rodajes de cine y televisión existen muchísimas y variadas demandas. Equipos eléctricos para abastecer de energía y luces a las filmaciones, contrataciones de cámaras y equipamientos afines, carros de travelling y griperías, permisos o alquileres de locaciones, movilidad, materiales para el diseño de arte, etc. Pero ninguno, esto es completamente cierto, tan inestimable como el catering.
Según la Real Academia Española, cáterin, grafía castellanizada del inglés catering, es “el servicio profesional que se dedica preferentemente al suministro de comida preparada, pero también puede abastecer de todo lo necesario para organizar un banquete o una fiesta”. Entonces, cabe preguntarse quiénes son los responsables de ese servicio. ¿De dónde se sostiene el panza llena corazón contento del mundo audiovisual? Ellos son ni más ni menos que quienes proveen de alimentación a los equipos técnicos, actores, vestuaristas, maquillistas, productores y actores. Exacto, a todas las personas que participan en los rodajes. Ellos son, ahora sí, las caterineras.
Como todo gran poder conlleva una gran responsabilidad, Diego Lombardi de las caterinera Sala C (http://www.cateringsalac.com.ar/), quien ha prestado labor para las flamantes Viudas (de Marcos Carnevale), Cruzadas (de Diego Rafecas) y la próxima a estrenarse Infancia Clandestina (de Benjamín Ávila, con Natalia Oreiro), es realista y advierte: “El trabajo de catering en cine y televisión no es para cualquiera. Es un trabajo de muchas horas, donde se trabaja desde lugares sencillos –como un set- hasta espacios en el medio de la nada sin luz, ni agua, ni nada. Hay que estar preparados para solucionar problemas constantemente”.
Es bien sabido por todos que con estar correctamente alimentados, en lo duro que resultan en general las jornadas de filmación, se resuelve el imponderable del “combustible necesario para el cumplimiento de todos los objetivos”. En consecuencia, el experimentado Diego Cuevas de Masala Catering (http://granmasala-masala.blogspot.com/), con más de 600 producciones audiovisuales a cuestas entre TV, cine, publicidades y fotos, comenta que “en este rubro es clave comprender los tiempos, variables y exigencias de la locación, el clima, el guión y demás contingencias”. Asimismo, Fernando Hilú de Movie Food (http://www.moviefood.com.ar/), abocado más al mundo de los comerciales pero con buena trayectoria en cines, ha trabajado en Un Oso Rojo (de Israel Adrián Caetano) y Los Guantes Mágicos (de Martín Rejtman) además de hacerlo fuertemente en televisión (Polka, Ideas del Sur, Cuatro Cabezas, etc), resalta que “siempre se trata de conocer a full los gustos de cada una de las personas que forman parte de los equipos, porque no sólo hace mucho más lindo y ameno nuestro trabajo sino que también hace que nos valoren muchísimo más”.
Consultada sobre cuál es la comida que más le piden en rodajes, Ana María Oroño de Atracción Fatay (http://es-es.facebook.com/pages/Atracción-Fatay/206610132699229), autoproclamada como “independiente y autogestiva: es como que le digas a tu abuela, pero más joven, que te venga a cocinar para el rodaje con tus amigos”, responde completamente segura: “¡El Fatay! Despierta pasiones, es nuestra especialidad, hecha con mucho amor”, rindiéndole honor a la empanda árabe que le da origen al emprendimiento. A su vez, Diego de Sala C tiene bien identificados los targets culinarios: “Tenés de todo. Los eléctricos prefieren comidas fuertes, guisos, carnes, pastel de papa. Las chicas de vestuario o maquillaje, prefieren ensaladas o pollo al horno...”. Siguiendo con esa línea está Fernando de Movie Food quien apunta a la comida por excelencia del argentino como referencia insoslayable: la carne. “Siempre está en primer lugar, es sabido que a los argentinos nos gusta la carne en todas sus formas y es de los platos que más pedidos tienen”, dice. Sin embargo, también identifica una nueva tendencia: “en estos últimos tiempos, lo que se viene notando muchísimo es el constante aumento de personas vegetarianas. Por ende, siempre tenemos que tener al menos tres opciones de menúes distintos, para cumplir con las necesidades de nuestros clientes”. Otros, como Diego de Amasala, hacen hincapié en atributos vinculados con esta labor: “la comida sana y la buena atención”.
En todos los casos, la palestra de precios es bien particular. Por ejemplo, Atracción Fatay, más abocada a producciones independientes como Lucho’s Big Adventure (de Esteban Rojas) y el proyecto documental sin fines de lucro La Educación Prohibida (de Germán Doin Campos), promete “precios que, según del menú que elijan de los 10 que ofrecemos, van desde los $20 por persona en adelante”. En Masala Catering, expresan: “basamos los valores reales en un servicio que priorice la buena nutrición de aquellos que están trabajando y los precios van desde los $70 para televisión, $80 en cine y $90 para publicidad. Luego hay opciones que varían según el costo que genera el proyecto en sí, la comodidad o la repetición de locaciones, las distancias, etc”. A ello, los de Sala C creen que “el tema precio es muy difícil porque está relacionado con la calidad de servicios que das. En catering tenés desde superproducciones hasta cortometrajes, de 100 a 20 personas, de pedir sushi hasta choripán... hay que ver cada proyecto y su necesidad”. También en Movie Food coinciden con esa perspectiva de trabajo: “en cuanto a los precios de mercado, hoy por hoy, varían entre los $70 y los $100 siempre dependiendo de los menús y los requisitos de los productores”. Quien remata la cuestión es, nuevamente, Diego, de Sala C, con la siguiente sentencia: “¡Lo complicado es que siempre quieren pagar menos y obtener el mejor servicio!”.
En cuanto a la demanda de catering para cine y televisión, la cuestión resulta un tanto aleatoria y cada vez más complicada. “Hay demanda pero es poca. Es de tener en cuenta que por bajar costos y por agotamiento han ido surgiendo muchas empresas o formatos nuevos de catering o viandas”, manifiestan desde Masala Catering. “Está más tranquilo que antes, pero la vamos llevando”, comentan en Sala C. “Entendemos que, en la actualidad, ha mermado la cantidad de requerimientos para producciones nacionales y han aumentado las internacionales”, sentencian los de Movie Food. Está claro, acá todos coinciden en que estamos ante una industria harto complicada pero que, si las condiciones están dadas, puede ser realmente fructífera. Es que... la vía es una sola, comer se come siempre, lo que cambian son las formas.

¿Quién es esa chica? Jessica Chastain

2011-09-18T00:32:00.002+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
Versión gráfica
Versión online

¿Quién es esa chica? | Jessica Chastain

Sostenida en la herencia Hollywood de cabelleras rojizas y pieles rosas, Jessica Chastain alcanza notoriedad a raíz de dos estrenos en simultáneo: El Árbol de la Vida e Historias Cruzadas. Después de años de remos en territorios hostiles –no es broma, en algún momento su madre le preguntó: ¿qué hacés verdaderamente en Hollywood?- llega a las pantallas del mundo tomándolas por asalto. Entendemos que es la forma.
Por Hernán Panessi

En el sitio redheadandproud.com, algo así como “colorados y orgullosos punto com”, se reúnen exhaustivamente todas las celebridades afines del mundo del cine, el deporte, la política, la música, etc. Allí, hasta tienen una sección imperdible de colorados wannabe y una tienda de regalos complementaria con remeras de leyendas tipo: “Natural born redhead” o “Gingerchick”. La cuestión es que, ahí, entre tantas celebrities random, falta alguien. En la línea de coloradas con sofisticación están las históricas Marilyn Monroe, Hazel Court y Rita Hayworth; por el lado de las contemporáneas, Nicole Kidman, Alyson Hannigan y Julianne Moore; y, más acá, las jovencísimas Lindsay Lohan, Kirsten Dunst y Bonnie Wright. Bien, ya son unas cuantas. También figuran, claro, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Rose Mc Gowan, Diane Lane... pero sigue faltando alguien. La ausente, por ahora, sólo por ahora, es Jessica Chastain, actriz de larga data en televisión (sí, nació en el ’81 pero participó en forma activa en unas cuantas series, aunque tuvo que esperar bastante para ser una carita conocida) que por estos momentos, con El Arbol de la Vida –la esperada cinta de Terrence Malick con Brad Pitt, ganadora del Festival de Cannes- e Historias Cruzadas –donde comparte cartel con Emma Stone y Bryce Dallas Howard, otras coloradas de la elite redhead-, tendrá dos películas en carteleras a la vez y, de seguro, dará el salto definitivo a la elite del star-system hollywoodense. “Jessica es una debutante a tener en cuenta”, dicen y repiten desde hace bastante tiempo las publicaciones especializadas de Norteamérica. Y es que bien merecido tiene el elogio, después de padecerla tanto con esos carteles, tan habituales en IMDb.com, de “en posproducción”, “completada” y “por estrenar”, al fin se la da.
Posándonos en la figura física de Chastain, si observamos su rostro con detenimiento, notaremos no sólo que es una mujer bellísima sino que es, además, muy particular. De cara angulosa y ojos grisáceos, posee una cualidad de exotismo en su mentón, que otrora era considerado como atributo sexy: el hoyuelo de la belleza, también conocido como el hoyuelo de la simpatía. De metro sesenta y tres, piernas estilizadas y belleza bien sureña, esta nacida en California bajo el nombre de Jessica N. Howard, con formación en baile y teatro shakesperiano, debutó profesionalmente en el año 2004 en una película para televisión de la mítica serie Dark Shadows. Luego apareció en varias tiras famosísimas como ER Emergencias, Verónica Mars y el spin-off de Law & Order, Trial by Jury. Además, en cines, participó de The Debt junto con Ellen Miren y Sam Worthington y, por su parte, se dio el lujo de actuar junto a uno de los más grande, Al Pacino, en la adaptación de la novela homónima de Oscar Wilde, Salome, en la que tuvo nuevamente la oportunidad de contar con un rol protagónico.
Hasta el día de la fecha, el único galardón a nivel personal que obtuvo fue por su interpretación del filme Jolene, en el Seattle International Film Festival del 2008, pero la distinción que esperamos todos no es, de momento, un Oscar, ni un Golden Globe, ni una Palma de Oro, ni nada por el estilo, sino que la agreguen urgentemente al lugar que merece: redheadandproud.com. Desde aquí, pedimos que se haga justicia.

Entrevista a propósito de la Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

2011-09-18T00:22:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
Entrevista por la Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

Historia del cine: Magical Mistery Tour

2011-09-11T05:32:00.000+02:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Septiembre 2011
Magical Mistery Tour

Magical Mystery Tour
Inglaterra, 1976 / 55 min
Dirigida por THE BEATLES & BERNARD KNOWLES

A pesar de no haber tenido una buena repercusión inicial de público y prensa, la película más hilarante entre toda la filmografía de The Beatles, Magical Mystery Tour, está hecha a la altura de la beatlemanía, donde la autoconciencia del delirio se fue perdiendo cada vez, y cuya explotación cósmica se da un año más tarde con la increíblemente psicodélica Yellow Submarine. Se trata de un filme para televisión, emitido por la cadena BBC de Londres y dirigido por los mismísimos Fab Four –dicen que la mayor parte la habría comandado Paul Mc Cartney inspirado en uno de los más relevantes grupos promotores de los trips alucinógenos, The Merry Prankster-, donde la confusión de ese período muy próximo a la muerte de su manager, Brain Epstein, se hace tanto carne como evidente. Sin embargo, aún a merced de la falta de rigor narrativo o a su consecuencia, se la eleva como una de las películas de culto por antonomasia. El argumento de Magical Mystery Tour suena bastante simplón: los Beatles viajan en un autobús por una misteriosa gira surrealista donde se la pasan subiendo y bajando del vehículo sin solución de continuidad. No obstante, el hecho de ver a los muchachos de Liverpool haciendo gracias en uno de los momentos más extraños de su carrera, y cada vez más compenetrados con el uso de ácidos, resulta fabuloso. No pierdan de vista la actuación de “I Am the Walrus”, definitivamente uno de sus temas más lisérgicos y gema ilustre del doble EP homónimo. / Por Hernán Panessi

Ghostwriter de la sinopsis de Chimiboga, de Ayar B.

2011-09-03T20:17:00.002+02:00

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Septiembre 2011
Cover

Chimiboga es ni más ni menos que el delirante mundo animado propuesto por Ayar B., director de Mercano: El Marciano y El Sol, donde conviven grandes y absurdos personajes, entre los que sobresalen Don Luis y sus hijos, el Conejo Bugs Buni y el Ratón Disney. Aquí, en este ChimiDVD, se recopilan todos los cortos de animación del website Chimiboga.com, más alguna que otra rareza, y con ello se propone, a su vez, divertir a todo el mundo con sus trastornadas historias. Chimiboga es, entonces, puro bizarrísmo y chistes lisérgicos. Sí, el compilado humorístico definitivo.

Columna de opinión: Nerdencias (Agosto 2011)

2011-08-30T01:20:00.001+02:00

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Agosto 2011
Desmigajándonos

Desmigajándonos

Para seguir repensando el cine de género nac & pop, se barajan tres factores claves de su crecimiento y expansión: la identidad –tanto adquirida como asumida-, la dificultad –de atravesar el camino- y la necesidad –de entretener a cualquier costo-. Esta identificación pretende esclarecer, cual frequently asked questions, algunas problemáticas de uso cotidiano.

IDENTIDAD
Hace un buen tiempo, casi unos quince años, desde el filme Plaga Zombie (1997) hasta acá, que el cine de terror argentino ha estado encontrando su propia identidad. En su momento, el periodismo internacional hablaba de una entelequia en común a la que solía llamar HorrorAR. De esta forma, ya sea por prepotencia de trabajo, por emparentamiento estético e ideológico, por compartir únicos e inigualables diseños de producción o, mismo, por lo original de cada propuesta, el cine de terror en argentina –por extensión: todo el cine de género- ha pujado por su lugar en el mundo. Uno de los factores determinantes para la confección de esa identidad, fue la participación colaborativa de los profesionales implicados en cada una de las películas: directores de fotografía, guionistas, actores, cámaras, especialistas en efectos especiales, maquilladores, etcétera, intercambian proyectos en pos de hacer crecer tal escena. Aquel sistema de cofradía ha hecho del cine de género argentino, ciertamente, un ejemplo a emular. Por eso, la legitimación viene no sólo de la opinión pública –el público como juez- y las elites intelectuales sino también de los festivales del mundo, la prensa especializada y, por supuesto, desde donde se parte, los mismos trabajadores.

DIFICULTAD
Para ser claros, es menester aclarar que los principales problemas del cine de género en Argentina son: la falta de dinero y el alargamiento de los tiempos de producción. Entonces, para seguir creciendo, se necesita fundamentalmente del dinero para aumentar esos niveles de producción y, en consecuencia, los estándares de calidad. Asimismo, resulta primordial contar con tecnología de punta. Nobleza obliga aclarar que el cine de género argentino se la ha rebuscado siempre: con o sin dinero, con o sin tecnología. El imponderable es que, durante todo este tiempo, con el respaldo de cientos de cinéfilos afines pero no del grueso de público, se viene haciendo cine de calidad con poco dinero y con, también, esquemas de producción tanto innovadores como particulares. La desventaja, claro, es que se terminan realizando después de muchos años de elaboración.

NECESIDAD
A la hora de crecer se necesita, por su parte, la aceptación total y el empuje de las instituciones de financiamiento para que, de una vez por todas, el género nacional pueda salir del ghetto y tome el lugar que se merece: saciar la sed de entretenimiento popular. Reparar de alguna manera el daño que le ha hecho cierto tipo de cine a las pantallas argentinas. Volver a transformar el pensamiento de la gente para que empiece, otra vez, a ver películas de género nacionales –a sabiendas que el público usualmente va a ver cine de género pero no de acá- y que, con ello, no se sientan defraudados sino todo lo contrario. Es imprescindible hacer conocer que se está ante un cine plagado de ideas originales donde los tópicos no refieren a remakes ni a recauchutajes de filmes antiguos ni a ninguna de esas soluciones facilistas. Persiste el objetivo de: “seguir con la idea de ponerle mucha energía a la cuestión e insistir mostrándole a todo el mundo lo bueno de este tipo de producciones” (enaltecedor sic de Pablo Marini). Y, así, finalmente, revelar que ésta es mejor opción que la del cine yankee contemporáneo. Es decir, buscar el entretenimiento a raíz del cine de acción, aventuras, fantasía, comedia y terror. Sí, pero de factura argentina.

Twitter: @hernanpanessi

Historia del cine: Assassin of Youth (1937)

2011-08-28T19:09:00.001+02:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Agosto 2011
Assassin of Youth

Assassin of Youth
EEUU, 1937 / 80 min
Dirigida por Elmer Clifton

Durante 1934 se creó en los Estados Unidos, bajo complicidad de los grandes estudios, un código de producción que determinaba qué podía verse en pantalla y qué no. Conocido como el Código Hays, regulado vía el MPAA (Motion Pictures Asociation of America), pretendió ser un sistema de censura auto-impuesta que violaba el estilo natural de Hollywood. De ahí toma el germen Assassin of Youth (1937), siendo esta una película educativa diseñada para advertir acerca del uso de la marihuana. Sin embargo, como casi todos los filmes dedicados a esa cuestión, significaba mostrar truculencias disfrazadas, deslizando el tratamiento de temas adultos más allá de la censura, ante la Oficina Hays. Así, entonces, en nombre de la educación, podían verse esbozos de desnudez, violencia y sordidez. De tal forma, Dwain Esper y Elmer Clifton, dos empresarios privados ajenos a los estudios, le proporcionaban al gran público lo que lo que Hollywood no podía. Assassin of Youth, en concreto, es la historia de una estudiante que se involucra con un grupo de fumadores de marihuana y comienza ni más ni menos que un cursi camino hacia la ruina. En medio, hay una cuestión melodramática con estructura de telenovela donde, lógicamente, yendo con la tanto irónica como peligrosa moral en la que fue rodada, los ñatos “malos” reciben sus merecidos y los “buenos” gratificaciones. El nivel de delirio no tiene parangón. Comienza algo aburrida pero se va poniendo buena, por eso es considerada como una obra un poco más entretenida que el promedio de exploitations marihuanos de la década del ’30 y ’40. Es adredemente tan anti-marihuana que la señalan, incluso, por encima de la heroína y las pastillas (“Es una psicópata sin esperanza”, se oye decir a algún personaje haciendo alusión a una fumadora). Otro largometraje del sub-género “reefer madness” que sacará unas buenas risas. / Hernán Panessi

Nota: "No al canon"

2011-08-28T18:15:00.003+02:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Septiembre 2011
FECHA: Agosto 2011
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No al canon

El consumo, la política, los comportamientos sociales, la micro y macro economía. Todo afecta de alguna u otra forma a los usuarios. Por eso, desde este espacio de reflexión, se recuerda y se toma postura acerca del caso “Canon tecnológico en Argentina” a raíz de la iniciativa del senador Miguel Ángel Pichetto, la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF), la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) y otros organismos vetustos.

UNO
Allá por Julio del 2011, todos los trabajadores y usuarios de medios tecnológicos argentinos estábamos pendientes por lo que sucedía con el llamado “Canon Tecnológico”. La negativa era unánime. La oposición y voz cantante emergió desde las redes sociales con fuerza hercúlea. #noalcanon, se dijo. El antecedente directo nos llegaba desde España: “El Congreso de los Diputados tumbó anoche oficialmente el canon digital al votar favorablemente una proposición no de ley que insta al Gobierno a la supresión del polémico gravamen sobre soportes y equipos susceptibles de almacenar y copiar archivos sujetos a derechos de autor. La proposición, presentada por el Grupo Popular, fue respaldada por todos los grupos (incluido el socialista) con 331 votos a favor y dos abstenciones”, decían. El replanteo de la industria en declive a nuestra sociedad es una reverenda estupidez aquí, en la Madre Patria o en la China. Mal que le pese a algunos, la cultura de consumo ha variado indefectiblemente. Que el usuario pague los platos rotos es de una hipocresía inmensa. ¡Hola Metallica!, ¿qué tal? Somos nosotros, ¿se acuerdan?, los que bajamos sus MP3, sí, pero también los que compramos sus discos, así que ojito con molestarnos.

DOS
El argumento del NO al Canon digital es absolutamente simple. Todos los antecedentes en su implementación –la mencionada tribulación española- no sirvieron, han generado corrupción y, por sobre todo, no ha favorecido ni a la cultura ni a los músicos. Sólo, y esto no es de asombrar, a un pequeño grupo sospechado por corrupción que –según tengo entendido- están tras las rejas. Ahora, ¿por qué han creído que en Argentina la cosa sería diferente? ¿Qué llevó a pensar que un “impuesto a los usuarios” podría solucionar la crisis de la industria? ¿No es, acaso, justamente, el usuario el principal sustento de toda actividad comercial? ¿El penalizar la descarga de un MP3 o, mismo, de un videojuego llevaría a la desaparición total de la piratería? ¿Realmente lo creyeron? En el website de NoAlCanon.org hay una frase que vale la pena mencionar: “El Canon digital es un cáncer para el arte, la cultura y la sociedad, una sanguijuela que quiere vivir parasitariamente de la sangre de la mayoría, pero que como todo parásito no aporta nada, sólo perjudica”.

TRES
La tematización de algo que sucedió en Julio, acá, en la columna de Septiembre, tiene una razón de ser: sigue siendo un tema de actualidad. Si bien fue suspendido el tratamiento del proyecto de ley conocido como canon digital, la cuestión sigue latente en la agenda setting. Recordémosle a la gente, y ¿por qué no? al senador Miguel Ángel Pichetto, que suspender (según la RAE: Detener o diferir por algún tiempo una acción u obra) no es rechazar (según la RAE: No aceptación, no omisión o resistencia a algo). Por eso, que no se “detenga por un tiempo” –dicen por ahí que se volverá a tratar después de las elecciones generales de Octubre- y que, en verdad, no se acepte. Cristina, querida, el pueblo nerdo-geek-gamer confía en vos. No nos podés fallar en esta. Por ello, ahora sí, digámosle todos juntos: ¡No al canon!

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Nota sobre El Hobbit

2011-08-19T16:12:00.003+02:00

MEDIO: Revista Irrompibles Nº3
FECHA: Agosto 2011
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Mañana, pasado... en 2013, llega El Hobbit

El duelo entre la ficción y las películas es algo apasionante. Lo que nos lleva indefectiblemente a combinar lo mejor de los dos mundos, ponderar y sacar chapa. Más cuando estamos hablando de cine sobre libros... como el caso de El Hobbit. Y acá, es probable, como en aquel chiste de las cabras que comen negativos de película, no podrán decir me gustó más el libro que el filme.

Por Hernán Panessi

UNO
En el año 1976, a la tierna edad de quince años, Peter Jackson sacaba lustre de cineasta truculento –más tarde confirmado por Mal Gusto (1987), Meet the Feebles (1989) y Braindead (1992)- con The Valley (1976), un corto fanmade rodado en Super 8 con influencias de Ray Harryhausen. Apenas un año después, en 1977, se estrenaba en la famosa NBC la inicial versión fílmica y animada de El Hobbit (cuya primera edición en papel fue publicada en 1937). Treinta y cuatro años más tarde (sí, ¡34!) después de aquella experiencia, la más cara de la historia en materia de películas animadas hechas en televisión, en el año 2010, y después de miles de histeriqueos, Peter Jackson y El Hobbit, El Hobbit y Peter Jackson, se juntaron merecidamente en un proyecto en común. Tuvieron que pasar, por un lado, millones de libros vendidos y editados a lo largo de todo el mundo, cientos de juegos de rol, un exitoso juego de PC –El Hobbit (1982), producido por Manga Software y distribuido por Melbourne House-, otros tantos games plataformeros (con y sin licencia), una adaptación radiofónica y una novela gráfica (exquisita reedición de Norma Editorial circa 2001), entre varias cosas más. Y por otro, la ascensión de un meganerd al olimpo cinematográfico mundial –cuya bisagra fue esa gran película llamada Criaturas Celestiales (1994)-, la obtención de premios y nominaciones, la trilogía de El Señor de los Anillos, muchos premios y nominaciones más, King Kong, un dueto con Steven Spielberg –en la próxima a estrenarse Las Aventuras de Tintin (2011)- y, sí, hasta llegar, por fin, es que el matrimonio no es completo si no es de a dos, a la dirección de El Hobbit: Un viaje inesperado (2012) y El Hobbit: Partida y regreso (2013).

DOS
Se sabe: Peter Jackson y El Hobbit nacieron para estar juntos, para ser uno. Y no es por lo facilista de buscarle relación en su origen geográfico –definitivamente Nueva Zelanda es Tierra Media-, sino en el devenir de las cuestiones. ¿Qué otro podría dirigir El Hobbit de no ser Sir Peter Robert? ¿Por qué estuvo tanto tiempo parado en acciones previas a la realización hasta que este (ex) gordito barbudo agarró el timón? ¿De no ser Jackson, quién podría encarnar la épica medieval con tanta sangre, corazón y fantasía? Guillermo Del Toro estaba bien –de ahí el tire y afloje de años, “que voy yo, que vas vos”, “que la rodamos en Oceanía, que no”, “que se congela, que se filma”, aunque muchas de estas cuestiones tenían que ver más con los estudios que con estas bestias bienintencionadas-; y, quien, de hecho, también fue parte del guión –junto con Philippa Boyens, Fran Walsh e irremediablemente J.R.R. Tolkien- y rumoreado para dirigir, al igual que el oriundo de Pukerua Bay, la película basada en el videojuego Halo (aún sin fecha tentativa), pero ese es otro cantar...

TRES
La historia de El Hobbit precede a la trilogía de El Señor de los Anillos y cuyo protagonismo recae en Bilbo Baggins, tío de Frodo, que será interpretado por Martín Freeman (papel ofrecido además a, entre otros, Daniel Radclife y Shia LaBeouf), quien apareció previamente en esa gran comedia buddymovie que es Hot Fuzz (2007), que contó –mirá vos- con un cameo del mismísimo Peter Jackson como “Santa Claus”. Además, en el cast oficial de El Hobbit –muchos repiten personaje de la Saga LOTR- figuran Hugo Weaving, Evangeline Lilly –conocida por su papel de Kate Ausen en Lost-, Cate Blanchett, Christopher Lee, Orlando Bloom –pese a que su personaje, Legolas, no aparece en el libro-, Ian McKellen y varios más. Si viviera, la viperina Louella “he-visto-lo-que-has-hecho” Parsons se haría un festín con tanto nombre y danza de stop & eject & play en pre-producción, no hay dudas.

CUATRO
Poco se sabe realmente del guión de este binomio fantástico –de fantasía y factura, claro-. Dicen que la primer parte tratará sobre el argumento del libro en sí y la segunda sobre los acontecimientos que tendrían lugar en los sesenta años que transcurren entre el final de El Hobbit y el principio de El Señor de los Anillos. Entonces, a partir de aquí, la pasividad como espectadores nos invadirá. No quedará otra que resignarse a esperar hasta el 01 enero del 2013 (allá confirmada en el Entertainment Weekly para diciembre 2012, acá en Cines Argentinos para poco más tarde). De manera que, mientras tanto, si es que las profecías mayas le pifian, lo que podemos hacer es matar el tiempo con las ediciones en Blu-Ray de El Señor de los Anillos o exigir en foros roleros y afines que hagan, también, una versión para cines de El Silmarillion a estrenarse, ahora sí, en la Tercera Edad del Sol. Y a esta altura, qué lejos quedó el 1976-1977. Ni qué hablar el comienzo de todo: 1937. O, más bien, falta muchísimo para 2941.

Entrevista a Yago Blanco, director de Güelcom (2011)

2011-08-15T01:35:00.003+02:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2011
Tapa
01
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Bienvenido, bienvenido amor

El irse a probar suerte a otro lugar, los amigos que se quedan, los amores que se van, la soledad, los reencuentros... estos tópicos, y algunos más, son los que maneja el director Yago Blanco con Güelcom, su segunda película. Quien debutara en el año 2001 con un filme independiente, Los Domingos son para Dormir, ahora encara su primer largo comercial protagonizado por Mariano Martínez, Eugenia Tobal, Maju Lozano, Peto Menahem, Gustavo Garzón y elenco. Por Hernán Panessi

En la tradición de comedias románticas norteamericanas, aunque según cuenta su propio autor, inspirada más en las europeas, Güelcom resulta un filme navegante entre los ecos de una relación distanciada y las decisiones tomadas para encarar un futuro supuestamente mejor. Aprovechando el estreno comercial, en lo que será la vuelta a la pantalla grande de Mariano Martínez desde Peligrosa Obsesión, entrevistamos a su director, Yago Blanco, y esto fue lo que nos dijo.

Desde el 2006 que venís trabajando en esta película, ¿cómo fue ese devenir? ¿Qué mutó en el proyecto desde ese momento al producto final?
Uf… Si me mostrabas la película como está hoy, terminada, hace un año y medio, y me decías que esa era la película que yo iba a hacer, te decía que estabas loco. Nunca dejó de ser la película que soñé, pero la sumatoria de elementos y decisiones tomadas, tanto estéticas como de producción, fueron haciendo que la película fuese mutando. Una preocupación que tenía desde el principio era no hacer una película “pretenciosa”, sino contar una historia atractiva, emotiva, y con sus complejidades narrativas. Es una película de género, apuntada hacia las comedias de género más europeas, que escapan un poco al cliché típico americano. Después, algunos cambios en el casting hicieron que la película creciera en expectativas. Y que eso ayudara en algunos procesos de producción y de comercialización de la película.

¿Cómo fue la elección de ese cast? ¿Influyó en las decisiones el hecho de tu cercanía con el mundo de la televisión?
La verdad es que el hecho de que trabaje en televisión no influyó en lo más mínimo. Es más, excepto a Ana Yovino y a Peto Menahem, no conocía a ninguno de los actores antes de convocarlos. La elección se fue dando a partir de lo que buscaba o pensaba que era necesario para cada personaje. Por ejemplo, a Eugenia Tobal la ví en la película Yo soy Sola y me pareció que tenía una capacidad interpretativa y una presencia que se acercaba mucho a lo que yo había imaginado para el personaje de Ana.
Exceptuando Mariano y Eugenia, que son actores principalmente conocidos por sus trabajos en la TV, la gran mayoría del cast no se caracteriza por una gran trayectoria televisiva.

Más allá de los actores en sí, ¿crees que la propuesta estética y narrativa tiene una cuestión telenovelesca?
No. Es más, busqué a conciencia salir del costumbrismo que tienen en los últimos años, tanto las tiras como las telenovelas en la TV argentina. Por otro lado, la propuesta narrativa de flashbacks, de un narrador presente en un lugar indeterminado, de un decálogo narrado en off, de la utilización de carteles para marcar puntos de giro en la historia, no me parecen muy telenovelescos que digamos.

¿Cómo encaraste el diseño de producción con tantos personajes?
Fue bastante complicado, ya que a la cantidad de personajes se sumaba que la mayoría de los actores estaban haciendo otras actividades, lo que hacía que organizar cada jornada, y especialmente las escenas en las que están todos o casi todos los personajes presentes, no fuese nada fácil. Por suerte, el asistente de dirección, Dieguillo Fernández, armó un plan muy estudiado, con muchas variables para cualquier imprevisto. También fue fundamental que Mariano Martínez fuese el único que estaba con una disponibilidad del 100%, ya que siendo él protagonista, su presencia era muy alta en casi todo el rodaje.

Estrictamente en la historia, ¿por qué abordaste la problemática del éxodo? ¿Fue la excusa para el reencuentro amoroso o hubo una intención de subtexto al imaginario post-2001?
Empecé a imaginarla justamente en esa época, cuando muchos amigos y seres queridos se iban a vivir afuera enojados con el país y dejando entrever que los que nos quedábamos éramos medio boludos. Se iban a Europa, más que nada a España, a trabajar de cosas que acá no se les hubiese cruzado por la cabeza. Eso hizo que me enojara mucho esa actitud. Así que las primeras versiones del guión eran más ácidas y menos amigables para con los que se iban. Con el tiempo, ese enojo se fue apaciguando y fui entendiendo que era una decisión. Con el paso del tiempo, el tema se volvía un poco demodé, por eso lo suavicé un poco y apuntalé más la historia de ellos dos -N. de redacción: M. Martínez y E. Tobal-, los protagonistas.

¿Quién es esa chica? Silvia Jofre Iacopetti

2011-08-15T01:31:00.002+02:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2011
Versión impresa

¿Quién es esa chica? | Silvia Jofre Iacopetti

El concepto de ¿Quién es esa chica? utilizado para este mes tiene una razón de ser. La conocíamos de otra manera y desapareció como tal. Volvió por la puerta grande y ahora la homenajeamos merecidamente. Silvia Jofre Iacopetti, del destape criollo a la Serie A en un abrir y cerrar de castings. Por Hernán Panessi

Si analizamos la teoría propuesta por el húngaro Frigyes Karinthy, la de los Seis Grados de Separación, ¿la conocen?, donde se intenta probar que cualquier persona en la Tierra puede estar conectada a otra a través de conocidos, podemos chequear que efectivamente funciona y lo hace con creces. Observen lo siguiente: En el año 1989, el director Pedro Almodóvar se encontraba estrenando su octava película, ¡Átame!, protagonizada por Antonio Banderas y la musa Victoria Abril. Mientras tanto, en Argentina, Carlos Galettini estaba haciendo lo suyo con Los Exterminators y Bañeros II: La Playa Loca. Para proseguir, hagamos hincapié en esta última película: estaba protagonizada por Emilio Disi, Guillermo Francella y contaba con música de la all-female band de la época, Las Primas, ¿se acuerdan? Por ese entonces, estas bombas sexys eran sensación con su disco “Imbatibles”, del mismo año, hecho en colaboración con Ricky Maravilla, y rompían todo con su hit “¡Saca la mano, Antonio!”. Okay, ¿entonces? ¿Sincronicidad de Carl Gustav Jung? ¿Coincidencia parapsicológica? Karinthy, querido, tenías razón. Doce años después, Almodóvar filma La piel que habito, su última película, adaptación de la novela Tarántula (de Thierry Jonquet, 1995), y una de las actrices del elenco es, sí, una de Las Primas.
Estamos hablando, por supuesto, de Silvia Jofre Iacopetti, debutante en televisión de la mano de Carlitos Balá en El Show de Carlitos Balá y otrora vocalista de Los Ángeles de Smith, quien apenas un año después de su apogeo como cantante –1990- se enamorara de un español y se mudara para esos pagos. Más específicamente a Madrid, ciudad a la que Almodóvar tomó por asalto luego de abandonar su Calzada de Calatrava natal. Allí modificó sus hábitos y se hizo pintora –quienes conocen del tercer arte dicen que está muy bien. Acá expuso en el año 2005 en la Galería Los Coleccionistas-. Tiempo después retomaría la actuación haciendo cosas, sobre todo, para la televisión –más una participación en la película No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizo- continuando, igual, con su nueva actividad: la pintura.
Decir que Jofre Iacopetti, entonces, es una Nueva Chica Almodóvar es un tanto exagerado –aunque, ojo, se rumorea por ahí que Pedro la convocará para su próxima película, Mina, anunciada para el 2012-, sin embargo hay algo que es cierto: la eligió para compartir escena con Antonio Banderas y completar cartel con Elena Anaya y Marisa Paredes. “Sinceramente, fue una de las mejores experiencias de mi vida”, ha dicho en una entrevista reciente. La historia del cómo lo hizo en una línea: “He intentado, después de varios castings, conseguir un pequeño personaje en su película y, luego de algunas figuraciones especiales, me incluyó”. Fin de la cuestión. ¿Cuánto darían miles de actrices por aparecer apenas una milésima de segundo en una película del manchego? Esta bomba de los 80s, nobleza obliga aclararlo: con belleza intacta –Google es gratis, amigos, ¡compruébenlo!-, lo logró. Los memoriosos, nostálgicos y onanistas vintage, de parabienes. Los más jovencitos, mozos y purretes fisgones... preparen, apunten, ¡fuego! Porque donde Almodóvar pone el ojo, pone la bala.

Review del juego Assassin’s Creed: Brotherhood

2011-08-15T01:26:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Agosto 2011
Review

Assassin’s Creed: Brotherhood
USA, 2011

FABRICANTE Ubisoft
FORMATO PC
STATUS en venta
PRECIO $99,90

RESULTA QUE Ezio Auditore da Firenze, un joven noble de origen italiano, en su afán por librar Roma de los corruptos templarios sedientos de poder, enfrentará a algunas de las familias más poderosas de Florencia. Por su parte, ya convertido en todo un Maestro Assassin, intentará vengar la muerte de su tío, Mario Auditore, y recuperar, además, La Manzana del Eden, fuente del poder absoluto.
¿QUÉ ONDA? De movida, ya el Assassin’s Creed era de por sí un juegazo descomunal. Ahora, con Assassin’s Creed: Brothehood, la apuesta se duplica dado que continúa con el mismo y espectacular despliegue visual del primero –incluso está mucho más pulido- pero, a ello, se le agregan suculentos mapas, nuevos personajes y un novedoso modo multijugador. Amerita señalar que es éste uno de los mejores juegos del año y que ya se está preparando una merecida continuación: el Assassin’s Creed: Reveletions.
¿QUÉ APRENDÍ CON ESTE VIDEOJUEGO? Nicolás Maquiavelo + Bartolomeo d’Alviano eran unos patas; los Borgia + Luis XII, unos tremendos garcas.

- Hernán Panessi

JUGALO SI TE GUSTÓ... Legacy of Kain: Soul Raven de PlayStation One.

La-Cosa-Matic: Piña va, piña viene. Gracias por la magia.

Review del libro Batu 1, de Tute

2011-08-15T01:20:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Agosto 2011
Review

Batu 1
Argentina, 2009

AUTOR Tute
EDITA Editorial Sudamericana
PÁGINAS 96
PRECIO $24
STATUS en venta

Resulta que Batu es un infante curioso que, junto con su perrito azul Tútum y su anteojudo amigo Boris, emprende juegos imaginativos y se preocupa cuando no hay a qué jugar.

¿Qué onda? Todas las tiras que contiene este volumen fueron publicadas originalmente en la sección espectáculos del Diario La Nación, y era obvio su paso al libro por ser de lo mejor del humor gráfico argentino. Batu 1, primer tomito de la tira, muestra el onírico mundo de la niñez, y cómo su protagonista y cia. la viven de manera entre inocente e inteligente. El libro hace que nos encontremos con ciertas partes sensibles de nuestro pasado generando una hermosa melancolía. La historia de Batu y su viaje en globo en busca de su abuela no tiene desperdicio.

¿Qué aprendí con este libro? La niñez es lejos, la mejor etapa de la vida.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Rugrats, Mafalda u otras historietas de Tute.

La-Cosa-Matic: Pintado al óleo; Be Cool, Rolo.

Nota de Quiero Matar a mi Jefe (Horrible Bosses, 2011)

2011-08-15T01:13:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Agosto 2011
Tapa
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Todos, en algún momento de la vida, hemos querido matar a “ese” que resulta que ser nuestro jefe. Nos choca cómo nos pide las cosas, cómo llega a la hora que quiere y se va temprano, cómo nos obliga a hacer cosas en las que no creemos, etc. Por ello, ya que se estrena Quiero Matar a mi Jefe, le pedimos a Hernán Panessi que preste atención a cómo lo hacen Bateman, Sudeikis y Day para, algún día, de ser necesario, ponerlo en práctica.

Seguro, y es que resulta más realidad fáctica que cliché popular, una y otra vez golpea en la mente de los trabajadores la idea loca de matar a sus jefe después de una tensa jornada laboral. Claro, esto tiene sus exageraciones y es posible que se trate, nomás, de una fantasía de disposición irrealizable y otrora deseo perverso del castigado. Aunque, por supuesto, existen excepciones, donde la proyección mental puede hacerse verdaderamente carne, como en Quiero Matar a mi Jefe (Horrible Bosses, 2011). Para esta comedia (¿cómo tratar esta problemática desde otro género?), la Warner Bros. puso a un director tan versátil que resultó capaz de, por un lado, elevar hasta el cielo la figura del nerd –The King of Kong: A Fistful of Quarters (2007)-. Por otro, de explorar la economía desde puntos de vista poco tradicionales –Freakonomics (2010)-. Y en medio, obvio, de dirigir una película en la que sacara chapa de yo-también-puedo-con-las-comedias-convencionales: Como en casa en ningún sitio (Four Christmases, 2008). Así, Seth Green, realizador en cuestión, es quien, ahora, con Quiero Matar..., expone a tres jefes detestables ante la idea, siempre proletariada, de: ¿y si diseñamos un plan para acabar con ellos de una maldita vez por todas?
Jennifer Aniston, Kevin Spacey y Colin Farrell encararán a los mandamás acosadores –en psicología laboral le dicen mobbing, mirá vos-. Jason Bateman, Jason Sudeikis y Charlie Day serán los empleados –las víctimas de la hostilidad, digamos-. Aquí, con un par de tragos mediante, en connivencia del segundo terceto, surgirá una nueva entidad: la del confabulador. Un ex convicto y buscavidas, personificado por Jamie Foxx, será el que diseñe el mismísimo plan de asesinato –de factura hitchcockiana- que no podrá fallar. O, tal vez, si la cosa no se cumple, suceda todo lo contrario.
La trama, de por sí sola, significa una bocanada de aire fresco ante la explotación de la Nueva Comedia Americana –de Judd Apatow a Greg Mottola, pasando por Nicholas Stoller y Todd Phillips- y su miedo al planeta adulto. Acá, la problemática impuesta tiene más que ver con una norma madura –en efecto: el trabajo asalariado y sus relaciones inevitables-. En consecuencia, su público objetivo significará no tanto el adolescentes más sí el experimentado. La cuestión, entonces, está en si podrán efectivamente cumplir su cometido o serán, a fin de cuentas, otros de los tantos soñadores de aquel impulso refrenado de mandar bien a cagar al patrón. Por las dudas, vamos a verla.

Tres “bosses” para enviar a despanzurrar apenas nos liquiden el aguinaldo
Infumables que generan, vía el contrato de trabajo, una dependencia despreciable. Por eso, le rendimos tributo a esos cabecillas mandones-gritones-soretones de la cultura pop. Ya nos estamos arrepintiendo de la botonada...

1. J. Jonah Jameson de Spider-Man (cómics, serie animada y películas)
Desde The Amazing Spider-Man #1, el propietario y director del Daily Bugle rara vez deja de gritarle a sus empleados y, por supuesto, Peter Parker no será la excepción.

2. Miss Daisy (Jessica Tandy) de Paseando a Miss Daisy (Driving Miss Daisy, 1989)
Esta viudita, prejuicios sociales y raciales mediante, carga contra todo y todos. Ejemplo nefasto de racismo pasivo –¡pobre Hoke Colburn!- devenido amistad entre colores.

3. Miranda Prestly (Meryl Streep) de El Diablo Viste a la Moda (The Devil Wears Prada, 2006)
Fría como un témpano, respetada por el mundo fashionista, la editora de la revista Runway vuelve mona a su asistente Andy Sachs (Anne Hataway) porque así le place.

Crímenes filiatorios: Liquidame a la Tía Marta
Películas en las que alguien, por alguna razón en particular, mata a una persona cercana a él.

Filme: Tira a Mamá del Tren (Throw Momma from the Train, 1987)
Víctima: Mamá, Momma (Anne Ramsey)
Excusa: Es opresora e hincha huevos.

Filme: A Quemarropa (At Close Range, 1986)
Víctima: Papá, Brad Whitewood Sr. (Christopher Walken)
Excusa: Es un sorete mal cagado.

Filme: Henry: Retrato de un Asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986)
Víctima: Hermano, Otis (Tom Towles)
Excusa: Es violento y degenerado.

Ghostwriter carátula de Del Triple 6 para VideoFlims

2011-08-09T02:04:00.002+02:00

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Agosto 2011
Carátula aquí

Lo que usted tiene entre sus manos es un compilado de cortometrajes con lo mejor y más selecto de la productora nacional Del Triple 6, conformada por docentes y egresados del Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda (IDAC), cuna de enormes cineastas de trascendencia mundial. Un séptuple programa, a la vieja y querida alternative cinema de los grindhouse neoyorquinos, nacido en las entrañas de la cinefilia del sur, teniendo la particularidad de que todas comparten profesionales y, también, locación: el caserón Del Triple 6, ubicado en el barrio de La Boca.
Aquí, en esta fina curaduría, abocada siempre al “cine de género”, en especial al fantástico y suspenso, filmados todos en Súper VHS y Mini DV, encontraremos –entre otros- el corto Cambios (2004), dirigido por Marcelo Gil, trabajo seleccionado para concursar del BARS 2004, en el que una ucronía modifica el quehacer cotidiano hasta el punto de no encontrarle jamás una salida. Asimismo podremos ver Diarios (2007), un policial noir de acuses y traiciones, dirigido por el binomio Ignacio Suárez Rubio y Mariano Borgognone, distinguido en el 8vo Festival Internacional de Escuelas de Cine (Montevideo, Uruguay). Además, estará disponible El Último Trabajo (2010), de Mariano Castaño, un policial de tintes fantásticos estrenado en el BARS 2010. Por su parte, En Nuestro Tiempo (2005), otro de los filmes a disfrutar, partícipe del FEISAL 2005, es un cortometraje de ciencia ficción que plantea una historia contrafactual donde el legado para el mañana resulta –siempre- fundamental. Hecho para el Concurso Videominuto de Metrovías, Victimas (2002), dirigido por Marcelo Gil, incursiona en el sub-género de vampiros siendo tanto conciso como efectivo. Llegando al final, nos regocijaremos con Yohreya (2003), opus de Néstor Fonte que participó de la Semana del Cine Joven INCAA 2007, del Festival Internacional de Cine de la Cinemateca Uruguaya de 2006 y, en el mismo año, del FEISAL, acerca de una mujer con unos traumas particulares, quien –para librarse- tomará la peor de las decisiones o, tal vez, acaso, la mejor. Por su parte, de este compilado saldrá a luz un corto inédito, I Love (2005), de Néstor Fonte, una oda al cyberpunk en la que habrá organismos superiores –vinculados a lo tecnológico- que controlarán cada centímetro del devenir.
Lo dicho: esta es una oportunidad inmejorable para ver, gozar y disfrutar de una buena parte de la producción “de género” hecha completamente en factura independiente, nacional y, sobre todo, popular.

Entrevista a propósito del "Cine de género en Argentina"

2011-07-31T21:08:00.003+02:00

MEDIO: Revista Noticias
FECHA: Julio 2011
Versión online
Página 01
Página 02
Página 03

Nota: "Parecido, pero distinto"

2011-07-31T16:42:00.002+02:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Agosto 2011
FECHA: Julio 2011
Descargar número 30
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Parecido, pero distinto

¿Freddy Krueger en el nuevo Mortal Kombat? ¿Sólo las nuevas consolas gozan de las bondades del mercado? Opciones accesibles a los tanques venideros. El M.U.G.E.N. como alternativa de consumo. Todo eso y mucho más en esta columna gamer a cargo de nuestro columnista latinoamericano, Hernán Panessi, en la que nos deleita mes a mes con sus análisis de actualidad coyuntural.

UNO
Ante el furor de novedades norteamericanas de la industria de los videojuegos venidas desde la Comic-Con 2011, ya casi -a esta altura- con la misma fuerza de una E3, el gamer latinoamericano –bueno, como el de cualquier otro lado del mundo también- espera ansioso lo que nos tiren a la tribuna. Babosos de lo nuevo, fetichistas de lo flamante, quienes no viajamos a San Diego estamos desesperados, justamente, por recibir noticias frescas. Esos datos maravillosos que nos hacen felices, nos dan esperanzas e, incluso, fuerza de vida –la analogía de que servirían como honguito al Mario Bros. me la guardo para mí-. Ustedes sabrán, queridos lectores, a qué sabe el placer de florearse con su grupo de amigos cuando tienen la posta. Por eso, hay allí, entre todos los bombazos, uno que repiqueteó fuerte en el imaginario gamer-cinéfilo, un advenimiento delicioso provisto por ambos mundos. Por fin se ha hecho justicia: ¡Freddy Krueger será un personaje seleccionable en el nuevo Mortal Kombat! Es así: el MK 9 de PlayStation 3 y Xbox 360 incluirá, además de –dato no menor- a Kratos del God of War como DLC, al terrorífico protagonista de la saga Nightmare on Elm Street y otrora creación de Wes Craven, Freddy Krueger. Enhorabuena por los crossover injustificados y nunca tan divertidos.

DOS
Ya hay pululando en Internet, de hecho, algunos gameplay de Krueger contra personajes improbables (vs. Scorpion, vs. Sub-Zero, vs. Johnny Cage) que nos sacan de las casillas de felicidad. Es momento, entonces, de recomendar una maravilla nacida en el seno de Internet. Un juego que siempre quisiste tener y nunca nos habían dado el gusto de siquiera ofrecérnoslo –okay, ahora la Warnes Bros. Games nos lo da un poquito-. Estamos hablando de una suerte de M.U.G.E.N. llamado Terrordrome, donde dicen presente los mejores personajes del cine de terror de los 80s y 90s. Pero atención: no estamos hablando de una mera intervención a un juego X sino una creación desde 0, con desarrollo de gráficos, escenarios, movilidad y personajes. En Terrordrome, que se hizo esperar muchísimo tiempo después de unos trailers virales o versiones incompletas augurando lo mejor, están en la palestra íconos de la talla de Ash Williams de la trilogía Evil Dead, Ghostface de Scream, Leatherface de The Texas Chainsaw Massacre o, mismo, Freddy Krueger. Actualmente se encuentra disponible la versión 2.6 que pueden descargar de por ahí. Que conste: sigue siendo una versión beta –la definitiva es realmente una incógnita- pero, igualmente, ante la carencia de dinero y viajes –sí, de nuevo, no fuimos a la Comic-Con 2011- buenos son los downloads gratuitos y legales.

TRES
En la lógica de buscar juegos de pelea gratuitos, el mundo de los M.U.G.E.N. (de licencia abierta: “M.U.G.E.N. is free for non-commercial use”) aparece como una fuerte opción a considerar. Quienes no tengan aún una PlayStation 3 –desde ya: díganle adiós a Krueger en Mortal Kombat- o una consola de punta –lo de siempre: ¿hay otra mejor que PlayStation 3?- deberán experimentar el mundo de los rebusques, el de los juegos freeware. Dando por sentado que estos games no necesitan de un hardware extraordinario –sí, vos que tenés una PC con poca RAM, apenas espacio en disco y una modesta placa de video no vas a tener problemas en jugarlos-, no tienen más que usar Google y darle a la búsqueda. Hay disponibles muchísimos referidos al universo Street Fighter, Marvel, DC, King of Fighters, Dragon Ball, Naruto, etc. En consecuencia, de seguro tienen suerte y encuentran uno que, mientras juntan los morlacos necesarios para hacerse de la vanguardia y se relamen por lo que vendrá, se ajuste a sus pretensiones sin tener que envidiarle nada a nadie.

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

El cine independiente y su relación con la prensa: La experiencia de VideoFlims

2011-07-30T04:10:00.000+02:00

MEDIO: House organ: "Las hojas Kennedianas de Relaciones Públicas" - Website Universidad Argentina John F. Kennedy
FECHA: Julio 2011
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El cine independiente y su relación con la prensa: La experiencia de VideoFlims

La dialéctica que encontró VideoFlims Distribución* con la prensa es particular. Primero, porque siendo nosotros jóvenes –hablo del emprendimiento más allá de sus intérpretes- hemos hallado una cierta legitimación en el rubro, motivo por el cual la prensa –ese compañero indispensable para la vida y obra de cualquier planificación empresarial- nos ha tomado como uno de los partícipes fundamentales de la movida cinematográfica y cultural del país. Segundo, como consecuencia de esta primera e inevitable instancia, estamos pasando por un proceso de adaptación y asimilación hacia la cobertura total que, con el tiempo, procuramos alcanzar, entre otras cosas, vía esa relación.
Nuestra tarea, más allá de difundir las obras artísticas en sí mismas, es propagarlas ante los ojos de todos e insertarlas en el perdurable inconsciente colectivo. Una democratización que, dicho así a la pasada, suena un tanto poética pero que requiere, indispensablemente, la ayuda de de los medios masivos de comunicación. Por eso, porque sabemos que los mass media son nuestros aliados y los de cualquier marca sin distinción de raza, intentamos tenerlos al tanto de todos los acontecimientos que nos competen. Seducimos desde los hechos noticiosos (lanzamientos de DVD & libros, eventos en los que participamos, festivales en los que hacemos curadurías, proyecciones en theatricals, entre otros) con principal hincapié en lo institucional (fundamental: nunca separar el hecho de la identidad; entre nos: sostener de forma innegociable una coherencia discursiva). Para hacerlo perdurable, como humilde consejo, más allá de la habilidad por natura para tener cintura comunicacional, siempre hace falta, por ejemplo, un buen diseño de gacetillas, quizás parezca tomado del ABC pero es lo que realmente funciona para promover el diálogo. Además, ya que hoy no alcanza sólo con un website, es indispensable tener un persistente acceso a redes de comunicación 2.0 (una página en Facebook periódicamente actualizada y un Twitter utilizado del mismo modo como elementos sistémicos entre sí); y, sobre todo, aunque esto quizás sí sea propio mérito, contar con un potente e identificado mailing list de formadores de opinión, comunicadores referentes al sector y de prensa especializada. Uno necesita del otro, está claro el porqué.
Y es imponderable regar día a día esos contactos. Como sea. Fundamental.
Responder rápidamente cualquier tipo de inquietud: la velocidad en las respuestas certifica tanto devoción como profesionalidad. Tener actualizados a todos los propagadores de noticias: hace que la cadena no se corte ni se dilaten nunca las relaciones. Si bien estas son algunas labores delicadas, que requieren de muchísimo tiempo y cierto manejo de las Relaciones Públicas puras y duras, hay que considerarlas como la gran forma para acceder a las plazas empresariales con respeto e hidalguía. Es prácticamente un cumplido que la legitimación absoluta se logra tanto por motus propio –aquí demos por sentado que los productos y servicios que van a proveer son aceptados por su público- como por vistos buenos de la prensa. VideoFlims lo logró. O al menos está en eso.

* VideoFlims es una distribuidora cinematográfica que edita y difunde películas independientes latinoamericanas. + Información en www.videoflims.com.ar

Historia del cine: Marihuana (1936)

2011-07-28T19:07:00.000+02:00

MEDIO: Revista THC
FECHA: Junio 2011
Marihuana

Marihuana (1936)

En pleno crash financiero de la década del ’30 en los Estados Unidos, cuando los estudios se mostraban abocados a los musicales en sus años de oro, a los monstruos clásicos, a las comedias chaplinianas o hacia cualquier otro rollo que le haga olvidar a la “gente común” que no había pan ni trabajo pero sí show business y, así, con ello, sacaran su mejor sentimiento de tanto en cuando, apareció un filme de temprano exploitation cannábico, venido al mundo como la piedra iniciática de los narcotic videos. En esa lógica, aunque casi sin proponérselo, pese a contar con un discurso harto propagandístico, Marihuana (1936), hermana biológica de Reefer Madness (1936) y largometraje en cuestión, fue lo suficientemente atrevido a su época como para mostrar porros, no obstante a lo estigmatizante del asunto, en la gran pantalla. Notablemente hipócrita, esta película tenía un fin educativo destinado al público adulto para que, a raíz de su existencia, puedan enterarse de “las trampas de la juventud en América”, tal y como lo advertía desde su trailer. Conocida también bajo el nombre de “Marihuana, the Weed with Root in Hell!”, literalmente “Marihuana, la Hierba con Raíces en el Infierno!”, la obra moralina del director Dwain Esper, responsable asimismo de la sexual Maniac (1934), no sólo logró señalar con el dedo bien turgente una problemática de la época sino que sirvió, del mismo modo, de inspiración para generar un tremendo legado cinematográfico afín y significó, además, como tentempié fumón –aquí radica su doble filo- para millones de cultores marihuanos. Pieza fundamental de la Historia, más no obra maestra. / Hernán Panessi

Nota "Cine para niños y niñas"

2011-07-23T01:07:00.001+02:00

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Julio 2011
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VACACIONES DE INVIERNO
Por H. P.

Cine para niños y niñas
No hay vacaciones de invierno sin Disney, pero esto ya lo dijo Jean Baudrillard en El Complot del Arte: Ilusión y Desilusión Estética: “La empresa Disney está comprando la calle 42 de Nueva York: ¡la transformará quizás en una atracción mundial donde prostitutas y proxenetas no serán sino figurantes de una realidad virtual que será la estética Disney!”. Absorbe, muta y crece. Así que, Disney significa, entonces, una referencia ineludible teniendo en cuenta que en su última incursión millonaria compró la Marvel Comics, y que mediante su compañía de animación Pixar, adquirida en el 2006, presenta una cara conocida: Cars 2, la esperada secuela de aquel gran más no perfecto y ya clásico film de John Lasseter, en el que los autos de carrera parlantes participarán del “Grand Prix Mundial”. Así, sin el corazón de Wall-E, tal vez la mejor y más sensible película de toda la factoría, ni la emotividad de Toy Story 3 o Buscando a Nemo, Cars 2 se las arreglará para entretener tanto a la platea zagal como a la experimentada. Resulta que Pixar, vía sus películas, siempre pretendió apuntar a todos los frentes de acción; por eso, el hecho de que estemos hablando de autos en sí, que su trama atraviese materias universales sin ningún tipo de timidez -el ser fiel a uno mismo, la cuestión de los lazos de amistad, las humillaciones y la extremada pero humana maldad- y su elevado perfeccionismo en el plano de la animación -sofisticado hincapié estético en el diseño conceptual de vehículos y escenarios, con fondos de clase mundial- resultan, cuanto menos, cautivantes. Aunque, por elevación, esto hará perder un poco a los más pequeñitos y los sostendrá, a la vez, con chistes simplones.
Por otro lado, la Warner Bros., en su perpetuo combate por el liderazgo neo-teeneger, presentará Harry Potter y las reliquias de la muerte (parte 1 y 2), el binomio final de la historia del mago. Sabia decisión la de dividir el séptimo libro en dos filmes -fiel adaptación, por cierto-, apostando por una historia más larga, sí, pero con mayor lugar para resolver mecanismos de trama complejos. En cada oportunidad, la saga de Harry Potter fue separándose un poco más de la premisa infantil preliminar, donde la idea de lo naif perdió silueta ante las nuevas problemáticas maduras. Ahora, como en Cars 2, la muerte y la traición, por caso, no son cuestiones mágicas sino, en verdad, cosa seria.
Tercera arista a considerar en este “nuevo cine infantojuvenil”, donde los tópicos y estéticas resultan acaparadores de público sin distinciones, es la cuestión de los formatos. Allí, asociado en la actualidad más a la cultura shopping que al progresismo tecnológico, el cine 3D ha llegado, para bien o para mal, a inmiscuirse en nuestras vidas. A raíz de tal advenimiento, bajo el contexto de vacaciones invernales, continúa con fuerza su boom sostenido por, entre otras, Transformers: El lado oscuro de la Luna -aquí entrarían, también, Green Lantern, Capitán América y Súper 8-, donde los Autobots vuelven a la acción luchando contra los malvados Decepticons. Su director, Michael Bay, ofrece lo que las masas le demandan, situando con tino su propuesta desde lo espectacular -como espectáculo-, bordeando la cuestión nostálgica -sus cómics datan de 1984, al igual que su serie animada- con el atractivo parafernálico de explosiones, mujeres en plano cenital y tánganas atractivas para los muchachitos.
Y, en definitiva, parece que por ahí anda la cuestión en esta novedosa propuesta de “cine infantojuvenil”. Pues entonces, para ir a lo seguro, pese a la presión contextual de los tanques marketineros, la recomendación de siempre sigue siendo Spielberg, que viendo cualquiera de sus películas en mute las señalamos como obras maestras y que con Súper 8, dirigida por J.J. Abrams, no deberá gastarse demasiado para lograr meterse entre lo mejor del año por su refrescante -también convincente- inclusión de historias de niños en situación extraordinaria, muy a-lo-The Goonies o, mismo, a-lo-E.T. Y, también, por supuesto, porque el lugar de privilegio se lo ganó bien ganado.
De esta forma, en consecuencia, el entendimiento desprejuiciado de sentimentalismos, valores y ciertas truculencias visuales hacen las veces de cocktelera perfecta para la inclusión de todos los públicos. No caben dudas: en estos últimos años, algo se modificó en el consumo de cine. Con esto, es así, las barreras de los espectadores desarrollados con la de los niños están mermando indefectiblemente. Los tiempos cambian, nos vamos poniendo kidults.

Crítica cinematográfica de Las Aventuras de Nahuel

2011-07-23T00:46:00.004+02:00

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Julio 2011
Versión gráfica 01
Versión gráfica 02
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Las leyendas continúan
Autoproclamada como “el primer largometraje en la Argentina donde se conjugan los títeres y los dibujos animados”, llega la película Las aventuras de Nahuel, dirigida por Alejandro Malowicki

Por Hernán Panessi

Un niño llamado Nahuel huye de su hogar creyendo que su mamá lo ha abandonado, recorre la ciudad buscándola e ignorando que ella está empeñada en encontrarlo. Una noche, junto con su nuevo amigo, un gato murguero llamado Busca, revolviendo la basura, encuentran un libro que emite destellos y parece tener vida propia. La imaginación de Nahuel los transportará a ambos hasta un mágico mundo de leyendas -la novedad es que pertenecen al imaginario latinoamericano- y a partir de ahí vivirán aventuras emocionantes. La historia de la madre quedará desdibujada en pos de estos destellos de leyendas nuestras.
Su realizador, que ya dirigió la versión de Pinocho de 1986, protagonizada por Soledad Silveyra y Gianni Lunadei, y supo ser presidente de la Asociación de Productores de Cine para la Infancia, resulta un pionero del cine de animación nacional cuyo trabajo antecede a las escuetas producciones que ha tenido el género en estas pampas, desde la gloriosa Mercano, el marciano, de Juan Antín, la sobrevalorada Manuelita, de Manuel García Ferré, o la más actual y desigual Cuentos de la selva, de Norman Ruiz y Liliana Romero.
Los veteranos acólitos de Caloi en su Tinta se sentirán cómodos en su regazo, mas no tanto así los espectadores muy jóvenes acostumbrados a la espectacularidad de la tríada norteamericana de Disney, Pixar y DreamWorks o a las ocurrencias orientales de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y su Studio Ghibli. No es que la parte técnica esté por debajo de las expectativas, en absoluto. Es que la mixtura de leyendas de pueblos originarios -guaraníes, onas, mapuches y collas-, con animación de muñequitos -que desde el corto El retrato de la peste, de Lucila Las Heras, o el mediometraje Plata segura, de Néstor Frenkel, hasta acá no ha habido nada interesante en el plano criollo- y una oferta narrativa pretendidamente curricular -“¿no sabías vos que los libros no muerden”, “¿qué es una leyenda?, nunca oí esa palabra”, se escucha decir por allí- hacen, de verdad, lamentablemente, dificultosa su decodificación. Es comercialmente sabido que los espectadores más noveles prefieren la espectacularidad -acá entraría Pixar con Toy Story 3, sí, pero además Disney con El Rey León o Cenicienta-, cual consecuencia de su formación hipodérmica y verticalista. “El cine para chicos es y ha sido siempre norteamericano en casi su totalidad. Ese chico, en la etapa más crucial de su formación, suele no conocer otro modelo, otro formato. Por los dibujos animados, le resultan más familiares Oklahoma o Texas que Jujuy o Corrientes”, ha reconocido el mismo Alejandro Malowicki alguna vez.
Tanto la animación a pincel -bellísimo estilo tipo ilustración de splash page de cuentos infantiles o novelitas cortas e integradoras con la intención de Jim Henson de animación 2D y stop motion por recortes- como la referida a marionetas con hilos -aun a sabiendas de la diferenciación entre “cine infantil” y “cine de animación”, entelequias que a veces suelen confundirse- funcionan óptimamente pero, de momentos, pese a este aspecto positivo y fundamental para el cine de entretenimiento, lo que falla en Las aventuras de Nahuel es su guión. Endeble y abarrotado guión. Apuntando a un público que tiene entre 3 y 9 años, se torna un tanto confuso, saltando desde un trampolín entre leyenda y leyenda. A su modo, Malowicki intenta afablemente introducir demasiadas problemáticas a resolver en “sólo” una hora y dieciocho minutos. Si una película de animación para niños necesita apoyarse en constantes e improductivas intromisiones a submundos, eso puede ser señal de que no está funcionando como debería. Entonces, el espectador, a la hora de ir a ver esta película, tendrá que tener bien en cuenta que sus ritmos -por añadidura: los tiempos internos, sus transiciones entre aventura y aventura- son un tanto dispersos y que, con el correr de los minutos, olvidará realmente cuál era su premisa inicial, perdiendo el hilo, el intríngulis de la ficción. Tambalea, acá, el hecho de que Nahuel, su protagonista, esté desesperado buscando a su madre -hete aquí el plot iniciático- o, simplemente, parecería que la cosa virara por los viajes que mantendrá con sus amigos imaginarios -por los que finalmente se desplazará todo el relato; embrollando, así, el motivo primario de la acción-. Las aventuras..., entonces, funcionaría mejor no como película destinada a los cines sino como, por ejemplo, una miniserie para televisión dividiendo la cuestión en cada aventura mayéutica devenida didáctica -y así en episodios- en las que se entrometa el protagonista. O, tal vez, y es que así parecería haber sido craneada, como para utilizarse en proyecciones lúdicas escolares.
En consecuencia, si bien signado por algunos clichés del género, es positivo el intento y de por sí siempre bienvenido, más cuando estamos hablando de realizaciones de animación infantil en 35mm, misteriosamente faltantes en la palestra.

Crítica La Reencarnación de los Muertos

2011-07-17T21:00:00.003+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2011
La Reencarnación de los Muertos

Theatricals | La Reencarnación de los Muertos
La vida después de la muerte

Esta última película de George Romero, La Reencarnación de los Muertos, poco aporta a su basta filmografía e incluso mancha la elegante aceptación, en la truculenta cultura zombie, de sus productos. Por Hernán Panessi

Las buenas películas de zombies, al margen de sus altas dosis de entretenimiento, siempre contuvieron en sí mismas mensajes explícitos, satirizaciones o lecturas corrosivas de la sociedad. Así pasaron, según la época en la que fueron filmadas, críticas al racismo, al consumismo, a la figura del ejército y la militarización, a la diferencia de clases y la paranoia post 11-S, y, más para acá, a la dependencia por las nuevas tecnologías. Ahora, George Andrew Romero, considerado por muchos el creador del arquetipo zombie en la cultura popular, hombre de una enorme sabiduría sociopolítica, regresa a poner su visión sobre la guerra y la moral con La Reencarnación de los Muertos (2009), una mixtura horror sci-fi de regular resultado.
La Reencarnación de los Muertos –cuyo nombre en castellano no guarda relación con el Survival of the Dead original- es la historia de un grupo de habitantes de una remota isla situada en alguna costa de Norteamérica, quienes descubrirán cómo los muertos se levantarán de sus tumbas en buscas de, claro que sí, carne humana. Al tratarse, en su mayoría de los casos, de seres queridos fallecidos, la gente deberá tomar una decisión: acabar con ellos o mantenerlos “con vida” hasta encontrar una posible cura.
Sujetada en ciertos aspectos de TV movie profana, conteniendo sus siempre destacables efectos especiales (con inevitable mención a Greg Nicotero) más algún que otro conveniente destello humorístico, a este film de Romero le cuesta funcionar en niveles básicos: será por su unidimensionalidad de los personajes principales, por los zombies exageradamente pasivos (en el colmo del género, aquí no estamos ante una survivor story), por los forzados giros de trama, y, por desgracia, debido a la acostumbrada visión del director por sobre las cosas que, según connota la circunstancia del guión, está demasiado alivianada. Dicen que Romero se sintió bastante vapuleado por las críticas a sus dos películas anteriores –La Tierra de los Muertos (2005) y El Diario de los Muertos (2008)- y por eso, finalmente, habría suspendido un poco la crítica social. Aunque, hay algo que es cierto: los mensajes siguen ahí pero, ahora, con una imprudente decisión de elevar exageradamente el nivel de comedia, la amenaza zombie se toma para las risas. Un poco de mutación estaba bien; pero tanto, molesta. De un extremo al otro en sólo noventa minutos.
Debido a su baja recepción, no fue estrenada en varios cines del mundo y fue a parar al mercado del directo a video. En consecuencia, y así lo marcan las imágenes gore mil veces vistas, es éste un buen momento para poner a descansar al género zombie por un tiempo. Eso sí, pese a altibajos como este, que conste en actas que la corona de campeón sigue y seguirá perteneciéndole al bueno de George A.

¿Quién es esa chica? Hailee Steinfeld

2011-07-17T20:56:00.001+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2011
Hailee Steinfeld

¿Quién es esa chica? | Hailee Steinfeld

En HC, desde su rol en True Grit, le debíamos dedicación periodística a la buena de Hailee Steinfeld. Ahora, ya más grandecita y apunto de protagonizar el star-crossed lovers por antonomasia, Romeo y Julieta, le otorgamos el espacio que se merece, al que sólo los primores acceden: estos perfiles.
Por Hernán Panessi

En el programa The Tonight Show, el histórico late-night de la cadena NBC, su conductor, Jay Leno, le preguntó a Justin Bieber si se codeaba con alguna celebridad. El cantante de “Baby” y “One Less Lonely Girl”, famoso por ser el nuevo ídolo mundial de las adolescentes, respondió que había conocido a Angelina Jolie. Perfecto, hasta acá todo en orden. El pibe sabe lo que es bueno, pero su comentario resultó más un guiño cholulo que uno de levante. “También conocí a Hailee Steinfeld. Ella es muy bonita y tiene mucho talento”, comentó, teniendo como antecedente la presentación en conjunto en los Golden Globes 2011. Y atención con esto. No pasó un segundo hasta que la “prensa rosa” ya los estaban vinculando sentimentalmente. Es que, a falta de Kristen Stewart y Robert Pattinson –quienes ya tienen 24 y 21 años, respectivamente; y, por ello, al quedar “viejos”, ya han sido supurados por ese mismo star-system que los fabricó y ahora los confecciona cada vez más menudos- buenos son los Bieber y Steinfeld. Por supuesto que el rumor se fue con el viento, pero con él quedó claro que, a raíz de ese meta-mensaje, se autopropulsaron hacia lo más alto del idilio juvenil.
Por eso, pongámosle atención a Hailee Steinfeld, y no es que Justin no lo merezca pero ese será trabajo de otro tipo de publicación, quien, con sólo 14 años, ya actuó en dos series, cuatro cortometrajes, un telefilme y dos películas. Menudo currículum para alguien que apenas está entrando en las problemáticas de la mocedad. Hailee, que pertenece a la nueva camada de niños prodigio junto con Jada Pinket Smith, Kodi Smit-McPhee, Abigail Breslin, Chloë Grace Moretz y el mismísimo Justin, parece estar un pasito por encima de todos ellos. No necesitó más que de su propio talento para distinguirse entre la manada. Para aquel desgraciado que no la conoce, Hailee es la adorable niña de True Grit, adaptación de la segunda novela de Charles Portis, dirigida por los Hermanos Coen, papel por el que estuvo nominada a los Premios Oscar como Mejor Actriz de Reparto –y aquel que ganara Melissa Leo por The Fighter, cuando sabemos que para conocer de cine hay que ir a contrapelo de los Oscar-.
Podríamos decir, sin miedo a arriesgar, que Hailee será la nueva Lolita que arribará desde Hollywood. De hecho, ya se barajó la posibilidad de que aparezca desnuda en la nueva adaptación de Carlo Carlei sobre la tragedia de Shakespeare, Romeo y Julieta. Menuda jugarreta han hecho los productores del film. Ahora se desdicen con que “el papel estaba pensado para una chica de 20 años, por eso se quitaron todas las escenas sexuales”. Quedan todas las dudas. De lo que no quedan dudas es de la particular belleza de la jovencísima Steinfeld, de airecito a la primer Mila Kunis. Su mezcla de genes filipinos, afroamericanos y europeos la convierten en una gema única, selecta. Tan selecta como ese grupo trendy que es el de famosas con diastema, y que tan bien les queda, por cierto, compartiéndolo con bellezas de la talla de Georgina Jagger, Lara Stone, Madonna y ni más ni menos que Brigitte Bardot. Háganse a un lado las factorías de popstars y las celebrities made in Disney, aquí hay una actriz mocita con talento natural. “Es muy joven para mí”, dijo el agrandadito de Bieber. No sos digno, maestro.

Perfíl de John Carpenter

2011-07-17T20:44:00.002+02:00

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2011
Tapa
UNO
DOS

Perfiles | John Carpenter

Vuelve el maestro del horror. Regresa a las andadas John Carpenter, uno de los directores más influyentes de todos los tiempos, quien, después de un parate, estrena su opus número veintiuno: Atrapada. Por eso, HC se entromete en lo más profundo de la oscuridad y te cuenta todo acerca de este genio del terror moderno.

Por Hernán Panessi

UNO
Impulsado por el bello y perverso encanto universal de hacer listas, ya lo trató el genial Umberto Eco a través de El vértigo de las listas, John Carpenter divulgó la suya acerca de sus 5 películas favoritas de todos los tiempos vía el sitio Rotten Tomatoes. Ahí, el director de joyas de culto como Escape de Nueva York y Viven, elegía como destacados a filmes universalmente reconocidos, sin sorpresas ni sobresaltos más que el de recomendar, por ejemplo, a los Hermanos Coen –ya no son ninguna novedad sino, más bien, una fija- y admitirse fanático del género western –siendo un admirador confeso, desde sus comienzos, de Howard Hawks-. Su lista, y es que siempre resultan ombliguistas de quien las compone, (¿o no James Joyce que vos hiciste una con todas las cosas que tenía Leopold Bloom en el cajón de la cocina en Ulises?), incluía a clásicos como –anoten, ¡es una orden!- Sólo los ángeles tienen alas, Rio Bravo, Ciudadano Kane, Vértigo y Blow-Up. Aprendiendo de cine viendo cine. Y es que Carpenter no sólo tuvo formación asistémica y lúdica, sino que, además, se forjó con los mejores en la Universidad del Sur de California, donde se han graduado pichones de la talla de John Wayne, George Lucas y Robert Zemeckis. Siguiendo con esa visión norteamericana de la vida, el ideal del imperio, be the best you can, trató de ser el mejor y vaya que lo consiguió. Aunque, ojo, a buen alumno buen maestro, y que ser el mejor no signifique ser el más delicado políticamente, lo concretó de la mano de tipos como John Ford, Alfred Hitchcock y Orson Welles. Por eso, Quentin Tarantino, el Gran Hermano del cine, otro ávido en esto de hacer listas, ha dicho que Halloween, obra cumbre de Carpenter, se encuentra en el top 5 de sus grindhouse films y que La cosa de otro mundo es una de las películas más cool de todos los tiempos. De ahí, tal vez, que nos guste ser voyeurista de las listas, porque expresan los gustos de cada uno y hasta, como el caso del gran Carpenter o mismo el de QT, su aprendizaje significativo. Todos tenemos derecho en la vida, y por lo menos debemos hacerlo una vez, de hacer nuestras propias listas; pero cuando hablan los que saben, escuchamos...

DOS
[...] Percibimos, prestamos atención. En palabras de Pierre-Joseph Proudhon, revolucionario y filósofo político francés, “Históricamente, el anarquismo se centra en el individuo y en la crítica de su relación con la sociedad, su objetivo es el cambio social hacia una sociedad futura”, y aquí aparece la inflexión crítica de su obra. Palabras que, parece, nuestro anarquista favorito, John Carpenter, siempre más cerca de George Romero que de Wes Craven y David Cronenberg, ha tomado al pie de la letra para encarar su laboro como cineasta. Criado en los 60s, tiempos de profundas revueltas sociales en Norteamérica –los asesinatos de JFK, Robert F. Kennedy y Martín Luther King, la Carrera por el Espacio, la Crisis de los Misiles, la intervención de Estados Unidos en Vietnam- e influenciado por los 70s –el escándalo de Watergate, la renuncia de Richard Nixon y, aquella gota que rebalsó el vaso, la pérdida de la Guerra de Vietnam-, sus películas, que siempre demostraron las muecas de los modos de vida yankees, atentan violentamente como una tenaz ruptura al american way of life. Lo catapultan como un anarquista individualista, un ser liberal. Cuestión, ella, que por prepotencia de trabajo, o por diferenciación ideológica, lo ha llevado a convertirse en un autor clásico, aunque ha tenido que soportar el paso del tiempo para ser recuperado y legitimado. Profusa es la intención política detrás de sus películas y ahí sí que no se salva nadie. Cualquier institución de orden social que intente organizar el comportamiento de los individuos ha sido objeto de su atención. De esta forma expresa su anarquismo y es cierto que no hay mejor manera. Así, las autoridades sociales como la Iglesia –caso, Vampiros-, la policía –caso, Asalto al precinto 13-, los adultos –caso, Halloween-, las instituciones capitalistas, los modos de consumo y los gobiernos republicanos –caso, Viven- o, incluso, cualquier entidad de peso que usualmente debería ser respetada –caso, En la boca del miedo, donde todo lo que uno cree puede venirse a bajo-, son tomadas por JC para demostrar la crueldad, la estupidez y las deficiencias de sus implementaciones. Por eso, la proyección de Carpenter en pantalla termina siendo, la transferencia, con permiso de Freud, su Snake Pliskken (magistralmente interpretado por Kurt Rusell en Escape de NY y Escape de LA). Por eso, siempre da la impresión de no creer en nadie. Por eso, y por muchas cosas más...

TRES
[...] Decir que Atrapada es una película menor u otra Serie B casposa es sumamente injusto. Y más a sabiendas que la peor película de Carpenter podría ser la mejor película de cualquier otro director. Es éste un thriller de horror ambientado en el año 1966, en el que una mujer queda internada después de fantasmagóricos incidentes. Dicen que será la catapulta a un proyecto más ambicioso llamado L.A. Gothic, obra que de cualquier manera lo saca a lustre después de casi 10 años de inactividad, renegando siempre sobre cómo funcionan los estudios y volviendo a trabajar de manera independiente. Fue Mick Garris, conocido por ser adaptador de las novelas de Stephen King, quien con su Masters of Horror lo convenció para que vuelva a filmar, después de la fallida pero encantadora Fantasmas de Marte. En Atrapada se notan sus obsesiones, se perciben allí sus intenciones de siempre. No faltarán el nihilismo, ni las amenazas sobrenaturales, ni las patadas a los tratamientos psicoterapéuticos in extremis (link directo con Halloween), ni siquiera esa predilección por degollar cogotes. Sorprende, desde luego, con un gran giro sobre el final y con un terrorífico manejo del factor climático. Es cierto, no termina siendo una genialidad. Muchos señalan que firmada por otro director sería intrascendente; emergiendo su frase de cabecera, que le calzaría perfecto a tal situación: “El Terror siempre va a existir, el género terror nació con el cine, todos tenemos miedo, todos le tememos a las mismas cosas”. Sin embargo, pese al capricho de los escépticos, Carpenter sigue distinguiéndose sobre el resto, diga lo que diga, haga lo que haga y filme lo que filme. Por eso, y ahora sí, este es el último de los condicionales que empleo, Atrapada será vista en unos años como una fina masterpiece digna de uno de los mejores directores de cine en la historia y primera en la lista del siguiente cinéfago circa 2020.

Review del libro Gaturro y la maldición de Tutangatón

2011-07-17T20:37:00.001+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Julio 2011
Review

Gaturro y la maldición de Tutangatón

Argentina, 2009
AUTOR Nik
EDITA Primera Sudamericana
PÁGINAS 128
PRECIO $27
STATUS en venta

Resulta que La tía abuela de la familia de Gaturro cumple noventa pirulos, y por eso su familia le regala un jarrón del mercado de pulgas. El jarrón en cuestión hace las veces de puerta mágica al Antiguo Egipto llevando a Gaturro varios siglos atrás en el tiempo. Una vez ahí se enreda con distintos personajes y situaciones entre pirámides, faraones y (hasta) alguna que otra traición.

¿Qué onda? Lejos del Gaturro politizado, ahora el personaje de Nik emprende aventuras y se engancha en problemas amorosos orientados a chicos (y grandes, claro que sí). Gaturro y la maldición de Tutangatón, tercera historia de la serie después de “El misterio de las cinco Ágathas” y la “Mansión del terror”, es un trip entretenido que hace que te morfes el libro de un saque.

¿Qué aprendí con este libro? No hace falta dinero y visas para viajar, solo saber revolver en las ferias de garage.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Cualquiera de los anteriores

La-Cosa-Matic: Pintado al óleo; Be cool, Rolo.

Nota de Los Pitufos (The Smurfs, 2011)

2011-07-17T20:03:00.002+02:00

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Julio 2011
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Llega la película de Los Pitufos y nuestro mundo se convertirá en un todo azulado, “apitufado” para la ocasión. A raíz de ello, Hernán Panessi se ceba mal y se tiñe el pelo como el Potro Rodrigo en sus buenos tiempos sólo para contarte cómo será la próxima aventura del consorcio de duendecillos más populares del planeta.

“Ay, cómo odio a Los Pitufos, los exterminaré, los exterminaré a todos aunque sea lo último que haga, lo último que haga...”, esa frase, pronunciada hasta el hartazgo en el programa de TV, rechinando desde los tiernos 80s, sonaba como la amenaza más resentida de todos los tiempos. ¿Qué era lo que llevaba a un viejo mago a odiar tanto a unos tiernos chiquitines azulados? La respuesta a ello tiene miles de interpretaciones, pero lo interesante, aquí, no es la simbología de sus palabras, sino la producción que efectivamente ha dejado este invento franco-belga hasta nuestros días.
Como sabrán, el dibujito original, de reconocido éxito alrededor del mundo, y de sobresaliente papel en la República Argentina durante los 90s, data del año 1981, aunque su génesis radique en las páginas del semanario francés Le Journal de Spirou, en 1958. Fue allí, en concreto, cuando Pierre “Peyo” Culliford creó a estos peculiares personajes de legitimación instantánea. Entre el ’81 y el ’90, Los Pitufos cosecharon 9 temporadas con un total de 256 episodios. Ahora, después de treinta años del nacimiento del cartoon, y siguiendo a un legado de 16 videojuegos para diversas consolas, 2 largometrajes animados, 300 millones de figurines vendidos, más una buena cantidad de singles y álbumes editados, llegan –por fin y con justicia- Los Pitufos –en 3D, por supuesto, y es que de otra forma sería hoy impensado su advenimiento- a la pantalla grande, en lo que significará, según parece, una novedosa trilogía.
En este nuevo filme, y ya durante la primera escena, ambientada en la época original, Gargamel descubre la aldea mágica de Los Pitufos y los dispersa por el bosque. Por desgracia, Clumsy, un nuevo y valiente personaje, seguido de otros Pitufos, se equivoca de camino y se adentran en una ruta prohibida. Hay luna azul, y hay, también, un portal mágico que los transportará al medio de Central Park. Los Pitufos deberán encontrar una forma de retornar a su aldea antes que Gargamel les siga la pista, refugiándose en una casa y obteniendo ayuda de un joven matrimonio, personificado por Neil Patrick Harris y Jayma Mays.
Los Pitufos (The Smurfs, 2011) es una película que combina la acción live-action con imágenes generadas por computadora. Esta cinta es dirigida por Raja Gosnell, director ávido de entrometerse en productos destinados al público infanto-juvenil. Por su parte, será ésta la primera película con insertos en carne y hueso de la franquicia. Después de cinco años de negociaciones, Jordan Kerner, productor del film, compró los derechos en 2002. Así fue en desarrollándola junto con Paramount Pictures y Nickelodeon Movies hasta que Columbia Pictures y Sony Pictures Animation, vía el presidente del consejo: Lynton Michael, quien creció viendo Los Pitufos en los Países Bajos, obtuvieron los derechos cinematográficos en el año 2008. De esta manera, no sólo los ejecutivos caprichosos por cumplir sus sueños de verlos otra vez se harán realidad, sino los de toda una generación de pibes con amor hacia ese notable color primario que es el azul pitufo.

Mitos y leyendas: 10 Frutas y lecturas que pululan en torno a Los Pitufos
1. Los Pitufos vivían en Amanita Muscarias, hongos que suelen encontrarse en grandes hábitat, que matan a las moscas y que contienen, además, efectos psicoativos más potentes que el mismísimo LSD.
2. Dicen que Peyo, para conseguir consagración, le vendió su alma al Diablo. Hablando de eso, Papá Pitufo, vestido de gorra roja, sería su representación. Guillermín montaba una cabra, otro de los símbolos de Satanás.
3. Durante mucho tiempo se corrió la bola que algunos de los productos cobraban vida por las noches (¡!). Hay una historia que implica sábanas, cortinas y tapices y una madre muerta digna de investigar.
4. Gárgamel sería, en realidad, un cura católico. Su casa era una iglesia en ruinas y su padrino, Baltasar, según su tono avioletado y su anillo frecuentemente besado, un obispo. Azrael, su gato, representaría al Ángel Vengador.
5. Cada una de Los Pitufos significarían los 7 Pecados Capitales. Soberbia: Fortachón, Avaricia: Egoísta, Gula: Glotón, Lujuria: Pitufina, Envidia: Filósofo, Ira: Gruñón, Pereza: Perezoso.
6. Lectura sexual: La Pitufina, única mujer entre muchos hombres, fue creada por Gárgamel. Cuando estaba con él era fea y malvada. Fue Papá Pitufo quien la hizo bella y bondadosa. Representación del sexo dentro y fuera de la Iglesia.
7. Los Pitufos vivían en un estado comunista. Tenían un único líder, Papá Pitufo, ¿Lenin?, que era quien decidía qué hacer y qué no dentro de su comunidad. Todos eran iguales y cada uno tenían una labor específica en la sociedad.
8. El brujo Gárgamel y su gato Azrael significaban el capitalismo. Gárgamel requería a Los Pitufos para practicar la alquimia: transformar el plomo en oro, otrora Dios del capitalismo.
9. En la misma línea investigativa que el comunismo, pero bajo otro enfoque, se cree que eran Nazis. Su enemigo, Gárgamel, tendría ascendencia y fisonomía judía estereotípica. Links visuales y estéticos con el Ku Kux Klan.
10. Para conservar la idiosincrasia cristiana y los principios del capitalismo, se instaló desde los medios un mito haciendo alusión a Los Pitufos como símbolo de mala suerte y mufa, en plan de hacerlos desaparecer.

Influencia de Los Pitufos en la Argentina
○ Pitufo Enrique: Leyenda urbana oriunda de Catamarca, popularizada y exagerada por el Canal Crónica TV en el año 2000. Relataba, supuestamente, la aparición de un ser malvado y pequeño que, dicen, se les apareció a unos policías y mató a 3 personas.
○ “Soy Pitufo, pero no Bolufo”: Durante 1985 el genial Alberto Olmedo protagonizaba el ciclo No Toca Botón. Uno de sus entrañables personajes era el de El Pitufo, un pitufo que jugaba a ser tiernecito para aprovecharse de las chicas de turno.
○ El Proyecto del Pitufo Enrique: En la fiel línea independiente de Elvira Serio, responsable del sello Videotomía, llega esta película mezcla de Blair Witch catamarqueño y pornografía gonzo. ¿El resultado? Tremendamente bizarro.

Petisos VIP: Los Pitufos más reconocidos
Papá Pitufo: Líder y oráculo de la aldea. Habilidad para hacer hechizos.
Pitufina: Su interés pasa por cuidar y querer a cada uno de Los Pitufos.
Vanidoso: Tan elegante como metrosexual. Mejor amigo de Pitufina.
Filósofo: El cerebro de la aldea, el pensador. El más testarudo de la banda.
Gruñón: Es el antisocial, el cascarrabias. Lleva siempre cara de culo.
Tontín: Bobo pero amable. El más entrañable y querido por Los Pitufos.

La Cosa respeta la pluralidad, protege a las minorías y se pregunta: ¿Por qué el mundo no quiso nunca a Los Snorkels?
Es por todos sabido que Los Snorkels no han pegado comercialmente porque, de movida, fueron considerados como “Los Pitufos acuáticos” y, tal como acostumbra el imaginario infantil, no se tolera la competencia de los popes conceptuales. Aquí, siempre suelen haber monopolios temáticos y ejemplos de ello sobran: de soldados tenemos a los G.I. JOE, de gatos y perros a Ren y Stimpy, deportivos a Los Supercampeones, de héroes mutantes a los X-Men y así podríamos estar hasta mañana. En esa misma lógica, no están legitimados ni Los Mercenarios, ni Cat Dog, ni Slam Dunk, ni Wild Cats, ni ninguno que ose de utilizar una idea preconcebida. Entonces, supurados por continuar con la fama de enanos viviendo en comunidad, y a sabiendas que el mundo despreció a una serie que tenía como protagonistas a unos bichitos con snorkels en la cabeza, la raza humana no tiene perdón. ¡Snorkels en la cabeza! ¿Se entiende? Vender la idea de, por ejemplo, Bob Esponja ya puede resultar ridícula –esponja amarilla que vive bajo el mar-; ahora, intentar comunicar la de Los Snorkels resulta gloriosa –snorkels colorinches que viven bajo el mar-. Si los parodió Family Guy no han de ser tan malos. La Cosa banca a Los Snorkels a morir. ¡Que vuelvan los pitufos del agua! ¡Queremos la película de Snorkilandia en 3D ya mismo!

Entrevista por VideoFlims en Revista Cielos Argentinos

2011-07-14T01:54:00.003+02:00

MEDIO: Revista Cielos Argentinos
FECHA: Julio 2011
01
02
Conseguíla en PDF acá

Mención en el staff de Revista Irrompibles

2011-07-09T02:49:00.002+02:00

MEDIO: Revista Irrompibles (versión online)
FECHA: Julio 2011
Mención entre las plumas del #3

Mención de la crítica de Medianoche en París en Diario El Intransigente

2011-07-09T02:46:00.001+02:00

MEDIO: Diario El Intransigente (Salta)
FECHA: Julio 2011
Mención de la crítica con fuente

Nota sobre la reapertura del Cine Cosmos

2011-07-07T23:54:00.003+02:00

MEDIO: Revista 24 Cuadros
FECHA: Julio 2011
Nota página 01
Nota página 02

Vuelta a los orígenes

De la mano de la Universidad de Buenos Aires regresó el Cine Cosmos. Y su venida, en consecuencia, significa el retorno a la actividad de uno de los patrimonios culturales más característicos del país; demostrando cómo, de paso, con el debido apoyo de las instituciones, la identidad nacional puede por fin preservarse.

En cosechas de numerosas derrotas culturales, argot contemporáneo para medir las pifias del designio maltrecho por la TV basura, los ídolos de barro y los reality shows como chorizos, donde se prefieren los complejos multipantallas insertos en globalizados shoppings a la calidez venida a menos del cineclubismo o del cine de barrio, cuando las tribulaciones económicas 2.0 o la desidia comercial toman fuerza, la reapertura de un cine clásico, ese espacio transgeneracional sin época ni edad determinada, materializa una noticia que zumba de forma hercúlea en cada uno de los focos del show business vernáculo.
Resulta que un cine clásico no es sólo una sala cualunque sino todo lo que allí transitó, transpiró y germinó, e incluso, esta concepción aumenta muchísimo más, claro que sí, cuando esa sala, pequeño detalle, tiene más de 80 años de vida, siendo testigo ¡y participe!, por supuesto, de un tramo importante del devenir cinematográfico local. Así es, por fin retornó un grande conservando la finura y maestría que en algún momento amenazó perder, vuelve a las andadas el Cine Cosmos, aquel mítico lugar en el que la efervescencia cultural dio pie con bola en casi todas sus intervenciones con la Historia, salvo –obviamente- cuando los espectadores, novios poco fieles, no le fueron del todo inseparables en algunos tramos del cuento.
Parece improbable que ese edificio art decó ubicado en la Avenida Corrientes al 2000, inaugurado en el año 1929 y adquirido allá por el ’55 por Isaac Argentino Vainikoff, caballero de la distribución, fallecido hace casi una década, espacio venido al mundo originalmente como Teatro Cataluña y emblema del cine arte, haya funcionado, no hace mucho tiempo atrás, aunque lejos de sus añoradas épocas de oro, como órgano de la decadencia cultural y del desperdicio por el patrimonio histórico identitario: por un lado, como templo evangelista regenteado por el Pastor Giménez; y por otro, como boliche bailable, la recordada Halley Discoteque, primero situada en la calle Maipú y luego, previo vaciamiento de filmes soviéticos y películas vanguardistas de a montón, aglutinó a heavys y rockeros sobre las veredas de Av. Corrientes.
Tiempo después, cuando la amarga hiel insinuaba convertir al Cine Cosmos en restaurant chino, estacionamiento o bingo menemista, aparecen las instituciones, siempre necesarias para preservar la identidad nacional y popular. Tras una impresionante inversión inicial de 2.5 millones de dólares, fue la Universidad de Buenos Aires, en un maniobrar de notable hidalguía, la encargada de revivir este monstruo de 3300 metros cuadrados, comprándole el edificio a Luis Vainikoff, hijo de Isaac, último propietario de la sala y del edificio que la alberga, tras el último “cierre temporal” devenido “cierre para siempre”, según su testimonio circa 2009.
Sostenido en renovados vientos de cambio, el ahora bautizado Cosmos-UBA, quien reabrió sus puertas el martes 9 de noviembre del 2010 y ya remodeló sus dos salas de exhibición (una principal de 200 butacas y otro microcine anexo de unos 30 asientos, aún sin habilitar, que será destinado para funciones privadas o presentaciones de capacidad reducida), está capitaneado por el escritor y periodista Juan José Becerra por expreso pedido del Rector de la UBA, Ruben Hallú, en su segundo mandato. Allí, siguiendo una tradición histórica “se le da oportunidad al cine por sobre el mercado”, según reza el mismo Becerra, autor del libro Grasa: Retratos de la vulgaridad argentina (Editorial Planeta, 2007), otrora periodista deportivo, crítico cinematográfico y analista político; todas disciplinas vinculadas al campo de la escritura.
En sintonía con la sugerencia propuesta por la universidad de darle continuidad al legado de los Vainikoff, Becerra, sumado a la colaboración de la coordinadora Mabel Loschiavo más la reivindicación en su puesto del legendario operador cinematográfico Julio Barragán, en otra de las gestiones de preservación patrimonial más importante de los últimos años, dice que “el Cosmos otorga un espacio para lo no comercial”, logrando –en apenas pocos meses- teñir la programación del lugar con el matiz que en verdad necesitaba: el de la curaduría de qualité, sujetada en el apoyo sistémico de una institución corpulenta, más algunas donaciones específicas del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (caso: un proyector digital cedido mediante la firma de un convenio de cooperación), acompañada por el siempre seductor vaivén de la entelequia “cine independiente”. De esta forma, por sus cabinas y asientos ya pasaron varias películas festejadas por el indie argento –desde Ocio (Juan Villegas y Alejandro Lingenti, 2010) hasta La Casa por la Ventana (Esteban Rojas y Juan Olivares, 2010), desde Bummer Summer (Zach Weintraub, 2009) hasta Rembrandt’s j’acusse (Peter Greenaway, 2008), se ejecutaron festivales especializados como la Semana de la Crítica, organizada por la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI), fue una de las sede satélites del BAFICI 2011 y dicen, es una posibilidad, también lo será del Festival Buenos Aires Rojo Sangre, centrado en lo mejor del cine de género mundial, acostumbrado a funcionar en el Alamo Drafthouse de Microcentro: el Monumental Lavalle. Además, por otro lado, tiene previstos una serie de cursos, clínicas y talleres dictados por Sergio Wolf, actual director del BAFICI, Mariano Llinás y Alan Pauls; también, en un futuro a corto plazo, retomarán las funciones del Cine Club Núcleo, funcionará una pintoresca cafetería (de la que se espera salga en breve su concesión), programará una retrospectiva del director Martín Rejtman, un ciclo de cine arte infantil, una buena cantidad de material procedente de la universidad, entre otras actividades notablemente ajenas al vetusto circuito comercial.
Una programación con ofertas plurales que federalizan contenido y que, aun, pese a no contar con blockbusters norteamericanos ni filmes taquilleros por default, se las arregla para ser atractiva y, sobre todas las cosas, para funcionar como bastión cultural porteño, extensivamente nacional. “Es una manera de devolverle a la sociedad una oferta histórica de cine alternativo; una contribución a la historia del cine y al pensamiento crítico”, sentencia Becerra a la sazón.
Esta vez, parece, que los espectadores entendieron definitivamente el código o empatizaron con él. Ya fueron varias las funciones agotadas y el apoyo de la opinión pública es cada vez mayor. De a poco, sin prisa y con calma, el espectador promedio está volviendo a confiar y sentirle el gustito a esa preciada tríada costumbrista de “cafetería antes de entrar a las salas, un buen filme en pantalla grande y pizzería al salir”. Sí, después de años de comida chatarra y entradas seriadas digitalmente, emerge una segunda vía de visionado en la estandarizada palestra del mercado. Celebremos que no es poco, volvió el Cine Cosmos.

El shopping: la máxima colonización de la globalización

2011-07-06T04:45:00.004+02:00

MEDIO: Fanzine Planeta Z (Chile) / Fanzine Arterias de la Ciudad (Argentina)
FECHA: Octubre 2010 / Julio 2011

Versión Planeta Z (Chile)
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Versión Arterias de la Ciudad (Argentina)
Tapa
Nota

El shopping: la máxima colonización de la globalización

“Mentes maestras nos tienen atontados. Dicen: entrá que está climatizado”
Babasónicos – El Shopping (Miami, 1999)

Si se definiera a lo moderadamente exitoso, en el termómetro de hoy, podríamos decir que significaría: tener un buen trabajo de oficina, una obra social pre-paga y, como mínimo, gozar de vacaciones una vez al año. Okay, precisemos la acepción de “esclavo moderno”: Joven profesional de una multinacional. Buen sueldo, nadie lo niega. Trabaja 16 horas por día. Apenas le da el tiempo para comer. No tiene sexo. Seguro podrá comprar un par de zapatos en un shopping. ¿De vivir? No, eso es para otros.

Devastación subjetiva, gente mata sin motivos. Sí, sin causal. Los medios de comunicación masiva insisten en esta figura. “El goce por el asesinato”, dicen.

Hay algo que es, desde el avance sociológico, cierto: la inscripción e inserción del sujeto en la cultura implica el “no” al incesto y el “no” al parricidio. A partir de esas dos prohibiciones se ingresa a la cultura. Se resuelven Edipo y Electra, ambos complejos de la neurosis que, no es casualidad, están relacionados con que un humano pueda asesinar en el primer grado de filiación. “El niño mata porque es cruel”, dirá Sigmund Freud, allá por el año 1905, en sus ensayos sobre teoría sexual. ¿La segregación globalizadora guardará vínculo con ese agregado de sentimientos y emociones infantiles?

Para que el ser humano tenga reconocimiento de sí mismo, necesita del otro. Y ese otro debe estar inscripto en un grupo simbólico. ¿Alguien se puso a pensar en cómo la interdependencia mundial posicionó a los shoppings como elucubradores de grupos simbólicos, como proveedores de objetos de status y poder?

La máxima colonización la ejerce la globalización. Su elegante brazo armado: el shopping. Se ofrece: sofisticada química a la venta. Lo transcultural como idea central. Las poblaciones nativas soportaron un durísimo proceso de transformación de lo legítimo e ilegítimo. La usurpación de tierras se convierte en algo legítimo, lo mismo sucede con, por ejemplo, las lenguas nativas: desaparecen, nada afecta. ¿Qué es lo normal cerca de estar en el fin de la historia?

Preocupa. La fetichización de la mercancía y del logo, preocupan. Los procesos simbólicos muestran el paso de lo ilegítimo a lo legítimo. El semejante también es enemigo, entonces: “a ver en qué me diferencio”. El shopping se convierte en un preservador de la especie, en un germen virósico sumamente diabólico. Bajo este contexto, el precio es el trauma social, claro está. Cuánto tienes, cuánto vales.

¿Cuál es la diferencia entre un niño y un adulto? Según Jacques Lacan: La responsabilidad del goce. No sólo el niño “quiere shopping”, el adulto “quiere shopping”. La sublimación del deseo en pulsiones de compras compulsivas (¿o serán, mejor dicho, pulsiones de muerte?) son moneda corriente. El inconsciente individual sostiene las consecuencias del inconsciente colectivo. Todos gastan, poco importa el otro. Total, ¡soy el ombligo del mundo!

La educación ordena, y el resto lo hace la policía o, tal vez, si tienen suerte, la psiquiatría. Está más que comprobado: vivimos infantuados, creemos que somos lo que no somos. Si existen los shoppings, es porque, definitivamente, vivimos infantuados. Creer que la marca somos nosotros... Exiguos controlan las recetas, pero: nosotros no somos la marca. La complicidad es falsa, señores.

Soy, en la medida que me la creo. Algo así vendría a ser la infantuación. No se sostiene del todo porque los tiempos son veloces. La identificación prestada por signos es insignificante al lado de un asesinato, eso es indiscutible. Ahora... si el exceso de identidad en el grupo segrega a todos los demás, y en consecuencia aparece la brutal dicotomía entre “los que tienen” / “los que no tienen”, ¿cómo no pensar en instintos asesinos de un grupo hacia otro o, que no asombre, dentro del mismo grupo? Su diferencia hace el signo: pertenecer o no. Odio.

¿Qué tiene que ver esto con el shopping? ¡Pues absolutamente todo! El corporativismo es el Dios moderno. ¿Sacrilegioso? La sangre derramada por los colonizadores es más que obvia: Colón no descubrió América, ¡fueron los distritos comerciales!

Nota sobre "Cine en vacaciones de invierno"

2011-07-05T00:51:00.001+02:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine (versión digital)
FECHA: Julio 2011
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Cine en vacaciones de invierno

Llegan las vacaciones de invierno y, junto con su presencia, muchas opciones cinematográficas para los más chicos. Aquí, un panorama con los highlights del séptimo arte infantil.

Si hay una época en que la industria llena sus carteleras de blockbusters y, con ello, se promueven hordas de espectadores, esa es la de recesos de mitad de año. Allí, una notable cantidad de films yerguen para tomar por asalto el mercado del cine. En tanto, del 18 al 29 de julio significará el turno de las vacaciones escolares para alumnos de Capital Federal y las provincias de Buenos Aires, Chaco, Santa Cruz y Catamarca; del 4 al 15 de julio tendrán en Córdoba y Santa Fe; y las demás, obtendrán las suyas del 11 al 22 de julio. De manera que, coincidiendo calendarios, varias son las películas que se estrenan en Argentina, aprovechando el tiempo ocioso. Tradicionalmente, el período de vacaciones de invierno es el más rentable del año; por esto, las distribuidoras se ponen a tiro para mostrar productos infantiles tanto nacionales como internacionales.
A raíz de tal advenimiento, bajo el contexto de vacaciones invernales, continúa con fuerza el boom del 3D con Transformers: El lado oscuro de la Luna, donde los Autobots vuelven a la acción luchando contra los malvados Decepticons. Además, en este schedule marketinero no puede faltar jamás Disney, cuyo plato fuerte, mediante Pixar, resultará Cars 2. Es ésta la secuela del ya clásico film de John Lasseter, en la que los autos de carrera parlantes participarán del “Grand Prix Mundial”. Por su parte, la Warner Bros. arremeterá con Harry Potter y las reliquias de la muerte (parte 1 y 2), el binomio final de la historia del mago creado por J.K. Rowling, con el que esperan romper la taquilla emulando, por caso, al sistema de consumo literario: 8.3 millones de ejemplares vendidos durante el día de lanzamiento, sólo en los Estados Unidos.
También Fox aportará lo suyo con la última del siempre convocante Jim Carrey, Los Pingüinos de Papá, en la que un hombre de negocios comienza a cambiar de vida cuando hereda seis pingüinos, convirtiendo su apartamento en un paraíso invernal. Otra de las ofertas para este invierno será Los Pitufos 3D, vía Sony y Columbia, donde los azules deberán convivir con los humanos y sobrevivir al malvado Gárgamel.
Como todos los años, además, se prolonga la competencia del mundo de los comics norteamericanos a la pantalla grande: Marvel vs. DC, DC vs. Marvel. Así llegarán, por un lado, Capitán América: El Primer Vengador, donde un héroe patriótico defenderá los ideales estadounidenses. Por otro, Linterna Verde, en el que un hombre recibirá un misterioso anillo verde que le dará poderes sobrenaturales para proteger al universo.
Para los más grandes, habrá una irrechazable propuesta de ciencia ficción: dirige J.J. Abrams y produce ni más ni menos que Steven Spielberg. Se trata de Super 8, uno de los estrenos del año, en el que un grupo de amigos se embarcarán en una aventura después de ser testigos de un dramático choque de un misterioso tren de carga.
La cuota argentina dirá presente de la mano de Topa y Muni, simpáticos presentadores de Disney Junior, con Hermanitos del Fin del Mundo, quienes intentarán salvar a un hogar de niños de Ushuaia en una mágica andanza. Junto a él coexistirá un segundo filme criollo, Las aventuras de Nahuel, que mezclará acción real con títeres. Y, desde el viejo continente, asomará Melanie, la fea, película francesa que vendrá, pareciese, como un remanente a tapar algunos agujeros de programación.
En resumen, arribarán a nuestras carteleras muchas películas de animación –se entiende que por ahí esté virando definitivamente el cine infantil, sobre todo si es con el aditamento del 3D, cuyas fijas son siempre Pixar (Cars 2) y Dreamworks (Los Pitufos y la efectiva Kung Fu Panda 2, estrenada el 9 de junio)-, pocas propuestas nacionales y satélites -sólo una comedia europea, ¡del año 2008!-, dos ofertas comiqueras de envergadura, algún que otro filme de género y muchas batallas de la mano de Michael Bay y David Yates. Según información proporcionada por la consultora UltraCine, durante las vacaciones del pasado año sucedió un record total de espectadores en una misma semana (1.776.000), superando la cifra top del 2009 (1.341.000, coincidiendo con el estreno, justamente, de otra entrega de Harry Potter). En este 2011, y teniendo en cuenta la variedad de propuestas, el cine de vacaciones de invierno… ¿podrá autosuperarse una vez más?

Crítica cinematográfica de Medianoche en París

2011-06-30T16:50:00.002+02:00

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Junio 2011
http://i52.tinypic.com/nwwzkp.jpg

CINE | Medianoche en París

Una vez por año, el inmenso Woody Allen nos regala una aventura de fuerte arraigo urbano. Esta vez, siguiendo con sus afinidades citadinas, retrata como ninguno a la ciudad de París.

Hay algo especial a la hora de la medianoche, en aquel instante arbitrariamente señalado para determinar el fin de un día y el comienzo de otro; en ese detalle sobradamente indescriptible que contiene tanto mística como magia. Tal vez por ello, Medianoche en París, flamante película de Woody Allen, siga a un joven escritor, Gil (Owen Wilson), y a su novia, Inez (Rachel Mc Adams), en una visita a la bellísima capital francesa, cuyo contexto horario sea el ligado al advenimiento de criaturas sobrenaturales: el apogeo de la oscuridad. Allí, el protagonista viajará todas las noches años atrás en el tiempo para obtener asesoramiento y la amistad de los genios literarios de la época. Esta muestra cinematográfica de Allen, cada vez más cerca de su propia redefinición como artista, sigue en su inagotable factoría del continuum, ofreciéndole al mundo la notable producción de una película por año.
Después de Vicky Cristina Barcelona, los colores de este filme están ligados en forma directa con los efectivamente utilizados en territorio catalán. Esa paleta de color beige y marrón logra una belleza en su interpretación de una París notable, prosiguiendo, además, con su trip internacional luego de, también, la Londres retratada con Match Point o la mencionada Barcelona de Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Javier Bardem. A su modo, el de Medianoche en París es el guión más original que ha escrito desde entonces. Se ve, por momentos, y ahí radica la dialéctica de su obra, como uno de sus cuentos clásicos –mezcla de las The funny ones, caso La Mirada de los Otros, Ladrones de Medio Pelo o, mismo, el episodio de Historia de Nueva York, Oedipus Wreck, con el exquisitismo estético de las últimas-, sostenido en esa falta de lógica formal que lo caracteriza, llena de enrosques absurdos y chistes afines.
Las actuaciones, en su mayoría, son correctas, sin embargo hay alguien que sobresale notoriamente, y ese es Adrien Brody, en su magnífico papel como Salvador Dalí. Por su parte, Owen Wilson cumple pero intenta, aquí, parecerse demasiado y actuar como el mismísimo Woody Allen. Como punto alto, vale mencionar que las imitaciones de todas las grandes figuras históricas –Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, Henri Matisse, entre muchos otros- se ven exactamente igual que en la vida real.
Esta es una película que, de seguro, no defraudará a cualquier espectador o aficionado al gran Allen. Es cierto que no se aproxima explícitamente hacia alguno de sus largometrajes en particular, pero está, sí, un paso adelante de, por ejemplo, El sueño de Cassandra, Conocerás al hombre de tus sueños e incluso a Scoop y a la muy recomendable, hace poco estrenada en territorio argentino, con el protagónico de otra bestia del stand-up comedy: Larry David, Que la cosa funcione. Sin embargo, si el deseo es el de disfrutar al Woody Allen crítico del psicoanálisis y la psiquiatría, al superador nato de Ingmar Bergman, al destructor de ciertas muecas sociológicas, habrá que recurrir a Annie Hall, Hannah y sus hermanas, Crímenes y Pecados, etc.
Desde el exuberante montaje de las escenas de apertura se destaca una Francia intensamente pintoresca, funcionando como una suerte de carta de amor a la Ciudad de las Luces. Medianoche en París es, entonces, una comedia romántica de marcados tintes surrealistas con ingeniosos gags cómicos, determinando, en consecuencia, una historia creativa con una hermosa imagen de la urbe. La pregunta que surge, después de contrastar a su creador con el resto de sus contemporáneos, y es que siempre hacen falta popes para marcar el pulso de las cosas, es si quedan cómicos geniales en el cine actual. Pues, quizá, resulte que Woody Allen sea el último. En efecto, hay que disfrutarlo bajo cualquier circunstancia, hasta que por fin acabe de una vez por todas con la cultura, terminando, con ello, inclusive, con uno de sus máximos creadores y desconstructores: él mismo. Y es que, por más descabellado que aparente, Woody puede hacer y deshacer lo que quiera en París, Nueva York, Barcelona, Londres o Buenos Aires, porque lo sabe absolutamente todo, a la misma altura que las figuras míticas que recupera y hace alusión en Medianoche en París.

Nota: "Anglicismos en el día a día"

2011-06-29T15:48:00.002+02:00

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Julio 2011
FECHA: Junio 2011
http://www.gamestribune.com/descargas/GTM29.pdf

Nuevos anglicismos en el habla cotidiana

Desde este humilde espacio en GTM, Hernán Panessi, nuestro columnista sudamericano, nos da su visión en defensa del fetichismo por los objetos, a sabiendas de su obsolescencia, tomando como punto de partida el avance del VoD en Argentina.

Los tiempos cambian. Evolucionan. La tecnología, y no es ninguna novedad, sigue su cause natural para adelante, para arriba o para donde quiera que vaya. Y así me sorprendió hace unos días. Hace muy poco tuve una reunión con una importante empresa de video on demand en Latinoamérica para evaluar la posibilidad de pasar las películas de mi distribuidora cinematográfica –VideoFlims Distribución, www.videoflims.com.ar- hacia esa novedosa plataforma. Y la cosa no estuvo para nada mal. Es que éste parece ser el cause natural del cine, la televisión hogareña y el mundo audiovisual. Video on demand, VoD para los amigos.
Todavía el panorama no está muy claro por estos lares. Al menos no en toda Sudamérica –aunque por ahí Chile ya metió vestigios de avance con www.bazuca.com, un portal virtual para ver pay per view legal y en alta calidad de imagen-. Los rumores que llegan desde el Norte son, por lo visto, que esta tecnología llena de bytes y con poco de esa tríada querida de “policarbonato-aluminio-plástico”, vía NetFlix, terminó por devastar la cultura del videoclub –empezando por Blockbuster y Movie Gallery-, dando un salto hacia una nueva cultura de consumo: todo tiene que ser mediante Internet, condenando a la desaparición a los lugares y los objetos. Tal decisión, para mí, que soy un nostálgico, un tipo sensible, un fetichista de las cosas, un coleccionista de memorabilia –todavía sigo comprando VHS’s en tiendas de saldos y CD’s originales-, me resulta cuanto menos curiosa la evolución, hasta podría decirles que en cierta parte me toca fibras sensibles. Suelo, por natura, rechazar los cambios abruptos. Y acá se chocan dos paralelas. El negocio (etimológicamente el negocio es la negación del ocio) y el ocio (actividades lúdicas puras y duras) se intersecan. Por un lado, es inevitable el paso a lo digital –las películas al VoD y a la altísima definición (leí en Twitter, en un dejo de genialidad, que “la cinefilia se está convirtiendo en descargar películas en 1080p”)-; por otro, y a consecuencia de ello, desaparecerían los DVDs que tanto placer me da fabricar y comercializar, pese que hace tiempo dejaron de ser un negocio –incluso, llegué a escuchar que el Blu-Ray Disc, la nueva generación de discos, nació muerto-. Está claro, es eso: neg-ocio. La posta que viene desde Estados Unidos, eterno vanguardista en cuestiones de mercadeo, es que con el video on demand se reducen los costos de producción, mejoran considerablemente las condiciones de visión y se multiplican las ganancias. O, más bien, lo que quiero decir es que yo soy un antiguo y el ocio mutó irreversiblemente hacia lo digital. No sé si quedan caciques que defiendan a ultranza lo físico, el factor fetichista de “una buena cubierta de tapa, linda gráfica en el lomo, extras variopintos y la facilidad en la manipulación”, pero habrá que acostumbrarse a que para ver una película haya que prender el monitor de la PC, el CPU, ponerse unos auriculares e introducir número de tarjeta de crédito, user y pass. Habrá que acostumbrarse al cambio, como a todo. Esto es lo que viene, si que ya no vino y sigo demorándolo en mi mente.

Mención en catálogo de la charla sobre "Distribución de cine autogestionado e independiente"

2011-06-29T04:37:00.000+02:00

MEDIO: Catálogo del X Tandil Cine
FECHA: Junio 2011
http://i55.tinypic.com/20px3cz.jpg

Presentación de la "Sección Rara Avis" para el catálogo del X Tandil Cine

2011-06-28T15:05:00.001+02:00

MEDIO: Catálogo del X Tandil Cine
FECHA: Junio 2011
http://i53.tinypic.com/2zr2agx.jpgp

A contrapelo de sistemas de producción direccionados en sostener una abulia cinematográfica demodé, el Nuevo Cine Independiente, extensivamente VideoFlims y todos los realizadores de su catálogo, significan una renovación, una bocanada de aire fresco para el indie latinoamericano.
Así, desde su visión más auténtica del cine, VideoFlims Distribución recoge esa bandera y la convierten en un provocador manifiesto, en una rotunda forma de vida. Esto viene a cuento ya que la distribuidora, en esta oportunidad presentando por primera vez en Tandil un corto y un largometraje, ha sido creada con el fin de ofrecer algo distinto en la estandarizada palestra del mercado actual, tal y como propone la sección a la que fue primordialmente invitada. Es que todavía resulta, para cierta parte de la coyuntura, una “rara avis”. Aunque, atención, y este no es un dato nada menor: aparenta de culto, sí, pero cuenta cada vez con más y más legitimación alrededor del mundo.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas
VideoFlims Distribución
Buenos Aires, Argentina

Nota sobre Qué Pasó Ayer Parte II

2011-06-26T05:26:00.000+02:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2011
Nota en gráfica

Theatricals | ¿Qué pasó ayer? Parte II

Resacón en Tailandia

Subiendo un escalafón en demencia, ¿Qué pasó ayer? Parte II continúa con el legado de fiestas zarpadas y actualiza aquellas celebraciones memorables del cine norteamericano circa finales de los 60s. Por Hernán Panessi

En el buen sentido, ¿Qué pasó ayer? Parte II es más de lo mismo de lo que teníamos en la primera entrega, aquella que había cumplido destruyendo esa histórica ausencia de atrevimiento hollywoodense, retratando –por fin- el desvarío de las parrandas salvajes. Montones de guiños, personajes y temas se presentan en diferentes formas, otra vez, después del mencionado hit del año 2009.
Sin embargo, pareciera que los guionistas sabrían de antemano que los conceptos de “segundas partes” y “sorpresas” no suelen ser, habitualmente, tan frescos ni fáciles de tratar. Así que en lugar de quedarse tibiecitos, con la enorme ciencia de seguir haciendo reír, tuvieron el valor de ir al choque con todo y contra todo. De aquí en más, para señalar la pericia de un notable Todd Phillips, su director y uno de los responsables del guión, hace un buen tiempo inmiscuido en este despelote de comedias juerguistas (con Aquellos viejos tiempos y Viaje Censurado como puntos más altos), habría que reivindicar absolutamente la entelequia “incorrección política”.
En ¿Qué pasó Ayer? Parte II, quien se casa es Stu (Ed Helms), el más tranquilo del grupo, eligiendo como destino de bodas a Tailandia, país de origen de su enamorada Lauren (Jamie Chung), llevando a todos sus amigos y parientes hasta el Sudeste Asiático. De esta forma Phil (Bradley Cooper), Alan (Zach Galifianakis), Doug (Justin Bartha) y Stu se subirán a un avión para llevar a cabo una velada tranquila. O tal vez ése no sea el plan de todos: en medio, alguien querrá llevar a cabo otra elíptica despedida de solteros. Una vez ahí, la noche antes de la ceremonia, los muchachos deciden ir a tomar una copa a la playa, llevando consigo al hermano menor de la novia, el prodigio dieciseisañero Teddy (Mason Lee).
A la mañana siguiente despiertan con otra de sus resacas infames, tan lamentable como para no recordar nada de lo acontecido 48 horas antes. Esta vez, no los acoge una suite glamorosa en Las Vegas, sino que están en algún lugar de la más roñosa Bangkok, y no es Doug el que se ha ido, es ahora el adolescente Teddy. Además, pequeños detalles: hay un mono dealer en la habitación, Stu tiene un tatuaje del estilo de Mike Tyson en su rostro, Alan está totalmente rapado, encuentran un dedo en una hielera y, de alguna manera, el Sr. Chow (Ken Jeong), el secuestrador de la primera, uno de los que se roban la película con su histrionismo y desenfreno, está allí.
La dinámica entre los personajes principales es tanto increíble como hilarante. Aquí tenemos la oportunidad de conocer más sobre los personajes y cómo se sintieron después de estar en la primera historia, aquel primer parrandeo nightlife en la pecaminosa ciudad de Las Vegas. A ello lo sostiene, por su parte, una impecable estructura de guión a lo thriller pensada para generar suspenso e intriga permanente.
Esta secuela ofrece todo lo que se espera de ella: diversión, escatología y sexo desenfrenado -¡esos travestis, por favor!-. Una de las mejores películas en lo que va del año, sin nada que envidiarle a jodas como las de Easy Rider o The Party.

¿Quién es esa chica?: January Jones

2011-06-26T04:17:00.000+02:00

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2011
Versión digital
Versión impresa

¿Quién es esa chica? | January Jones

Con Mad Men, January Jones, esa rubia dorada que jamás sería tu vecina pero sí la esposa de un exitoso publicista neoyorquino, embelesó y enamoró a medio mundo. Ahora, ante el estreno de X-Men: First Class, y con tremenda probidad divina, asoma como una de las revelaciones treintañeras más importante de los últimos cinco años. Por Hernán Panessi.

Extraña costumbre la de las listas. El dato de ocupar un puesto 82 entre las 100 mujeres más atractivas del año 2002, por ahí no dice demasiado. Sin embargo, quitando de lado esa obsesión enfermiza por catalogar todo –ella es la 82, ¿quiénes serán la 81 y la 83?-, January Jones, la nueva Emma Frost, esa supersexy blonda de trazo fino creada por Chris Claremont y John Byrne, es la Reina Blanca que veremos en X-Men: First Class. La más sofisticada entre los mutantes. Por un tiempo, además, fue la número uno de Don Draper en Mad Men, siéndole éste impúdicamente infiel, quedando relegada a un segundo lugar (paradójicamente, el 2 es el número femenino por excelencia, tal vez en justicia poética: ella sea sinónimo de la mujer).
Esta chica nacida en el Medio Oeste de los Estados Unidos, en la ciudad más grande de Dakota del Sur, Sioux Falls, un 5 de enero del año 1978, es delgadísima. Más que apta, constituida (a)simétricamente para desfiles de moda high profile. De hecho, fue modelo de la marca de ropa casual Abercrombie & Fitch –qué desperdicio, el prêt-à-porter de lujo le quedaría pintado. Y, a pesar de medir 1.67 metros, tiene piernas larguísimas. Al menos así lucen por su extrema delgadez.
Posee, según Cesaere Lombroso, aquel médico que definía a los criminales según las formas, causas físicas y biológicas, un rasgo de asesino: los lóbulos de las orejas pegadas a la cara. Cualidad que comparte, por ejemplo, sin ánimos de confrontar, aunque un poco sí, con Michelle Pfeiffer, dos veces elegida como la mujer más bella del mundo según la revista People. Ay, las listas.
Su primera aparición fue en el cine, allá por el año ’99, con It’s the Rage, adaptación de la obra teatral The Alarmist, de Keith Reddin; aunque su primerísima-primera aparición no se la debemos a la pantalla grande sino a los rayos catódicos. Sucedió en la TV norteamericana, mismo año aunque tiempo antes, en Sorority, haciendo de Number One (los números, ¿recuerdan?), lugar donde compartió elenco con la pulposa Christina Hendricks, con quien se reencontraría ocho años después en Mad Men.
Condenada a aparecer en TV movies y pequeñas películas hollywoodenses hasta el año 2003, donde Peter Segal la coloca en ese simpático filme que es Anger Managment; y, también, casi simultáneamente, siendo solicitada por Jesse Dylan, eligiéndola para ponerle el cuerpo a la imponente hermana de aquella insufrible Michelle (Alyson Hannigan) en American Wedding, la carrera de Jones iría en franco ascenso hacia las portadas de revistas y las mencionadas hotlist.
Y desde ahí no paró más. O algo por el estilo. Ha hecho Love Actually, donde siquiera aparecía en el cartel promocional; esa secuela que nadie pidió llamada Dirty Dancing 2: Havana Nights; y, bajo las ordenes de Tommy Lee Jones, actuó en ese peliculón titulado The Three Burials of Melquiades Estrada. En este 2011 ya la vimos en Unknown y pronto la veremos protagonizando The Hungry Rabbit Jumps. Todo ello hasta que un día, pronto y dispuesto él en filtrarse entre nosotros, ya no nos preguntemos nunca pero nunca más: ¿quién es esa chica? Ni tampoco haga falta mencionar que, en su momento, fue la 82 del 2002 ni nada por el estilo.

Ciclo de Cine Árabe

2011-06-19T02:04:00.000+02:00

MEDIO: RevistaDebate.com.ar
FECHA: Junio 2011
http://www.revistadebate.com.ar/2011/06/17/4069.php

CINE
Ciclo árabe
Durante una semana, del 23 al 29 de junio, se vendrá un ciclo de cine árabe en las salas del Gaumont, con cinco largometrajes y cinco cortometrajes. Una aproximación a estéticas y miradas no tan lejanas
Por Hernán Panessi

Coordinada por el DOHA Film Institute, organización oriunda de Qatar dedicada a llevar iniciativas culturales bajo una sola bandera: la de la apreciación cinematográfica, la educación y la creación de una industria dinámica regional, llega por primera vez a la República Argentina una avanzada del cine árabe. Éste tuvo, históricamente, poca difusión por estos lares pese a ser una de las primeras regiones en conocer el cine, cuando -allá por el año 1897, en Egipto- los Hermanos Lumière filmaron y mostraron sus películas. Es sabido que, en caso de estrenarse comercialmente por aquí, lo hacen en forma de remanentes a merced de los blockbusters norteamericanos y del fervoroso calendario comercial, funcionando insólitamente cual relleno, casi de la misma forma que las obras europeas (también segregadas por el grueso de los theatricals).
Ahora, dada esta circunstancia excepcional, podremos disfrutar de cinco preestrenos y cortos exclusivos. Micrófono (2010), de Ahmad Abdalla, cuenta la historia de Khaled, quien regresa a Alejandría después de años en Estados Unidos y descubre que las cosas no van demasiado bien. Su novia planea irse del país y la relación con su padre se ha deteriorado completamente. Una noche, mientras camina por las calles irreflexivo y confundido, se encuentra con la cultura underground de su ciudad: raperos, roqueros, graffiteros, todo un mundo de creatividad, expresión y arte. Khaled quedará fascinado y cambiará, a raíz de ello, su estilo de vida. A medida que se adentra en este mundo, se convertirá en un referente de la escena artística local. Centrándose en pequeños detalles, su director, Abdalla, destacó lo valioso de las cosas simples dando como resultado una película divertida, en plena transición del cine egipcio. Este filme, dato no menor, tuvo su momento de exhibición durante la revuelta sociopolítica ocurrida en Túnez y, posteriormente, en Egipto.
Majid (2010), dirigida por el marroquí Nassim Abassi, responsable de The Winter Sun is a Lie (2005), cuenta la historia de un niño huérfano de diez años de edad llamado Majid. Este chico, en su tremenda angustia, se da cuenta de que no puede recordar la cara de sus padres fallecidos en un incendio. Por eso, le pedirá a su hermano mayor, Driss, que le ayude a encontrar una foto, pero él sólo quiere autoexiliarse voluntariamente del país. Majid descubrirá que hay una sola foto de sus padres en toda la capital económica marroquí, Casablanca, y decidirá, junto con su amigo Larbi, ir en búsqueda de la tan deseada fotografía.
Teta, Alf Marra (2010), conocida en el mundo anglosajón como Grandma, a thousand times, es decir Abuela, mil veces, es un documental poético que pone el ojo en una abuela beirutí, Teta Fátima Kaabour, que invoca las historias que vivió durante toda su vida para conmemorar sus muchos mundos antes de que sean borrados. Un trabajo de realismo mágico, que tiene como objetivo desafiar el final.
Hawi (2010), nativa de Egipto, tercer largo de Ibrahim El Batout, representa el viaje de Youssef, un hombre de 40 años, quien queda liberado después de estar cinco años como prisionero solitario. Es también la historia de un grupo de compositores, un ejecutivo de televisión en busca de un presentador, un malabarista y su viejo caballo enfermo. Lo que podría ser una serie de subtramas inconexas, se convertirá en un estudio sociológico de una ciudad poblada por personajes desesperados y un retrato de la vida de la gente común en Alejandría.
Advertiremos la revolución tunecina, mediante No More Fear (2010), desde el devenir de tres personajes. Serán la joven Lina Ben Mghenni la que narrará los acontecimientos de la localidad de Sidi Bouzid en su blog, la abogada Radhia Nasraoui la que tendrá que pagar el precio de su lucha por defender los derechos humanos y el periodista Karem Chérif el que defenderá su barrio con fervor. Igualmente, estas personas sólo resultarán testigos de la inmensa revolución que se ha puesto en marcha. A través de su mirada, el cineasta Mourad Ben Cheikh narra la revuelta de todo un país.
Por su parte, cada largometraje estará acompañado de un corto afín en un doble programa federal e inclusivo con las filmografías de Qatar, Emiratos Árabes Unidos, Marruecos, Egipto, Líbano y Túnez.

No seré aprendiz de borrego

Entrevista a Adrián y Ramiro García Bogliano por el estreno de Penumbra

Nota: "Estudiar videojuegos en la Argentina"

Nota: La Chica del Dragón Tatuado, de David Fincher

Entrevista a Pablo Salomón, productor de Aballay: El hombre sin miedo

Review de Tapping the Vein, de Clive Barker

Nota: Inmortales

Mención de la entrevista en Radio Nacional Rock

Mención de la nota a Pablo Salomón, productor de Aballay

Entrevista en El Fin del Finde (Radio Nacional Rock)

Cita de reseña sobre Orden de Compra en el catálogo de Ed. Marea 2011

Review: Emperor of Hemp: The Jack Herer Story

Historia del cine: Sid and Nancy

Mención entre la publicidad del Festival 1000 Gritos

Mención entre los responsables de la 2000 Maníacos

Disgresiones profesionales

Top 10 del 2011 en VideoFlims Distribución

Nota: "EA Sports nos trae 3 juegos: Con destino Sudamérica"

Top 10 del 2011

Nota: Sherlock Holmes 2

El deber-ser de la televisión

Nota: "Extraños en la Noche", de Alejandro Montiel

Nota: "Fango", de José Campusano

Review: Paul

Historia del cine: Panic in the Needle Park

Crónica de Paco Fox en Argentina

Adhesión a los estudiantes del IDAC

Nota: "¡Indignación! ¡Messi pasa a FIFA Street!"

Review de Jackie Brown

Nota: Mia, de Javier Van der Couter

Entrevista a Fabián Gabelli, entrenador de animales

Review del guión de Bastardos Sin Gloria

Nota: La Profecía del 11-11-11

Reseña Rampage

Reseña Tebaatusasula

Reseña Who Killed Captain Alex?

Cita de la reseña de Chappaqua para Revista THC en el blog Cabeza de Humo

Historia del cine: The Cool and the Crazy

Nota: "La historia ante todo"

Review de Troma is Spanish for Troma

Retrospectiva Javier Diment

Retrospectiva Plaga Zombie

Ghostwriter del Premio VideoFlims

Editorial de VideoFlims en el catálogo del BARS XII

Ghostwriter de Chimiboga en Los 7 Magníficos

Nota sobre Netflix Latinoamérica

Nota sobre el Buenos Aires Rojo Sangre

Nota: Extraños en la noche, entrevista a Diego Torres

Review del libro "Su último saludo en el escenario"

Nota de Detrás de las paredes (Dream House, 2011)

Historia del cine: Chappaqua

Cine, ética y Relaciones Públicas

Mención de la review de El Marfíl en Herjorcinema.com.ar

Nota: "Escuchar, mirar y jugar"

Review del libro Cuentos de Fantasmas: Historias Asombrosas y del Más Allá

Nota Sin Límites (Limitless, 2011)

Mención en el staff de Revista Irrompibles

Mención en la crónica de la 2da Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

Spot de Proyecto F para VideoFlims

Historia del cine: Sed de Mal (1958)

Nota: "La Patria Equivocada"

Nota a favor de Carlos Galettini

Nota: "Catering en el cine"

¿Quién es esa chica? Jessica Chastain

Entrevista a propósito de la Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

Historia del cine: Magical Mistery Tour

Ghostwriter de la sinopsis de Chimiboga, de Ayar B.

Columna de opinión: Nerdencias (Agosto 2011)

Historia del cine: Assassin of Youth (1937)

Nota: "No al canon"

Nota sobre El Hobbit

Entrevista a Yago Blanco, director de Güelcom (2011)

¿Quién es esa chica? Silvia Jofre Iacopetti

Review del juego Assassin’s Creed: Brotherhood

Review del libro Batu 1, de Tute

Nota de Quiero Matar a mi Jefe (Horrible Bosses, 2011)

Ghostwriter carátula de Del Triple 6 para VideoFlims

Entrevista a propósito del "Cine de género en Argentina"

Nota: "Parecido, pero distinto"

El cine independiente y su relación con la prensa: La experiencia de VideoFlims